Leão 98

Album Help Beatles

2010-11-09T10:39:00.000-08:00

Help! é o quinto álbum do grupo The Beatles, que teve também um lançamento simultâneo de um filme com mesmo nome.

Lançado em Agosto de 1965, no auge da beatlemania e das turnês do grupo, o álbum reflete algumas mudanças na música dos fab-four. Temos Lennon compondo ao estilo de Bob Dylan em "You've Got To Hide Your Love Away", a candidez de Harrison em "I Need You". Além do sucesso de "Ticket To Ride" e da música "Help" o álbum ainda têm uma preciosidade: a música "Yesterday", nada menos que a canção mais regravada na história da música.

História

Na época de Help!, os Beatles ainda lançaram alguns compactos que tiveram algumas músicas não incluídas no álbum. "Yes It Is" (John a compôs com a colaboração de Paul) foi lado B do compacto que tinha "Ticket To Ride" e "I'm Down" (composição de Paul com a colaboração de John), lado B do compacto de "Help!".

Logo após o lançamento do álbum Help!, os Beatles fizeram um show que entrou para a história do rock, o primeiro show em um estádio e que bateu record de espectadores. Foi Sid Bernstein quem alugou o estádio Shea Stadium em Nova York para os Beatles se apresentarem.

Em 1965, Georg Harrison e John Lennon experimentariam pela primeira vez o LSD.

Postado por: Amanda Alves #2
Klinsmann #8
Larissa Soler #9
Laura Gomes #10
Pedro Henrique #18

2010-11-08T21:14:00.000-08:00

Moog

O termo sintetizador Moog (pronunciado "mogue" para rimar com "vogue", e não "mugue", como geralmente se pensa) pode se referir a qualquer um dos sintetizadores analógicos projetados pelo Dr. Robert Moog ou produzidos pela Moog Music, e é usado comumente como um designativo genérico para sintetizadores de música analógicos e digitais.

Pronúncia

Na cultura popular, o sobrenome Moog é um dos mais frequentemente pronunciados de forma errada. No trecho de entrevista apresentado a seguir, a pronúncia correta é explicitada:

— Entrevistador: Antes de mais nada: o seu nome rima com "vogue" ou é como um "mu" de vaca com um "G" no final?
— Dr. Robert Moog: Rima com vogue. Essa é a pronúncia alemã costumeira. O avô do meu pai veio de Marburgo, Alemanha. Gosto do modo como essa pronúncia soa, é melhor do que a forma "mu-g".
(Os linguistas observam que o som inglês "ou" em "vogue" é, na melhor das hipóteses, uma aproximação livre da pronúncia germânica do sobrenome Moog. O som inglês em "vogue" é um ditongo que não existe no alemão, enquanto o som original germânico é um "o:" curto que não existe na fonologia inglesa padrão, embora seja comum em alguns dialectos setentrionais.)

Numa cena excluída da versão em DVD do documentário Moog, Moog descreve as três pronúncias do nome: a pronúncia holandesa original, ("moch"), a pronúncia germânica (preferida, rima com vogue), e a pronúncia mais comum em países de língua inglesa (com o som /u/ longo). Moog revela que partes diferentes da família dele preferem pronúncias diferentes do nome, mas que ele (e certamente a esposa dele), preferem a pronúncia germânica.

Lista de sintetizadores Moog

-Moog modular synthesizer (1963–1980)
-Minimoog (1970–1982)
-Moog Satellite (1974–1979)
-Moog Sonic 6 (1974–1979)
-Micromoog (1975–1979)
-Polymoog (1975–1980)
-Minitmoog (1975–1976)
-Moog Taurus (1976–1983)
-Multimoog (1978–1981)
-Moog Prodigy (1979–1984)
-Moog Liberation (1980)
-Moog Opus-3 (1980)
-Moog Concertmate MG-1 (1981)
-Moog Rogue (1981)
-Moog Source (1981)
-Memorymoog (1982–1985)
-Moogerfooger (1998–atualmente)
-Minimoog Voyager (2002–atualmente)
-Little Phatty (2006–atualmente)
-Minimoog Voyager Old School School(2008)

Postado por:
Gabriel Luiz Plácido Pocentte

2010-11-08T20:26:00.000-08:00

Abbey Road

Abbey Road foi o 12° álbum lançado pela banda britânica The Beatles. Foi lançado em 26 de setembro de 1969, e leva o mesmo nome da rua de Londres onde situa-se o estúdio Abbey Road. Foi produzido e orquestrado por George Martin para a Apple Records. Este álbum está na lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame.

Apesar de ter sido o penúltimo álbum lançado pela banda, foi o último a ser gravado. As músicas do último disco lançado pelos Beatles, Let It Be, foram gravadas alguns meses antes das sessões que deram origem a Abbey Road. O álbum é considerado um dos melhores do grupo e parecia que os momentos de turbulências tinham passado e tudo havia voltado ao normal entre eles, mas na verdade o maior problema da banda começou a esquentar: Guerra de poderes. Após a morte de Brian Epstein, Paul McCartney sugeriu que John Eastman, advogado de sucesso e pai de Linda Eastman, tomasse conta dos negócios mas os outros Beatles desconfiando e visando uma proteção maior ao legado de todos sugeriram que Allen Klein, (um cara que era promotor dos Stones e já vinha tentando roubar os Beatles de Epstein há muito tempo), era a melhor opção pelo seu jeito convicto de "homem das ruas". McCartney não concordou por achar absurdo pagar 15% de todos os lucros para Klein. Após a separação da banda, Eastman foi advogado da carreira solo de Paul e Allen Klein foi a justiça por ter roubado uma média de 5 milhões dos Beatles. O restante dos Beatles mantiveram contrato com Klein até 1977.

George Martin produziu e orquestrou o disco junto com Geoff Emerick como engenheiro de som, Alan Parsons como assistente de som e Tony Banks como operador de fitas. Martin considera Abbey Road o melhor disco que os Beatles fizeram. E não é por menos: ele é o mais bem acabado de todos, um dos mais cuidadosamente produzidos (comparável somente a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band). Sua estrutura foi bastante pensada e discutida, e as visões discordantes dos integrantes da banda só contribuíram para a riqueza da criação final.

Também foi em Abbey Road que George Harrison se firmou como um compositor de primeira linha. Após anos vivendo sob a sombra de John Lennon e McCartney, ele finalmente emplacou dois grandes sucessos com este álbum: "Here Comes the Sun" e "Something". Ambas foram regravadas incessantemente ao longo dos anos, sendo que Something chegou a ser apontada pela revista Time como "a melhor música do disco" e como a segunda música mais interpretada no mundo, atrás somente de "Yesterday", também dos Beatles.

Este disco foi marcado pelo uso de novos recursos tecnológicos que estavam surgindo na época. Um deles foi o sintetizador Moog, que começava a ser utilizado em maior escala dentro do rock. Ele possibilitava que virtualmente qualquer som fosse gerado eletronicamente. O Moog pode ser notado claramente em músicas como "Here Comes the Sun", "Maxwell's Silver Hammer" e "Because". Por seu trabalho em Abbey Road, os engenheiros de som Geoff Emerick e Phillip McDonald ganharam o Grammy.

Origens

Após as desastrosas sessões de gravação do álbum então chamado de "Get Back" (mais tarde intitulado "Let It Be" para publicação), Paul McCartney sugeriu ao produtor George Martin que os Beatles se reunissem e fizessem um álbum "como nos velhos tempos… como a gente fazia antes", gravado ao vivo, sem overdubs e, logicamente, livres dos conflitos que começaram com as sessões do Álbum Branco. Martin pensou, levou em consideração o acontecido de ter sido produtor secundário do álbum Get Back e aceitou, mas com a condição que a banda se comportasse "como nos velhos tempos", e ele seria tratado como o "produtor dos velhos tempos" também. Queria o consentimento de Lennon que aceitou numa boa pois eles estavam loucos para compor e gravar. Porém algumas faixas como "Something" e "Golden Slumbers/Carry That Weight/The End" seguiram o estilo do Àlbum Branco, de gravar individualmente. Mas o resultado final acabou sendo este grande álbum, considerado por muitos críticos como o melhor da banda, e segundo a revista Rolling Stone o 14° melhor álbum de todos os tempos.

Quando foi gravado na época do vinil, o álbum tinha dois lados bem distintos entre si, a fim de agradar tanto a Paul McCartney como a John Lennon individualmente. O lado A, que ia de "Come Together" a "I Want You", foi feito para agradar a Lennon. È uma coleção de faixas individuais, enquanto que o lado B (para agradar a McCartney) contém uma longa coletânea de curtas composições que seguem sem interrupção. A seqüência de juntar músicas inacabadas criadas por McCartney e Lennon em um enorme pout-pourri foi uma das grandes criações de Paul dentro dos Beatles, e da música, senão a maior. No entanto, diferente de Sgt. Pepper's, considerar Abbey Road um disco conceitual é um engano. "È um bom disco de Rock&roll", disse Harrison.

Postado por:
Gabriel Luiz Plácido Pocentte nº5

The Beatles A Hard Days Night

2010-11-08T15:23:00.000-08:00

A Hard Day's Night é o terceiro álbum da banda britânica The Beatles. Lançado em 1964, na Inglaterra, acompanhando o lançamento do filme homônimo.
A versão britânica do álbum não representa exatamente a trilha sonora do filme, como a versão americana que contém as músicas instrumentais do filme, além das músicas interpretadas pelos Beatles. A versão americana do álbum, no entanto, não contém todas as canções da versão britânica. A versão britânica também foi lançada com a capa mostrando o nome da banda e do álbum, enquanto a capa da versão americana realça o título com a manchete: "ORIGINAL MOTION PICTURE SOUND TRACK" ("trilha sonora original do filme")."A Hard Day's Night" teve seu título sugerido por Ringo. Após um dia exaustivo de trabalho Ringo disse "It's been a hard day…and I looked around and saw it was dark so I said,…night!" ("Foi um dia duro… e eu olhei ao redor e vi que estava escuro, então eu disse,…noite"). Os dizeres de Ringo inspiraram o título do filme e consequentemente da música. Embora creditada a Lennon/McCartney, foi John quem compôs a música e a cantou também. Paul o acompanhou no vocais em alguns trechos. Além de "A Hard Day's Night", John compôs e cantou "I Should Have Known Better", "Any Time at All", "When I Get Home", "You Can't Do That" e "I'll Be Back".

the Beatles Let It Be

2010-11-08T15:16:00.000-08:00

Let It Be é o décimo terceiro e último álbum lançado pelo grupo inglês de rock The Beatles. Gravado em janeiro de 1969, o álbum foi somente lançado em julho de 1970, após o disco Abbey Road (último disco gravado) e junto com o documentário de mesmo nome. Inicialmente se chamaria Get Back. A última sessão de gravação foi em 3 de Janeiro de 1970, quando Paul, George e Ringo encontraram-se para terminar "I Me Mine", de Harrison, que entraria em Get Back. Dois meses depois, as fitas de Get Back foram entregues para o produtor estadunidense, Phil Spector, "retrabalhar". George Martin já estava cansado das brigas e discussões dos Beatles e também achou que seria antiprofissional trabalhar naquelas fitas de má qualidade. Como Spector tinha produzido o recém-lançado single de Lennon, "Instant Karma", John decidiu pedir(sem autorização de McCartney), para Phil "dar uma olhada e ver o que podia ser feito".

Moda Punk

2010-11-08T09:18:00.000-08:00

A Moda:
A moda é, junto à música, o aspecto cultural mais característico e evidente do punk. O termo moda, no entanto, não é bem aceito pela maioria dos punks e influenciados pela cultura punk pois é entendido estritamente como modismo, aceitação social, comércio e/ou mera aparência. Costuma-se empregar o termo estilo, com o significado de "roupa como afirmação pessoal" (apesar deste também ser um dos significados da palavra moda), ou mais comumente ainda o termo visual, utilizado em quase toda a cultura alternativa brasileira, não somente no meio punk.

O Comeco:
Originalmente, fãs de vestiam-se como greasers dos anos 1950 e 1960, sobretudo nos Estados Unidos, ou de forma semelhante aos fãs de Glam Rock, estilo musical em voga na Inglaterra no começo dos anos 1970. O punk teve seu primeiro estilo próprio difundido com a estilista Vivienne Westwood, dona da loja de roupas Sex que abasteceu as primeiras bandas punks na Inglaterra. Suas roupas se caracterizavam pelo uso de slogans no estilo situacionista, símbolos políticos antagônicos, obscenidade, peças baseadas em roupas obscuras como camisas de forças e parafernália a partir daí a criação individual se torna a marca registrada dos punks, transformando-se mais em uma questão de estilo do que moda no sentido popular do termo. Uma das principais fontes de inspiração foi o pioneiro norte-americano Richard Hell, famoso por cortar o próprio cabelo e adaptar, de forma "artesanal", camisetas. Era comum nesta fase um corte bem curto de cabelo, tanto para mulheres quanto para homens, numa inclinação à androginia em ambos os gêneros (diferente da "feminilização" dos glam rockers, movimento com notável influência sobre os primeiros anos do punk), e utilização de elementos de várias modas juvenis de outras décadas, como o Mod e Teddy Boy, além de elementos kitsch como suéteres multicolores, boinas, bandanas, estampas falsas de pele de animal. O alfinete, utilizado como piercing, a meia arrastão, o prendedor de patches ou aleatoriamente sobre a roupa, se tornou um dos símbolos característicos do punk.

Postado Por: Larissa Soler #9

Let it be

2010-11-07T13:02:00.000-08:00

Let it be

2010-11-07T13:00:00.000-08:00

The Beatles

Composição: John Lennon e Paul McCartney

When i find myself in times of trouble
Mother mary comes to me
Speaking words of wisdom, let it be.
And in my hour of darkness
She is standing right in front of me
Speaking words of wisdom, let it be.
Let it be, let it be.
Let it be, let it be.
Whisper words of wisdom, let it be.

And when the broken hearted people
Living in the world agree,
There will be an answer, let it be.
For though they may be parted there is
Still a chance that they will see
There will be an answer, let it be.
Let it be, let it be.
Let it be, let it be.
There will be an answer, let it be.
Let it be, let it be.
Let it be, let it be.
Whisper words of wisdom, let it be.
Let it be, let it be.
Let it be, let it be.
There will be an answer, let it be.

Let it be, let it be.
Let it be, let it be.
There will be an answer, let it be.

And when the night is cloudy,
There is still a light that shines on me,
Shine on until tomorrow, let it be.
I wake up to the sound of music
Mother mary comes to me
There will be no sorrow, let it be.
Let it be, let it be.
Let it be, let it be.
There will be no sorrow, let it be.
Let it be, let it be,
Let it be, let it be.
Whisper words of wisdom, let it be.

Postado por: Lucas jorge

Let it be

2010-11-07T12:51:00.000-08:00

Let It Be é o décimo terceiro e último álbum lançado pelo grupo inglês de rock The Beatles. Gravado em janeiro de 1969, o álbum foi somente lançado em julho de 1970.

Faixas

1. "Two of Us"
2. "Dig a Pony"
3. "Across the Universe"
4. "I Me Mine" (Harrison)
5. "Dig It" (Lennon/McCartney/Harrison/Starkey)
6. "Let It Be"
7. "Maggie Mae" (trad.arr. Lennon/Mccartney/Harrison/Starkey)

8. "I've Got a Feeling"
9. "One After 909"
10. "The Long and Winding Road"
11. "For You Blue" (Harrison)
12. "Get Back"

Postado por: lucas jorge

The Clash

2010-10-25T12:30:00.000-07:00

Documento do Vídeo:http://www.youtube.com/watch?v=QcPvHkXfqoc&ob=av2n

The Clash

The Clash foi uma banda inglesa de punk rock formada em 1976 como parte da primeira onda do punk rock britânico. Além do punk, experimentou outros gêneros musicais, como reggae, ska, dub, funk, rap e rockabilly. Durante grande parte de sua carreira, o Clash consistiu de Joe Strummer (vocalista principal, guitarra rítmica), Mick Jones (guitarra principal, vocais), Paul Simonon (baixo, backing vocals, ocasionalmente vocais principais) e Nicky "Topper" Headon (bateria, percussão). Headon deixou o grupo em 1982, e atritos internos resultaram na saída de Jones no ano seguinte. O grupo prosseguiu com novos membros, mas acabou no início de 1986.
The Clash foi grande sucesso no Reino Unido a partir do lançamento de seu álbum de estréia, The Clash, em 1977. O terceiro álbum do grupo, London Calling, lançado no Reino Unido em dezembro de 1979, trouxe-lhe popularidade nos Estados Unidos, ao ser lançado neste país no mês seguinte. Aclamado pela crítica, foi declarado o melhor álbum dos anos 1980 na década seguinte pela revista Rolling Stone.
As letras politizadas do Clash, sua experimentação musical e atitude rebelde tiveram uma influência profunda no rock, em especial no rock alternativo. Eles são amplamente referidos como "a única banda que importa", uma alcunha comercial originalmente introduzida pela gravadora do grupo, a CBS. Em janeiro de 2003, a banda, incluindo o baterista original, Terry Chimes, foi introduzida no Rock and Roll Hall of Fame. Em 2004, a Rolling Stone classificou o Clash como trigésimo maior artista de todos os tempos.

Biografia

Formação e primórdios da banda

Formado originalmente por John Mellor, mais conhecido como Joe Strummer (vocais, guitarra rítmica), Mick Jones (vocais, guitarra), Paul Simonon (baixo e vocais), Keith Levene (guitarra guia) e Terry Chimes, creditado no primeiro LP como "Tory Crimes" (bateria), o Clash foi formado em Londres em 1976 durante a primeira leva do punk britânico. Strummer fazia parte dos The 101ers e Jones e Simonon da lendária banda de proto-punk London SS. Por influência do empresário Bernie Rhodes, Levene e Simonon recrutaram Strummer. Estava formado o Clash. Keith Levene foi o guitarrista da banda neste começo, mas depois de cinco shows abandonou o grupo sob circunstâncias ambíguas.
Depois do lançamento do primeiro álbum do Clash, Chimes foi substituído pelo baterista Topper Headon. Inicialmente a banda foi conhecida por sua visão extremamente esquerdista e pelas roupas que eles pintavam com slogans revolucionários. O primeiro show foi em 1976 como banda de apoio dos Sex Pistols, e então eles assinaram contrato com a CBS Records. O Clash lançou seu primeiro compacto ("White Riot") e seu primeiro álbum (The Clash) em 1977, alcançando sucesso considerável no Reino Unido. Apesar disso a CBS se recusou a lançá-los nos Estados Unidos, só o fazendo dois anos depois.
The Clash foi um álbum de punk rock britânico seminal. A maioria das canções eram porradas de 2-3 minutos, mas as composições e melodias superiores destacaram Strummer e Jones entre a maioria de seus contemporâneos. Incluiria também a primeira evidência de sua habilidade, que se repetiria por toda a carreira da banda, de absorver um estilo musical e dar a ele uma atmosfera própria, aqui com uma versão do clássico do reggae “Police and Thieves”.
Seu álbum seguinte, Give 'Em Enough Rope, foi o primeiro a apresentar Topper Headon em todas as faixas. Rope foi lançado em 1978, alcançando a segunda colocação na parada de sucessos britânica mas fracassando em sua tentativa de penetrar no maior mercado mundial de canção, os Estados Unidos.

Sucesso nos Estados Unidos

Give 'Em Enough Rope foi o primeiro álbum do Clash lançado nos E.U.A., e para divulgá-lo a banda organizou uma turnê norte-americana em 1979. Seu primeiro álbum só sairia ali em julho de 1979, então em versão drasticamente revisada e editada da lançada anteriormente.
O sucesso de crítica e de vendas do Clash nos Estados Unidos veio com London Calling, um álbum duplo lançado em 1979 (pelo preço de um simples, por exigência da banda). Além do punk, apresentava uma gama variada de estilos, incluindo o rockabilly e reggae. É considerado o melhor álbum do Clash, e foi eleito um dos 10 melhores álbuns de sempre pela revista Rolling Stone.
A seguir veio Sandinista!, álbum triplo pelo preço de um duplo, lançado no final de 1980. A banda continuou seus experimentos com o reggae e o dub, se expandindo em direção a outras técnicas de produção e estilos musicais, que incluíam jazz e hip-hop. O resultado confundiu os novos fãs e as vendas caíram, embora tenham se saído melhor nos E.U.A. Depois do lançamento de ‘’Sandinista!’’, o Clash entrou em sua primeira turnê mundial, visitando países da Ásia e da Oceania.
Em 1982, a banda retornou com o mais vendido de seus álbuns, Combat Rock, apresentando os sucessos "Rock The Casbah" e "Should I Stay Or Should I Go?".

Tensões e dissolução

Os sintomas aparentemente passaram despercebidos com o sucesso de Combat Rock, mas depois deste álbum o Clash começou lentamente a se desintegrar. Topper Headon foi demitido devido à problemas com drogas, e o baterista original da banda, Terry Chimes, foi chamado de volta para a turnê seguinte. Depois da turnê Combat Rock de 1982 ele saiu do Clash, convencido de que o grupo não duraria muito tempo com todas as brigas e desentendimentos. Em 1983, depois de uma longa busca por um novo baterista, Pete Howard foi recrutado e tocou com a formação original em alguns shows nos Estados Unidos.
Em setembro de 1983, Strummer e Simonon expulsaram Jones da banda, citando seu comportamento problemático e divergências musicais. Depois de uma série de testes, a banda contratou Nick Shepperd e Vince White, ambos com 23 anos, como seus novos guitarristas. Eles voltaram a se apresentar em janeiro de 1984, e no final do mesmo ano anunciaram que um novo disco estava a caminho.
As sessões de gravação deste novo álbum foram decepcionantes, com o empresário Bernie Rhodes recusando o talento considerável de Howard em favor de uma bateria eletrônica, alterando drasticamente os arranjos das canções e baseando o som da banda em sintetizadores.
Desiludidos com o álbum, Strummer levou o Clash para viajar pela Inglaterra e Escócia, tocando de graça em esquinas e bares. O grupo apresentou seus últimos shows em 1985. Enquanto isso, Cut the Crap era lançado, sendo bombardeado pelas críticas e sofrendo vendas pífias.

Carreiras pós-Clash

Joe Strummer atuou em alguns filmes, gravou trilhas sonoras e tocou com algumas bandas de sucesso limitado. No final dos anos 90, ele reuniu um grupo chamado The Mescaleros, assinando com o selo punk Hellcat Records e lançando um álbum chamado Rock Art and the X-Ray Style. A banda passou a fazer turnês pelos Estados Unidos e Inglaterra, tocando, além de suas canções, sucessos do Clash e clássicos do reggae. Em dezembro de 2002, Strummer morreu subitamente, vítima de um ataque cardíaco. Ele tinha 50 anos. O álbum do Mescaleros em que ele estava trabalhando, Streetcore, foi lançado postumamente em 2003, sendo aclamado pela crítica.
Depois do fim do The Clash, Paul Simonon entrou para um grupo chamado Havana 3AM, que gravou somente um álbum no Japão e se separou. Posteriormente Simonon voltaria às suas raízes de artista visual, organizando várias galerias de arte. Sua relutância em voltar a tocar foi citado como a principal razão de o Clash ter sido uma das poucas bandas punks britânicas dos anos 70 que não se aproveitou da febre de nostalgia punk que assolou o final dos anos 90 para tentar relançar a carreira. Atualmente, faz parte da banda The Good, the Bad and the Queen, formada ainda por Damon Albarn (vocalista), o ex-membro do The Verve e guitarrista do Blur e Gorillaz Simon Tong e o baterista da banda Africa '70 de Fela Kuti Tony Allen. Tal banda tem feito bastante sucesso de crítica e de público.
Mick Jones, após sair do CLASH, por desentendimentos com os outros integrantes, fundou e participou da banda Big Audio Dynamite - BAD (banda de beat reggae dub), na qual alcançou relativo sucesso no final dos anos 1980 e início dos 1990; e atualmente encontra-se na banda Carbon/Silicon.
Depois de ser despedido do Clash, Topper Headon seguiu sem rumo com seu vício em heroína. Ele formou uma banda de jazz que durou pouco tempo. Até a gravação do documentário de Don Letts sobre o Clash, Westway To The World, Headon tinha sumido do mundo da canção. Atualmente ele está limpo e continua a tocar. Foi em um de seus shows que ele ficou sabendo da morte de Joe e, em 2003, anunciou que tocaria em tributo ao antigo companheiro de banda.

Política

A música da banda era frequentemente carregada de ideologia política de esquerda. Joe Strummer, em particular, foi um militante comprometido com as causas de esquerda. O Clash é creditado como a banda pioneira na defesa da política radical no punk rock, sendo seus membros conhecidos como os "bagunçeiros pensantes" por muitos simplesmente por expressarem um ponto de vista político diferente do anarquismo. Assim como a maioria das primeiras bandas de punk, o Clash protestava contra a monarquia e a aristocracia. Mas, ao contrário destas, o Clash rejeitou o niilismo. Ao invés disso, eles se solidarizaram com diversos movimentos de libertação da época, tendo participado ativamente de grupos como a Anti-Nazi League (em português: Liga Anti-Nazista). Em abril de 1978, o Clash foi a principal atração do show Rock Against Racism no Victoria Park em Londres, que teve o comparecimento de 80.000 pessoas. Nele, Strummer vestiu uma polêmica camiseta com as palavras "Brigate Rosse" e o emblema da facção Baader-Meinhof estampadas no centro. Ele declarou posteriormente que usou a camiseta não para apoiar os grupos terroristas, mas para chamar atenção para a existência deles. Na canção "Tommy Gun", o grupo renuncia à luta armada.
A visão política da banda era expressada explicitamente em letras de canções como "White Riot", que encorajava os jovens brancos a entrarem para organizações que defendem os direitos dos negros; "Career Opportunities", que tratava da alienação dos mal-pagos, dos trabalhos rotineiros e o descontentamento com a falta de alternativas no mercado de trabalho; e "London's Burning", que falava da desolação e do tédio no interior da capital britânica. A artista Caroline Coon, asssociada à cena punk, argumentou que "estas fortes canções militaristas eram o que precisávamos durante o começo do Thatcherismo". Os interesses políticos da banda aumentaram em gravações posteriores. O título de Sandinista! celebrava os rebeldes de esquerda que haviam derrubado o déspota nicaragüense Anastasio Somoza, e o álbum era preenchido com canções politicamente orientadas que se estendiam para muito além das costas britânicas: "Washington Bullets" abordava as operações militares secretas ao redor do globo, enquanto "The Call-Up" era uma reflexão sobre a política de conscrição dos Estados Unidos. A faixa "Straight to Hell" de Combat Rock foi descrita pelos críticos de música Simon Reynolds e Joy Press como uma "volta ao mundo em guerra cinco versos pelas zonas de inferno onde crianças-soldados definham".
A ideologia política da banda se refletia em sua resistência às motivações da indústria musical que visavam o lucro habitual; mesmo em seu auge, os preços de ingressos para shows e lembranças eram razoáveis. O grupo insistiu para que a CBS vendesse seus álbuns duplo e triplo London Calling e Sandinista! pelo preço de um único álbum cada (cerca de cinco libras esterlinas na época), obtendo êxito com o primeiro e se comprometendo a vender o segundo por £5,99 e concedendo todos os direitos de shows até que as primeiras 200.000 cópias fossem vendidas. Estes princípios de valor por dinheiro significavam que eles estavam sempre em dívida com a CBS, só começando a atingirem a independência financeira em 1982.

Legado e influência

De acordo com o The Times, o álbum de estreia do Clash é, ao lado de Never Mind The Bollocks, Here's The Sex Pistols, "a declaração definitiva do punk" e London Calling "continua sendo um dos álbuns de rock mais influentes". Na lista de 2003 da Rolling Stone dos 500 melhores álbuns de todos os tempos, London Calling aparece em oitavo, a melhor colocação de uma banda punk. The Clash apareceu na 77a posição e Sandinista! na 404a. Na lista de 2004 da revista das 500 melhores canções de todos os tempos, "London Calling" aparece em décimo quinto, mais uma vez a melhor colocação de uma banda punk. Outras quatro canções do Clash aparecem na lista: "Should I Stay Or Should I Go" (228), "Train In Vain" (292), "Complete Control" (361) e "White Man In Hammersmith Palais" (430). "London Calling" apareceu em 48o na lista das 100 melhores canções que utilizam guitarra elétrica da mesma publicação.

Discografia

Álbuns de estúdio

1977: The Clash
1978: Give 'Em Enough Rope
1979: London Calling
1980: Sandinista!
1982: Combat Rock
1985: Cut the Crap

Compilações

1980: Black Market Clash
1988: The Story of the Clash, Volume 1
1991: The Singles
1994: Super Black Market Clash
2003: The Essential Clash
2004: London Calling: 25th Anniversary Legacy Edition
2007: The Singles

Box Sets

1991: Clash on Broadway
2006: Singles Box

Ao vivo

1999: From Here to Eternity: Live
2008: The Clash: Live At Shea Stadium

EPs

1977: Capital Radio
1979: The Cost of Living

2010-09-26T13:22:00.001-07:00

Skate or Die! é um skate jogo lançado pela Electronic Arts em 1987 para o Sinclair ZX Spectrum, Commodore 64, Atari ST, Apple IIgs, Amstrad CPC, e compatíveis com IBM executando o MS-DOS. Ele foi portado para o Nintendo Entertainment System (NES) por Konami, e publicado pela Ultra Games. Em 2007, a versão NES foi re-lançado para Nintendo's Virtual Console serviço na Europa (excluindo a França) e Austrália. O Atari ST conversão foi contratada para Codemasters, que contratou modelos cinéticos para fazer o trabalho.
No estilo do popular Epyx "Jogos" série de época, onde os jogadores podem competir em cinco eventos de skate diferentes, individualmente ou em seqüência. Quando os eventos são desafiados seqüencialmente, até oito jogadores podem se inscrever para participar. O jogo manteve-se completamente não-violentos para maximizar as vendas em toda a Europa.

Grupo Kate Surf

Skate Punk

2010-09-24T19:00:00.000-07:00

Skate punk é um estilo de música, sub-gênero do punk rock, ligado à cultura do skate, utilizando comumente referências a ela tanto nos aspectos rítmicos quanto nos temáticos. Sua origem está ligada à marginalização e o estereótipo negativo associado aos skatistas no começo da década de 1980, nos Estados Unidos. O termo por vezes é utilizado como referência à certos aspecto do estilo alternativo de alguns skatistas, em geral a forma de se vestir para conseguirem realizar as manobras no skate.
Entre as bandas skate punk de destaque estão principalmente: 7 Seconds e Black Flag, mas também The Adolescents, Agent Orange, U.S. Bombs, Circle Jerks, Suicidal Tendencies, Minor Threat, Grinders, The Briefs.
O skate punk é utilizado com freqüência como fundo musical para ambientes de prática do skate e está diretamente relacionado com o punk rock californiano.
Uma das principais influências foi a revista estadunidense Thrasher que se tornou o principal veículo da informação no meio, além dos inúmeros fanzines, estes nem tão divulgados ao redor do mundo.
No Brasil, as primeiras bandas de skate punk foram o Grinders, o Pakdermes e o Necrópole. Dessa primeira leva, a banda que se destacou foi o Grinders, que participou da coletânea Ataque Sonoro em 1985, lançou um álbum homônimo em 1987 e participou da coletânea Independência ou Morte! em 1989, a banda se reuniu recentemente e toca até hoje. Outra banda que merece ser citada é o Sindrome de Down?, que lançou o álbum Carpe Diem em 1990.

Grupo : KateSurf

T. Rex

2010-09-12T09:41:00.000-07:00

Biografia

Marc Bolan formou o grupo folk Tyrannosaurus Rex no fim dos anos 60, ainda como um duo. No início dos anos 70 mudou o nome para T.Rex, já como uma banda lançou albuns clássicos: “The Slider” (Telegram Sam, Ballroom of Mars), “Eletric Warrior” (Cosmic Dancer, Life’s a Gas, Mambo Sun), “Tanx”; embora vários outros discos tenham hits reconhecidos. Durante esse período, a chamada T. Rexcia (?), o grupo dominou as paradas inglesas, nessa fase Bolan foi um dos iniciadores do chamado Glam rock, usando roupas espalhafatosas, salto plataforma, muita pluma e paete. Nos E.U.A. seu único grande hit foi “Get it On” (renomeado Bang a Gong). Bolan chegou a ter um programa de televisão onde recebia novos expoentes da cena musical.
Marc Bolan faleceu em um acidente de carro, semanas após Elvis Presley. Segundo os críticos influenciou artistas do heavy metal, punk rock e folk.

Discografia

01. Hot Rod Mama
02. Scenescof

03. Child Star
04. Strange Orchestras
05. Chateau in Virginia Waters
06. Dwarfish Trumpet Blues
07. Mustang Ford
08. Afghan Woman
09. Knight10. Graceful Fat Sheba
11. Weilder of Words
12. Frowning Atahuallpa
01. Deboraarobed
02. Stacey Grove
03. Wind Quartets
04. Conesuela
05. Trelawney Lawn
06. Aznageel The Mage
07. The Friends
08. Salamanda Palaganda
09. Our Wonderful Brownskin Man
10. Oh Harley (The Saltimbamques)
11. Eastern Spell
12. The Travelling Tragition
13. Juniper Suction
14. Scenescof Dynasty
01. Chariots Of Silk
02. Pon A Hill
03. The Seal Of Seasons
04. The Throat Of Winter
05. Cat Black (The Wizard’s Hat)
06. Stones For Avalon
07. She Was Born To be My Unicorn
08. Like a White Star, Tangled and Far, Tulip That’s What You Are
09. Warlord of The Royal Crocodiles
10. Evenings of Damask
11. The Sea Beasts
12. Iscariot
13. Nijinsky Hind
14. The Pilgrim’s Tale
15. The Misty Coasts of Albany
16. Romany Soup
01. Prelude
02. A Daye Laye
03. Woodland Bop
04. Fist Heart Mighty Dawn Dart
05. Pavilions of Sun
06. Organ Blues
07. By the Light of a Magical Moon
08. Wind Cheetah
09. A Beard of Stars
10. Great Horse
11. Dragon’s Ear
12. Lofty Skies
13. Dove
14. Elemental Child
01. The Children of Rarn
02. Jewel
03. The Visit
04. Childe
05. The Time of Love Is Now
06. Diamond Meadows
07. Root of Star
08. Beltane Walk
09. Is It Love?
10. One Inch Rock
11. Summer Deep
12. Seagull Woman
13. Sun Eye
14. The Wizard
01. Mambo Sun
02. Cosmic Dancer
03. Jeepster
04. Monolith
05. Lean Woman Blues
06. Get It On
07. Planet Queen
08. Girl
09. The Motivator
10. Life’s A Gas
11. Rip Off
01. Metal Guru
02. Mystic Lady
03. Rock On
04. The Slider
05. Baby Boomerang
06. Spaceball Ricochet
07. Buick Mackane
08. Telegram Sam
09. Rabbit Fighter
10. Baby Strange
11. Ballrooms of Mars
12. Chariot Choogle
13. Main Man”
01. Tenement Lady
02. Rapids
03. Mister Mister
04. Broken-Hearted Blues
05. Shock Rock
06. Country Honey
07. Electric Slim The Factory Hen
08. Mad Donna
09. Born To Boogie
10. Life Is Strange
11. The Street & Babe Shadow
12. Highway Knees
13. Left Hand Luke
14. Children Of The Revolution
15. Jitterbug Love
16. Sunken Rags
17. Solid Gold Easy Action
18. Xmas Message
19. 20th Century Boy
20. Free Angel
01. Venus Loon
02. Sound Pit
03. Explosive Mouth
04. Galaxy” – 1:48
05. Change” – 2:47
06. Nameless Wildness
07. Teenage Dream
08. Liquid Gang
09. Carlisle Smith & the Old One
10. You’ve Got to Jive to Stay Alive – Spanish Midnight
11. Interstellar Soul
12. Painless Persuasion V. The Meathawk Immaculate
13. The Avengers (Superbad)
14. The Leopards Featuring Gardenia and the Mighty Slug
01. Light of Love
02. Solid Baby
03. Precious Star
04. Token of My Love
05. Space Boss
06. Think Zinc
07. Till Dawn
08. Girl in the Thunderbolt Suit
09. I Really Love You Babe
10. Golden Belt
11. Zip Gun Boogie
12. Do You Wanna Dance
13. Dock of the Bay
01. Futuristic Dragon (Introduction)
02. Jupiter Liar
03. Chrome Sitar
04. All Alone
05. New York City
06. My Little Baby
07. Calling All Destroyers
08. Theme For A Dragon
09. Sensation Boulevard
10. Ride My Wheels
11. Dreamy Lady
12. Dawn Storm
13. Casual Agent
14. London Boys
15. Laser Love
16. Life’s An Elevator
01. Dandy in the Underworld
02. Crimson Moon
03. Universe
04. I’m a Fool For You Girl
05. I Love to Boogie
06. Visions of Domino
07. Jason B. Sad
08. Groove a Little
09. Soul of My Suit
10. Hang Ups
11. Pain and Love
12. Teen Riot Structure

Por:Neto Stocker #:17

2010-09-11T07:19:00.000-07:00

New York Dolls

O New York Dolls foi uma das bandas americanas influenciadoras do movimento punk. Sua formação inicial contou com David Johansen (vocais), Johnny Thunders (guitarra), Sylvain Sylvain (guitarra), Arthur Kane (baixo) e Billy Murcia (bateria). Antes de formar os New York Dolls haviam se apresentado algumas vezes como Actress. Foram uma das primeiras bandas a adotar um visual glittler (andrógino e colorido) como mais uma maneria de chamar atenção.

Antes da gravação do primeiro disco o baterista Billy Murcia morreu afogado em uma banheira (onde fora colocado pelo companheiros para se curar de uma ressaca) e para seu lugar foi chamado Jerry Nolan.

O álbum The New York Dolls lançado em 1973, com seu resgate da sonoridade simples original do rock and roll em meio ao surgimento do rock progressivo, foi completamente ignorado por crítica e público. O segundo álbum, For Too Much Too Soon de 1974 foi um outro equivoco, com a produção não conseguindo captar o espírito da banda e gerando um trabalho sem personalidade alguma. Desentendimentos quanto à produção deste álbum entre Thunders e Johansen começaram a surgir.

Em uma turnê pela Inglaterra em 1974 a banda visitou a loja de Malcolm McLarem, conquistando imediatamente a sua atenção. Malcolm se tornou seu produtor e juntamente com a namorada estilista Vivienne Westwood tentou montar um novo visual para a banda, com roupas de couro vermelhas em referência ao regime comunista, numa patética tentativa de chamar a atenção da imprensa. A banda implodiu quando Thunders saiu para montar os Heartbreakers. Malcolm McLarem voltou à Inglaterra para montar os Sex Pistols.

Embora não tenham conseguido durante sua curta carreira uma boa repercussão, com o decorrer dos anos o New York Dolls se tornou um cult em virtude de sua influência ter sido decisiva para a criação do punk rock. Em 1993 a banda Guns N'Roses relançou no disco The Spaghetti Incident uma versão para a música Human Being do New York Dolls e uma outra versão para a música You Can't Put Your Arms Around a Memory de Johnny Thunders (influência declarada do baixista Duff McKagan).

Integrantes originais:

David Johansen (vocais),
Johnny Thunders (guitarra),
Rick Rivetts (guitarra),
Arthur "Killer" Kane (baixo),
Billy Murcia (bateria),
Brian Delaney (bateria),
Steve Conte (guitarra),
Brian Koonin (teclado).

Outros integrantes:

Syl Sylvain (guitarra, substituindo Rick Rivetts),
Jerry Nolan (bateria, substituindo Billy Murcia),
Sami Yaffa (baixo, atualmente).

Discografia:

1973 - New York Dolls
1974 - Too Much Too Soon
1981 - Lipstick Killers - The Mercer Street Sessions 1972
1984 - Red Patent Leather
1992 - Seven Day Weekend
1993 - Paris Le Trash
1998 - Live In Concert, Paris 1974
2002 - From Paris With Love (L.U.V.)
2003 - Manhattan Mayhem
2006 - One Day It Will Please Us to Remember Even This
2009 - Cause I Sez So

Protopunk:

Protopunk é um termo usado para descrever retrospectivamente uma série de artistas da música que foram importantes precursores do punk rock em meados dos anos 1970 e, mais tarde, ou que tenham sido citados por músicos de punk como influencia[1].

Normalmente, as bandas proto punk não foram considerados deste gênero, o nome, além disso, não é considerada como resultado de uma gênero musical distinto. Os elementos precursores do punk rock vieram de uma grande variedade de origens, estilos e influências.

Grupos notáveis e sempre citados como influências fundamentais do movimento punk são The Who, The Stooges, The Kinks, The Runaways, David Bowie, T. Rex, The Velvet Underground, MC5, The Sonics, New York Dolls, Lou Reed, Captain Beefheart, Patti Smith, Richard Hell, The Doors e Big Star Roxy Music, Doctors of Madness e Hawkwind. Alguns artistas, como Roxy Music e David Bowie, teriam estendido sua influência até movimentos posteriores, como new wave e post punk.

Postado por : Gabriel Luiz Plácido Pocentte Nº5#

Televison Band

2010-09-10T18:46:00.000-07:00

Em uma versão anterior a Television chamada The Neon Boys participavam Tom Verlaine (vocal, teclado e guitarra), Billy Ficca (bateria) e Richard Hell (baixo e vocal). Richard e Verlaine eram amigos de colégio e se mudaram para New York em 1972 após abandonarem o colégio.
No final de 1973 os três mudaram o nome da banda para Television e chamaram Richard Llyd para ser o segundo guitarrista. O Television foi a primeira banda de punk rock a tocar no CBGB inaugurando o club para os sucessos posteriores como Ramones e Patti Smith Group.
Em 1975 Richard Hell saiu da formação por problemas de relacionamento com Verlaine pois ambos queriam maior posição de destaque na criatividade do grupo, além de Varlaine não aceitar o tema proposto por Richard: Blank Generation, o qual Richard só foi fazer quando pulou para os Voidoids onde teve o "papel principal" após passar também pelo The Heartbreakers em 1975 com Johnny Thunders e Jerry Nolan ambos do New York Dolls.
Seu primeiro álbum: Marquee Moon, foi muito bem recebido tanto por críticos como pelo público e ainda hoje o Television é classificado como uma das melhores bandas de todos os tempos graças a este álbum.
O segundo álbum Adventure (1978) não teve o mesmo sucesso em meio a brigas na banda e visões artísticas diferentes dos membros da banda. Logo após o Television se separou.
O grupo voltou a tocar junto em 1992 gravando um terceiro álbum chamado Television. Desde então o Television apresenta-se irregularmente em New York e esporadicamente faz alguns shows pelo mundo.
[editar]Membros

Tom Verlaine — vocal, guitarra e teclado
Richard Lloyd — guitarra,
Richard Hell — baixo, vocal (saiu em 1975)
Fred Smith — baixo, vocal (entrou em 1975)
Billy Ficca — bateria
[editar]Discografia

[editar]Álbuns
Marquee Moon - (1977) UK #28
Adventure - (1978) UK #7
The Blow-Up - (1982) [Ao vivo 1978]
Television - (1992)
Live at the Academy, 1992 - (2003) [Ao vivo 1992]
Live at the Old Waldorf - (2003) [Ao vivo 1978]

Lukas Urbano nº15

2010-09-04T15:41:00.000-07:00

MC5

2010-09-03T09:50:00.000-07:00

A banda de Detroit MC5, foi precursora do garage rock e uma das primeiras a fundir a agressividade musical com idéias políticas.

O grupo iniciou suas atividades em 1964, tocando na escola e em festas, com o nome Motor City Five, e tendo como membros Rob Tyner (vocais), Fred "Sonic" Smith (guitarra), Wayne Kramer (guitarra), Pat Burrows (baixo) e Bob Gaspar (bateria). Com o tempo, Smith e Kramer decidem experimentar novos sons, passando a usar o feedback e a distorção nas guitarras. Este novo som, mais agressivo, leva a que Burrows e Gaspar saiam da banda, em 1965. Para o seu lugar entram Michael Davis (baixo) e Dennis Thompson (bateria), em 1966.

Álbuns
1969: Kick out the Jams (Elektra Records, ao vivo)
1970: Back in the USA (Atlantic Records)
1971: High Time (Atlantic Records)
[editar] Compilações
1983: Babes in Arms
1995: Black to Comm

Roxy Music

2010-09-01T17:28:00.000-07:00

ALGUMAS LETRAS

HB
A Song For Europe
All I Want Is You
Angel eyes
Beauty Queen
Bitters End
Can't Let Go
Chance Meeting
Cry, Cry, Cry
Do The Strand
Eight Miles High
Flesh And Blood
Grey Lagoons
If There Is Something
In The Midnight Hour
Just Another High
Ladytron

Postado por: Lucas Jorge

Roxy Music

2010-09-01T17:16:00.000-07:00

Roxy Music.

2010-09-01T16:48:00.000-07:00

O Roxy Music é uma banda de art rock do Reino Unido fundada em Londres no início dos anos 1970 por Bryan Ferry, graduado de escola de arte.

O nome da banda é uma referência a títulos de antigos cinemas e salas de dança, um trocadilho com a palavra rock. Ferry primeiramente denominou a banda como Roxy, mas ao tomar conhecimento de outra banda dos Estados Unidos com o mesmo nome modificou para o nome atual.

O uso de temas nostálgicos e contemporâneos (ou ainda futuristas) era uma das marcas da banda, particularmente no início. O grupo é conhecido pela combinação de experimentalismo e sofisticação, pelo lirísmo contido nas letras, temas instrumentais virtuosos e produção visual exuberante.

O Roxy Music foi uma influência significativa para o início do movimento punk, fornecendo um modelo para novos grupo da New Wave e grupos eletrônicos do início dos anos 80.

Postado por: Lucas Jorge n°14

DAVID BOWIE

2010-08-31T18:37:00.000-07:00

DAVID BOWEI

David Bowie (nome artístico de David Robert Haywood-Jones, Londres, 8 de janeiro de 1947) é um músico e ator britânico, conhecido pelo seu trabalho musical nos anos 70 e 80 e pela sua alta influência no mundo da música, especificamente no rock[1]. David Bowie já vendeu cerca de 136 milhões de álbuns no mundo inteiro[2][3].

É conhecido também pela atuação em filmes como The Man Who Fell to Earth (br: O Homem que Caiu na Terra, 1975), The Hunger (br: Fome de Viver), Merry Christmas Mr. Lawrence (br: Furyo - Em Nome da Honra) e Labyrinth (br: Labirinto - A Magia do Tempo, 1986)[4].

É casado com a modelo somali Iman Abdulmajid desde 1992[5]. Tem dois filhos: Alexandria Zhara[6], nascida em 2000 e Duncan Zowie Haywood Jones[7] (nascido em 1971, fruto de seu casamento com Angela Bowie), além de uma enteada, Zulekha Haywood[8] (nascida em 1979), filha do primeiro casamento de Iman.

Visão geral
Seu verdadeiro nome é David Robert Jones, mas trocou o sobrenome devido ao seu homônimo no então famoso grupo estadunidense The Monkees. No início da carreira, ainda participou de grupos usando o verdadeiro nome, como Davie Jones and the King Bees (1964) e Davy Jones and The Lower Third (1965), chegando a gravar compactos sem maiores repercussões. Uma das teorias para o nome artístico conta que Bowie foi escolhido por ser o nome da fabricante da faca que se supõe ter cegado seu olho esquerdo ainda na adolescência em uma briga com um colega de escola, George Underwood. No entanto, a hipótese mais plausível para a paralisação da pupila esquerda é a de que, nessa briga, ocasionada pela disputa por uma namorada, Underwood teria acertado um soco no olho esquerdo de Bowie.

Começou a carreira solo (como cantor folk) em 1966, compondo, cantando e tocando. Em 1968, a canção "Space oddity" ficou entre as cinco primeiras da Inglaterra. Mas o sucesso internacional viria apenas com o álbum The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars, no qual foi acompanhado por Mick Ronson (guitarra), Trevor Bolder (baixo) e Woody Woodmansey (bateria). É nessa época que começariam as apresentações exuberantes, performáticas, com riqueza de figurino e maquiagem.

David Bowie ficou alguns anos fora dos palcos, mas em 1974 surpreendeu a crítica com um afastamento do rock e uma tendência para o rhythm and blues e o soul. Já no álbum de 1977, ficou evidente a preocupação excessiva com o colapso da civilização. Depois de um tempo, alcançaria o sucesso outra vez em 1983, com Let's dance, um álbum voltado ao pop, emplacando sucessos como Modern love e China girl e Blue Jean, entre outros.

Bowie fez produção de discos, trabalhou no filme O homem que caiu na Terra, de Nicolas Roeg, participou de vídeos e estrelou O Homem Elefante na montagem da Broadway, isto para citar algumas de suas atividades extramusicais. Em filmes, participou de Fome de viver (The hunger), com Catherine Deneuve, Apenas um gigolô (Just a gigolo) e Labirinto - A Magia do Tempo (Labyrinth), com Jennifer Connelly. Fez trilhas sonoras para os filmes Absolute beginners (no qual também atua), Labirinto e Eu, Christiane F., 13 anos, drogada e prostituída.

Bowie também fez a trilha musical para o jogo Omikron:The Nomad Soul, da empresa de jogos Eidos, e aparece no jogo como o personagem Boz, líder de uma banda de rock

Infância e Adolescência
David Robert Jones nasceu em Brixton, Londres, filho de mãe irlandesa. Seus pais se casaram pouco depois de ele nascer e quando ele tinha seis anos de idade a família se mudou para Bromley, em Kent, onde o pequeno David passou a frequentar a Bromley Technical High School

Quando ele tinha quinze anos de idade, se meteu em uma briga com George Underwood. Há várias versões sobre o incidente; alguns falam em anel, outros em faca, outros em um simples soco; o importante é que como resultado da briga Bowie teve que ficar oito meses fora da escola, para que os médicos pudessem fazer operações para recuperar o olho esquerdo, potencialmente cego. O dano não foi completamente corrigido, deixando a pupila esquerda sempre dilatada. Assim, Bowie não tem muita percepção de profundidade, e vê tudo em um tom meio amarronzado.

O garoto Bowie começou a se interessar por música aos nove anos, quando seu pai levou para casa uma coleção de LPs que incluía Fats Domino, Chuck Berry e Little Richard. Seu irmão mais velho o apresentou ao jazz moderno, e no Natal de 1959 sua mãe o presenteou com um saxofone.

Em 1962, David formou sua primeira banda: The Konrads. Depois disso, tocou em várias bandas de blues, como The King Bees, The Manish Boys, The Lower Third e The Riot Squad. Sua primeira gravação foi o single Liza Jane, em conjunto com os King Bees. Foi aqui que conheceu o então grande amigo e companheiro, Boy George, com quem manteve relações durante décadas.

Foi nos anos 60 que David Robert Jones se transformou em David Bowie. No começo da década, ele se apresentava como "Davie Jones", ou "Davy Jones", criando assim uma confusão entre ele e o então famoso Davy Jones dos Monkees. Em 1966, então, ele escolheu Bowie como seu sobrenome artístico, em homenagem à Jim Bowie e sua famosa faca Bowie.

Seu primeiro álbum foi lançado em 1967, pela Decca Records offshoot Deram. Era um álbum chamado simplesmente David Bowie, e misturava sonoridades pop e psicodélicas. Neste mesmo ano Bowie também lançou o single The Laughing Gnome, com o mesmo insucesso. Seguiu-se então um período de dois anos sem nenhuma gravação.

Influenciado pelo teatro, David frequentou as aulas de Lindsay Kemp, que misturavam teatro avant-garde e Commedia dell'arte. Essas aulas influenciaram-o a criar os personagens de suas fases posteriores.

[editar] Ziggy Stardust (1969-73)
Os primeiros passos de Bowie em direção a fama foram dados em 1969, com o single Space Oddity. A música, composta um ano antes mas lançada apenas em 69 para coincidir com a data do pouso na lua, conta a história de um astronauta que se perde no espaço e alcançou o Top 5 na Inglaterra.

O terceiro disco de Bowie foi lançado em 1970. Em "The Man Who Sold the World" ele se entrega totalmente as guitarras, em uma influência clara de Mick Ronson, que viria a ser seu parceiro inseparável. A capa original do LP trazia o cantor usando um vestido, em uma prévia do que viria a ser seu inconfundível estilo andrógino.

Em Hunky Dory (1971), Bowie explora temas mais sérios e autobiográficos, com muitas referências a seus ídolos. Junto com o single Changes, o álbum não foi um grande hit, mas deu o impulso inicial para o voo de Bowie em direção ao topo das paradas de sucesso.

A androginia, grande marco de Bowie, explodiu no disco conceitual The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. A história de um alienígena rock star que aterrissa em um mundo predestinado a acabar em cinco anos deu origem ao mais famoso personagem de David Bowie, e é o berço de muitos clássicos do rock.

A primeira turnê mundial de David Bowie, em 1972, foi baseada no personagem de Ziggy. Em uma performance cheia de maquiagem, luzes e roupas exuberantes, ele encarnava o personagem perturbado de suas canções. Com a ajuda de suas "Spiders from Mars" (Ronson na guitarra, Trevor Bolder no baixo e Mick Woodmansey na bateria) o álbum alcançou o topo das paradas, e transformou Bowie em uma estrela.

As aranhas foram convocadas de novo na gravação de Aladdin Sane, lançado em abril de 1973. Segundo Bowie, todas as músicas deste álbum foram compostas na estrada, enquanto ele estava fazendo a turnê de Ziggy Stardust. A capa, que trazia Bowie sem camisa, com o cabelo vermelho a là Ziggy e um raio azul, vermelho e preto desenhado no rosto, foi rotulada como uma das mais emblemáticas do mundo do rock.

A partir daí, as performances de Bowie foram ficando cada vez mais teatrais. Incluindo faixas de Aladdin Sane e The Rise and Fall, elas traziam um alienígena que simulava sexo oral com a guitarra de uma Spider From Mars. Durante esta turnê, Bowie dava entrevistas como se fosse o próprio Ziggy, até que em um show no London's Hammersmith Odeon, do dia 3 de julho de 1973, ele anunciou: "De todos os shows desta turnê, esta ficará marcada em nós com mais força, pois não é só o último show desta turnê, mas também como o último show que eu farei. Obrigado."

Assim, Bowie rompeu com as Spiders From Mars e Ziggy Stardust, e continuou sua carreira. Em outubro de 73 ele lança PinUps, uma coleção de covers de seus hits favoritos dos anos 60.

[editar] O Soul (1974-76)
Em 1974, Bowie lança o ambicioso Diamond Dogs, resultado de uma frustrada tentativa de obter a licença para fazer um álbum baseado no livro 1984, de George Orwell. É possível ver a segunda das muitas mudanças de estilo pelas quais ele iria passar: neste álbum, Bowie se afasta do glam-rock e flerta com o soul.

Para seguir o lançamento do álbum ele sai em uma turnê nos EUA, que dura de Junho a Dezembro de 1974. Alan Yentob fez o documentário Cracked Actor baseado nos shows, dando mais pilha aos rumores de que Bowie estaria abusando da cocaína. Em um comentário sobre o LP ao vivo lançado nesta época, o músico diz: "O disco deveria se chamar David Bowie está vivo e bem, e vivendo só na teoria", em uma provavel referência a seu perturbado estado psicológico no período.

Para os fãs de Ziggy Stardust, o soul funkeado de Bowie era como uma traição, uma caída indesculpável para o pop. Em 1975, ele lança Young Americans e ratifica sua mudança, mostrando sua "alma plástica".

Station to Station (1976) mostrou um lado mais escuro desta nova alma, chamada de "The Thin White Duke". Visualmente, o personagem era uma extensão de Thomas Jerome Newton, seu personagem em O homem que caiu na Terra. Nesta época, Bowie tinha se tornado extremamente dependente de cocaína, e muitas críticas atribuíam o ritmo acelerado e o ataque emocional das letras à droga (que Bowie tinha introduzido na América); durante este ano, ele teve várias overdoses, perdeu peso visivelmente e sofreu ataques de megalomania.

No meio de tudo isso, ainda havia uma turnê mundial para ser feita. Esta foi um sucesso, apesar de a mídia acusar Bowie de apoiar o fascismo, em uma má interpretação de sua mensagem essencialmente antifascista.

[editar] A era de Berlim (1976 - 1980)
O interesse pelo cenário musical alemão e o vício em drogas fizeram Bowie se mudar para Berlim junto com o seu amigo Iggy Pop. Os dois dividiam um apartamento em Schöneberg e a esperança de reconstruir a vida e carreira. Iggy compôs seus dois primeiros álbuns-solo tendo Bowie como co-escritor e músico de apoio, mantendo-o para uma turnê (março-abril de 1977) pelo Reino Unido, Europa e Estados Unidos .

A sonoridade de Station to Station foi reaproveitada e amadurecida em Low, o primeiro dos três álbuns que ficaram conhecidos como "A trilogia de Berlim". Na época em que o álbum foi lançado, o co-produtor Tony Visconti disse: "Bowie queria fazer um álbum com músicas descompromissadas, que refletissem o modo como ele se sentia. Ele não ligava em atingir ou não o topo das paradas, e Low seria tão extraordinário que poderia até nunca chegar a ser lançado."

De um modo ou de outro, o álbum foi lançado em 1977 e a faixa Sound and Vision atingiu o número 3 nas paradas de sucesso. Com músicas relativamente simples, repetitivas, sem enfeites e o lado B quase inteiramente instrumental, Low foi uma reação perversa ao punk rock, e é considerado hoje um álbum muito a frente de seu tempo.

O próximo disco, Heroes, era uma versão um pouco mais acessível de Low. Em conjunto, os dois traziam para o público o sentimento da Guerra Fria, simbolizado pela cidade dividida que os inspirou. A música de Bowie que mais gerou covers foi justamente a canção-título deste álbum, contando a história de dois amantes que se conhecem no Muro de Berlim. Em 1978, a trupe toda embarcou em uma turnê mundial, que incluia músicas dos dois úlimos álbuns. Neste mesmo ano o compositor minimalista Phillip Glass transformou algumas músicas da turnê em sinfonias.

Lançado em 1979, Lodger foi o último álbum da chamada Trilogia de Berlim, ou "triptych", como o próprio Bowie a chama. Ele continhia os singles "Boys Keep Swinging", "DJ" e "Look Back in Anger" e, o contrário os últimos dois LPs, não continha faixas instrumentais. O estilo tendeu para uma mistura de New Wave com World Music, graças às músicas compostas de modos não tradicionais para Bowie (como troca de instrumentos e acordes de antigas composições).

Scary Monsters, seu próximo trabalho, revia o personagem do Major Tom de Space Oddity em um álbum com uma face hard-rock, que incluia contribuições de King Crimson, Robert Fripp e Pete Townshend. Para obter as imagens usadas no videoclip Bowie foi ao conhecido reduto da tribo New Romantic para recrutar personagens como Steve Strange, da banda Visage. Assim, mais uma vez Bowie alcançou o mérito de ter feito uma das mais inovadoras coisas de todos os tempos.

Apesar de utilizar princípios aprendidos na Era de Berlim, Scary Monsters era considerado pelos críticos um álbum mais direto, refletindo assim a transformação que Bowie passou durante seu período na Alemanha. Nessa época ele já havia se recuperado do vício em drogas da fase "Thin White Duke", e havia mudado totalmente o seu conceito de como música deveria ser composta.

[editar] O PopStar (1980 - 1989)
Em 1981 o Queen lançou Under Pressure em co-autoria com Bowie; a música virou um hit e atingiu o topo das paradas britânicas. No mesmo ano ele compôs a trilha sonora e apareceu como participação especial no filme Eu, Cristiane F, 13 anos, drogada e prostituída, que contava a história real de uma menina de 13 anos viciada em heroína. Ainda neste ano, Bowie participou da adaptação da BBC do filme de Bertolt Brechet Play Baal.

Em abril de 1982, é lançado Cat People (Putting Out Fire), com Giorgio Moroder. Mas o primeiro verdadeiro blockbuster de Bowie foi lançado em 1983. Let's Dance é um álbum pop, e também uma ação de filantropia: Bowie contratou vários músicos em dificuldades financeiras para ajudá-los. Mas, neste caso, o velho ditado funcionou. A turnê The Serious Moonlight rendeu à Bowie um milhão de dólares em apenas uma performance no US Festival.

O próximo disco era para ser um álbum ao vivo da Serious Moonlight Tour, mas a gravadora exigiu um álbum em estúdio. Assim Bowie compôs Tonight, lançado em 1984. Com a mesma pegada dance de seu antecessor, participações de Tina Turner e Iggy Pop e vários covers, o álbum foi considerado pela crítica como uma tentativa preguiçosa de continuar na crista do sucesso obtido com Let's Dance. Apesar disso, o curta-metragem Jazzin' for Blue Jean, baseado a música homônima, ganhou o Grammy deste ano, mostrando que a criatividade de Bowie não havia se esgotado.

Em 1985, o músico tocou vários de seus hits em Wembley, no Live Aid. Sua performance de Dancing In the Streets junto com Mick Jagger logo se tornou a #1 das paradas.

No ano seguinte, Bowie investe em peso na sua carreira de ator e compositor de musicais. No mesmo ano, ele atua em Absotute Beginers e em Labyrinth.

O último álbum solo de Bowie dos anos 80 foi lançado em 1987. Never Let Me Down destrói o som leve dos dois últimos álbuns, subistituindo-o por hard rock com uma pegada de techno dance. Apesar de ter sido um sucesso de vendas, este é considerado um dos piores álbuns do cantor. A turnê - chamada de The Glass Spider Tour - foi considerada extremamente comercial, misturando dança, efeitos especiais, diálogos entre as músicas e antigos hits, criando um efeito teatral demais.

Em agosto de 1988, Bowie fez o papel de Pôncio Pilatos no filme de Martin Scorsese, A última tentação de Cristo

[editar] Tin Machine (1989 - 1991)
Pela primeira vez desde os anos 70, Bowie resolveu formar uma banda regular. Em 1989 foi fundada a Tin Machine, um quarteto de hard rock composto por Bowie, Reeves Gabrels,Tony Sales e Hunt Sales.O álbum homonimo foi um sucesso, porém Bowie logo se decepcionou com a parceria: Tin Machine II foi mal-sucedido, e Tin Machine Live foi um completo fracasso.

Assim, Bowie rompe com a banda e entra nos anos 90 em carreira-solo, fazendo uma turnê mundial aonde ele tocou seus maiores hits. A Sound + Vision Tour foi concebida pelo coreógrafo da companhia de dança La La Human Steps Edouard Lock e, após concluí-la, o cantor decretou que nunca mais iria interpretar seus antigos sucessos.

[editar] Eletrônica (1992 - 1999)
Lançado pela Savage Records em 1993, Black Tie White Noise foi um album com refências ao Soul, Funk, Jazz e Música Eletrônica, foi também o primeiro disco solo de Bowie nos anos 90 e o primeiro da sua fase moderna. Levou hits como "Jump They Say" e "Miracle Goodnights" para os primeiros lugares nas paradas Britânicas e trouxe de volta o guitarrista Mick Ronson da era Ziggy Stardust. A faixa título (homônima) provavelmente teria sido inspirada em uma rebelião ocorrida naquela época em Los Angeles, cuja causas eram baseada em questões de cunho Racial e Legal. As faixas "The Wedding" e "The Wedding Song" teriam relação com seu próprio casamento, este ocorrido em 1992 com a modelo Somaliana Iman Abdulmajid.

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[editar] O Bowie Neoclassicista (2000 - presente)
[editar] Bowie como ator
O primeiro grande papel de Bowie, em O homem que caiu na Terra, foi muito aclamado. Na década de 1960 fez aparições em filmes de vanguarda, principalmente em papéis secundários. Desde então, sua carreira foi bastante esporádica. O filme Furyo, em nome da honra (Merry Christmas, Mr. Lawrence), de Nagisa Oshima, baseado na novela de Laurens van der Post, foi lançado em 1983. Bowie interpretou o major Jack Celliers, um prisioneiro de guerra em um acampamento japonês. Outro músico famoso, Ryuichi Sakamoto, interpretou o comandante do acampamento. No mesmo ano interpretou um vampiro em The Hunger. Bowie também fez o papel de Pôncio Pilatos em A última tentação de Cristo (The last temptation of Christ), de Martin Scorsese e atuou em Zoolander (2001) ao lado de Ben Stiller

Furyo impressionou alguns críticos, mas o projeto seguinte, o musical de rock Absolute beginners (1986), decepcionou tanto a crítica quanto o público. No mesmo ano atuou em Labirinto, a magia do tempo, interpretando Jareth, o Rei dos Duendes.

Sua última atuação foi interpretando Nikola Tesla em O grande truque (The prestige), de 2006. Em 2007 cedeu sua voz para o personagem Maltazar na animação Arthur e os Minimoys (Arthur and the Mininoys / Arthur et les Minimoys). Seu próximo filme é 'August' onde atua ao lado do ator Josh Hartnet ainda sem data de estreia.

Em 2009 teve participação especial como ele mesmo no musical de rock independente chamado Bandslam.

[editar] Discografia
[editar] Álbuns de estúdio
Ano Single UK US
1966 David Bowie
1969 Space Oddity #17 #16
1970 The Man Who Sold the World #26
1971 Hunky Dory #3 #93
1972 The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars #5 #75
1973 Aladdin Sane #1 #17
1973 Pin Ups #1 #23
1974 Diamond Dogs #1 #5
1975 Young Americans #2 #9
1976 Station to Station #5 #3
1977 Low #2 #11
1977 "Heroes" #3 #35
1979 Lodger #4 #20
1980 Scary Monsters (and Super Creeps) #1 #12
1983 Let's Dance #1 #4
1984 Tonight #1 #11
1987 Never Let Me Down #6 #34
1989 Tin Machine (com a banda Tin Machine) #3 #28
1991 Tin Machine II (com a banda Tin Machine) #23 #126
1993 Black Tie White Noise #1 #39
1995 Outside #8 #21
1997 Earthling #6 #39
1999 'Hours...' #5 #47
2002 Heathen #5 #14
2003 Reality #3 #29
Álbuns ao Vivo

Ano Álbum
1971 David Live
1978 Stage
1983 Ziggy Stardust: The Motion Picture
1992 Tin Machine Live: Oy Vey, Baby
1994 Santa Monica '72
2008 Glass Spider Live
2009 VH1 Storytellers
2010 A Reality Tour

[editar] Trilhas sonoras
Ano Álbum Charts
1981 Christiane F. US #3
1986 Labyrinth (com Trevor Jones) UK #38
1993 The Buddha of Suburbia UK #87

[editar] Turnês
1972-73 - Ziggy Stardust Tour
1974 - Diamond Dogs Tour
1976 - Station to Station Tour
1978 - Low and Heroes Tour
1983 - Serious Moonlight Tour
1987 - Glass Spider Tour
1989 - Tin Machine Tour
1990 - Sound+Vision Tour
1991-92 - It's My Life Tour
1995-96 - Outside Tour
1996 - Outside Summer Festivals Tour
1997 - Earthling Tour
1999 - The 'hours...' Tour
2000 - Mini Tour
2002 - Heathen Tour
2003 - A Reality Tour
Referências
1.↑ David Bowie no allmusic
2.↑ David Bowie profile. About.com. Página visitada em 10-9-2008.
3.↑ http://www.artistdirect.com/artist/bio/david-bowie/406943
4.↑ David Bowie (em inglês) no Internet Movie Database
5.↑ http://www.africansuccess.org/visuFiche.php?id=415&lang=en
6.↑ http://www.geneall.net/U/per_page.php?id=649384
7.↑ http://www.angelfire.com/la2/bitingfae/helloarticle.html
8.↑ http://www.dailymail.co.uk/femail/article-1265763/Imans-daughter-Zulekha-Haywood-undergoes-gastric-band-surgery.html

Patti Smith

2010-08-31T14:05:00.000-07:00

Patti Smith é poetisa, cantora e musicista norte-americana. Ela tornou-se proeminente durante o movimento punk com seu álbum de estréia, Horses em 1975. Conhecida como "poetisa do punk", ela trouxe um lado feminista e intelectual à música punk e tornou-se uma das mulheres mais influentes do rock and roll. Ela nasceu em Chicago, Illinois mas cresceu em Nova Jersey. Ela nasceu no dia 30 de Dezembro de 1946.

Discografia:
Álbuns de estúdio
Horses (1975)
Radio Ethiopia (1976)
Easter (1978)
Wave (1979)
Dream of Life (1988)
Gone Again (1996)
Peace and Noise (1997)
Gung Ho (2000)
Trampin' (2004)
Twelve (2007)
Compilações
Hey Joe / Radio Ethiopia (1977)
Set Free (1978)
The Patti Smith Masters (1996)
Land (2002)
Horses/Horses (2005)
iTunes Originals (2008)

Larissa Soler #9

klinsmann Numero 8

2010-08-30T16:14:00.000-07:00

ae caio o dos ramones foi só eu que fis des da história até os vídeos

2010-08-30T16:11:00.000-07:00

ramones klinsmann n0 8

2010-08-30T15:57:00.000-07:00

ae caio o som de ramones é muito foda !!!!!!!!!!!!
vl

2010-08-30T15:54:00.001-07:00

2010-08-30T15:47:00.000-07:00

Anos 1971 - 1980

CBGB, casa noturna na qual os Ramones iniciaram sua carreira junto a bandas como Television, Blondie, Patti Smith e Talking Heads.A pré-história da banda está centrada no Queens, um dos cinco distritos de Nova York — mais especificamente no bairro de Forest Hills. Os integrantes se conheciam desde a adolescência, quando figuravam entre os poucos jovens da vizinhança, fãs de bandas como The Doors, The Who, The Beach Boys, The Trashmen, The Beatles, The Rolling Stones, New York Dolls, Stooges e MC5, e já haviam tocado em bandas de garagem durante o colégio.

Quando Douglas Colvin e John Cummings decidiram montar uma banda, chamaram para a bateria um conhecido de Douglas, Jeffrey Hyman. Nos primeiros ensaios John tocava a guitarra e Douglas tocava o baixo e cantava. Para homenagear o produtor Phil Ramone, batizaram a banda de Ramones e todos usaram "Ramone" como sobrenome, como se fizessem parte de uma família. A história, porém, gera controvérsias, uma vez que alguns afirmam que, na verdade, eles apenas fizeram uma brincadeira com fato de Paul McCartney se registrar em hotéis sob o pseudônimo de "Paul Ramon".

Nos primeiros ensaios os Ramones tentaram tocar músicas de outras bandas, mas não conseguiram. Então decidiram escrever suas próprias músicas. I Don't Wanna Walk Around With You foi escrita no primeiro ensaio. Depois eles escreveriam I Don't Wanna Get Involved With You, I Don't Wanna Be Learned, I Don't Wanna Be Tamed (o título era a letra inteira, mas Joey cantava "Timed" no lugar de "Tamed") e I Don't Wanna Go Down To The Basement. Eles não haviam escrito nenhuma música "positiva" (isto é, sem as palavras "I Don't") até surgir a música Now I Wanna Sniff Some Glue. Logo após, It's A Long Way Back To Germany, Blitzkrieg Bop, I Don't Care e Babysitter foram adicionadas ao repertório.

O conhecimento musical dos Ramones era limitado. Dee Dee tinha dificuldade para tocar baixo e cantar ao mesmo tempo, assim como Joey não conseguia cantar e tocar bateria ao mesmo tempo. A banda decidiu, então, que os vocais ficariam com Joey, e que iriam procurar um novo baterista. Foram feitos diversos testes no pequeno estúdio Performance Studio, onde trabalhava um velho amigo dos integrantes da banda, Thomas Erdelyi. Antes de cada teste, Erdelyi pegava as baquetas para mostrar aos candidatos como era o estilo da banda, e como Johnny, Joey e Dee Dee não gostaram dos candidatos que se apresentaram, logo ficou evidente que o melhor baterista para os Ramones seria o próprio Erdelyi. Ele adotou o nome Tommy Ramone e entrou na banda.

O primeiro show dos Ramones foi feito no Performance Studios, em 30 de março de 1974. Logo a banda passaria a fazer shows na casa noturna CBGB's, integrando uma cena "underground" composta por bandas como Blondie, Television, The Cramps, Talking Heads, The Voidoids e The Patti Smith Group.

Em 1975 conseguiram um contrato de cinco anos com a gravadora Sire Records. Seu primeiro LP, Ramones, lançado em 1976, foi o primeiro disco de Punk Rock da história, inaugurando o estilo e tinha 14 músicas rápidas e curtas — a duração do álbum é de pouco mais de 29 minutos - é considerado um dos álbuns mais influentes de todos os tempos. A banda começou a fazer shows nos Estados Unidos para divulgar o álbum, mas fora de Nova York a recepção do público não foi calorosa. A exceção foi a Inglaterra: um show realizado em Londres em 4 de julho de 1976 foi um grande sucesso. Entre os presentes no show estavam os integrantes de bandas que ainda estavam dando seus primeiros passos, como The Clash e Sex Pistols, que compartilhavam com os Ramones as influências musicais de Stooges, MC5 e New York Dolls.

O ano de 1977 foi intenso para os Ramones. Lançaram Leave Home e Rocket to Russia, excursionaram por toda a América do Norte, tocaram com o ídolo Iggy Pop e visitaram a Europa no meio e no final do ano. Nesta tour britânica de final de ano, registraram quatro shows para lançar um futuro álbum ao vivo. O melhor show foi justamente o show da virada de ano, quando tocaram no Rainbow Theatre juntamente com os Rezillos e Generation X. Gravado no dia 31 de dezembro de 1977, It's Alive — que só seria lançado em 1979 — foi considerado por muitos como um dos cinco álbuns ao vivo mais importantes da história do rock, com 28 faixas englobando os três primeiros discos. Foi o último registro do baterista Tommy na banda.

No começo de 1978 o punk rock estava de ressaca. Os Ramones lançaram três álbuns maravilhosos e não estavam colhendo os frutos que mereciam. Os Sex Pistols instalaram o caos e acabaram após uma desastrosa turnê norte americana. Tocar punk rock em Londres não era mais cool. Várias bandas pioneiras desfizeram-se ou migraram para outros estilos musicais como o new wave e o pós-punk.

Mesmo lotando todos os lugares em que tocavam, o excesso de shows estava exigindo muito dos Ramones. A primeira baixa veio com a saída do baterista Tommy, que tinha verdadeiro pavor das longas turnês que a banda vinha fazendo. No seu lugar chamaram o ex-baterista do The Voidoids, Marc Bell.

Bell, agora Marky Ramone, entrou na banda no começo de maio e em algumas semanas já estava gravando o álbum Road to Ruin com o grupo. Seu primeiro show, em 29 de junho, foi após a gravação do disco. O estilo e a competência de Marky se encaixaram perfeitamente na nova proposta da banda. Queriam fazer um disco mais comercial, mas sem deixar de lado as características iniciais dos Ramones. Contendo músicas mais longas que os discos anteriores, lançaram um disco com apenas doze faixas. Se em 1978 o punk apontava para novas direções, o Ramones fez o caminho inverso: flertou com raízes ainda mais seminais do rock, e mostrou que sabia e podia fazer um rock acessível e de qualidade. A produção resolveu "amaciar" Road To Ruin com guitarras acústicas, com a balada Questioningly, o cover de Needles and Pins, o solo de uma nota só em I Wanna Be Sedated e com guitarras limpas na quase country Don't Come Close.

Os Ramones fizeram 154 shows para divulgar seu quarto álbum, Road to Ruin, em 1978. Nesse ano o novo baterista Marky se firmaria no quarteto. Em dezembro começaram as filmagens de Rock 'n' Roll High School, uma película dirigida por um clássico diretor de filmes de classe B. A trilha sonora do filme foi lançada em 1979, assim como o disco ao vivo It's Alive. Como recebiam muito pouco dinheiro durante a gravação do filme em Los Angeles, tinham que fazer shows nas cidades próximas para pagar a conta do hotel. Mas no meio dessa correria, conheceram o homem que remixou duas músicas dos Ramones para o filme e que viria a produzir o próximo álbum da banda.

A trilha sonora desta típica comédia adolescente norte-americana tinha vários artistas, entre eles MC5, Devo, Eddie and the Hot Rods, Chuck Berry e, é claro, os Ramones, que apareciam com duas versões de Rock 'n' Roll High School. Trazia ainda músicas ao vivo da banda, de um show de sete músicas dos álbuns anteriores e outra música inédita chamada I Want You Around, que aparece tanto na trilha sonora do filme como na coletânea All The Stuff (And More!) Volume 2.

[editar] Anos 1980-1990

Ramones em Oslo, 1980.No início da década de 1980, conflitos começaram a provocar tensão na banda. Até então Joey tinha pouca participação na composição das músicas — que ficavam praticamente a cargo de Johnny e Dee Dee — mas nessa época ele passaria a ter um papel mais importante nos bastidores.

[editar] End of the Century
Em uma tentativa quase desesperada de alcançar o sucesso comercial, a gravadora e os Ramones havia chamado o produtor Phil Spector para produzir o próximo disco da banda. Spector se tornou famoso na década de 60 produzindo discos de bandas como The Ronettes e Crystals, e na década de 70 produziu diversos discos da carreira solo dos ex-Beatles John Lennon e George Harrison.

Se antes os Ramones gravavam sete músicas no primeiro dia de estúdio, com Spector foi muito diferente. Sendo extremamente excêntrico e perfeccionista, Spector infernizou Johnny e Dee Dee. Johnny chegava a ficar diversas horas gravando e repetindo acordes simples, até que Spector achasse que estava bom. Com Dee Dee, a relação dentro do estúdio foi pior e mais doentia. Os dois confrontavam-se por tudo, inclusive para ver quem tinha a maior e mais bizarra coleção de armas.

Quem lembrava de End of the Century e Phil Spector com saudades era Joey Ramone. Ambos se davam muito bem. Além de Spector ter sido um ídolo de longa data do vocalista, ele ajudou Joey a trabalhar novas melodias de voz e também a esmeirar-se na composição de músicas realmente inspiradas, consideradas as melhores canções do disco, como: Danny Says, Do You Remember Rock 'n' roll Radio, Rock 'n' roll High School e I'm Affected.

O disco teve a melhor recepção comercial da carreira dos Ramones, mas foi mal recebido pela crítica especializada e pelos fãs antigos, o que resultou em uma queda-de-braço entre Joey, que queria um som mais pop, e Johnny, que desejava manter o estilo inicial da banda.

[editar] 1981: Pleasant Dreams
As coisas estavam difíceis para os Ramones. O relacionamento entre os integrantes tornara-se bastante tenso e já não se falavam direito, mas como eram extremamente profissionais os conflitos não tornaram-se públicos. Desde a saída de Tommy a banda estava sem um líder. Marky, Joey e Dee Dee estavam numa fase regada a muita festa e álcool. Então Johnny se tornou o líder dos Ramones, pelo menos na questão dos negócios e da administração do dinheiro. Em relação às músicas, Joey e Dee Dee ainda eram os principais compositores.

Em Pleasant Dreams, continuaram a difícil e infrutífera tentativa de emplacar um hit radiofônico, injetando, para isto, uma boa dose de teclados nas 12 faixas do álbum.

Pleasant Dreams foi o primeiro disco em que os Ramones não apresentavam uma versão cover. Também foi o primeiro no qual não apareciam na capa. E foi a partir deste álbum que os créditos das músicas vieram assinadas pelos verdadeiros autores e não por toda a banda. Pleasant Dreams apresentava sete canções de Joey e cinco de Dee Dee.

[editar] 1983: Subterranean Jungle

Ramones durante show em 1983.O resultado do álbum Pleasant Dreams deixou os Ramones infelizes. O álbum seguinte, Subterranean Jungle, teria de ser diferente. E foi — mas não muito. Johnny Ramone, que chefiava a parte burocrática da banda, não compunha nada. Johnny recebeu os créditos como co-autor de Psycho Therapy mas na verdade foi Dee Dee quem escreveu aquela música inteira. Se no disco anterior não gravaram nenhum cover, desta vez abriram o álbum com duas versões e no lado B ainda tinha mais uma.

Já o problema do baterista Marky com o álcool tinha ficado intolerável a ponto de ele faltar a shows, sendo que em Cleveland faltou duas vezes, até acabar por sair dos Ramones no final das gravações de Subterranean Jungle para se tratar em uma clinica de reabilitação de álcool e drogas. Durante a conclusão do álbum estavam à procura de um novo baterista. Tentaram com Billy Rogers, que tocou com os Heartbreakers. Foi Billy quem gravou a bateria de Time Has Come Today. Mas Billy acabou não ficando na banda. O escolhido foi Richard Reinhardt que se tornou Richie Ramone no dia 13 de fevereiro de 1983. Além de cantar o refrão de Outsider — semelhante ao que tinha feito em 53rd & 3rd, do primeiro álbun da banda —, foi neste disco que Dee Dee começou a cantar algumas música de sua autoria. Time Bomb foi a primeira música com Dee Dee como vocalista principal.

Na época dos álbuns Subterranean Jungle, Too Tough to Die e Animal Boy, os Ramones contavam com um segundo guitarrista convidado e de muito talento, chamado Walter Lure, que duelava com Johnny Thunders na banda The Heartbreakers. Johnny Ramone era muito experiente quando o assunto era três acordes. Gravava a base de quase dez músicas em uma tarde de estúdio com impressionante facilidade. Mas Johnny era limitado quando a sonoridade pedia solos de guitarra. Nesta hora entrava a mão de um produtor ou de algum guitarrista convidado. E nesta época o segundo guitarrista oficial dos Ramones era Walter Lure.

[editar] Too Tough To Die
De agosto a dezembro de 1983 os Ramones ficaram sem tocar ao vivo. Foi o período mais longo em que a banda ficou sem fazer shows, devido a um episódio sinistro que sofreu Johnny Ramone. Na noite do dia 15 de agosto o guitarrista estava num bar e viu uma garota bêbada. Johnny ofereceu assistência à garota, mas em troca recebeu socos, chutes e ponta-pés na cabeça pelo suposto namorado da bêbada. Acordou no hospital, após uma complicada cirurgia no cérebro, pois seu crânio havia sido fraturado.

Johnny esteve entre a vida e a morte. Mas o ocorrido serviu para unir a banda. Após a recuperação do guitarrista, os Ramones começaram a sair juntos novamente, e também resolveram sair em turnê sem namoradas ou esposas. Além disso, o ambiente estava mais amigável e resolveram fazer um álbum mais pesado e sem a preocupação de emplacar um hit. Chamaram Ed Stasium e Tommy para a produção. O primeiro álbum com o baterista Richie se chamaria Too Tough to Die, nome da terceira música do álbum. Too Tough To Die ("Muito duro para morrer", em português) foi uma homenagem que Dee Dee fez a Johnny.

Too Tough To Die foi o primeiro dos três álbuns que o baterista Richie gravou. Richie trouxe uma pegada diferente aos Ramones. Sua escola de bateria era mais requintada e, assim, ele floreou um pouco a sonoridade básica da banda. Mas Too Tough To Die também mostrava o quanto Dee Dee era fundamental nas composições. Nas doze faixas do álbum, uma tinha sido composta por Richie e duas por Joey — uma deles, Dangers Of Love, foi a primeira co-autoria de Daniel Ray. No restante Dee Dee era autor ou co-autor, juntamente com Johnny, mas é sabido que a participação de Johnny era menor.

Na verdade, Dee Dee estava tentando estimular o lado compositor do guitarrista, pois estava ficando estranho Johnny mandar nos negócios da banda e não contribuir em quase nada no lado musical. Três músicas escritas por Dee Dee e Johnny destoavam de tudo o que os Ramones já tinham feito. Wart Hog e Endless Vacation foi uma aproximação e saudação "ramônica" ao hard core, gênero do punk em voga na época. E Durango 95 foi o primeiro (e único) tema instrumental da banda, música que a partir de 1984 abriria todos os shows da banda. Durango 95 foi assim chamada em homenagem ao automóvel que Malcolm McDowell dirigia no filme Laranja Mecânica.

[editar] Animal Boy
No meio de 1985, Joey e Dee Dee se juntam ao ex-baixista dos Plasmatics, Jean Beauvoir, no intuito de escrever e gravar uma música chamada Bonzo Goes To Bitburg, um protesto contra a visita do então presidente Ronald Reagan ao cemitério de guerra localizado em Bitburg, Alemanha, onde se encontravam sepultados vários corpos de altos cargos da SS Nazista.

A música foi lançada apenas no Reino Unido, no formato doze polegadas, tendo Dangers Of Love e a até então inédita Go Home Ann no lado B. O protesto em Bonzo Goes To Bitburg mostrava o amadurecimento de uma banda que admitia piadas com referência nazista no começo da carreira. Mas Johnny Ramone (um conservador e ardoroso fã da política de Ronald Reagan) não gostou do nome da música. Joey e Dee Dee queriam que o nome da música permanecesse como era, mas só conseguiram manter o nome no single inglês de doze polegadas. A música foi re-intitulada My Brain Is Hanging Upside Down quando apareceu no álbum Animal Boy, de 1986.

Animal Boy foi o nono álbum de estúdio dos Ramones e foi lançado em maio de 1986. O disco abria com a segunda composição de Richie para os Ramones: Somebody Put Something In My Drink, que foi inspirada em um incidente verdadeiro, quando alguém "deixou cair" um ácido na gim tônica do baterista. O hard core de Dee Dee e Johnny estavam presentes em Freak Of Nature, Eat The Rat e na faixa que dava nome ao disco. Joey Ramone contribuiu em apenas duas faixas além de Bonzo Goes To Bitburg. Foi a fase negra de um vocalista afundado em álcool e cocaína e que preferia berrar nos microfones para afastar os sentimentos ruins.

Assim como a faixa 9, (Eat The Rat), a faixa 3, Love Kills, era cantada por Dee Dee. Love Kills foi um tributo a Sid Vicious e foi escrita para o filme Sid and Nancy, mas acabou não sendo incluída na trilha sonora da película. No último show dos Ramones, em 1996, Dee Dee (já fora da banda) foi convidado para cantar Love Kills, e o fez à sua maneira.

[editar] Halfway To Sanity

Ramones em São Paulo em 1987.Halfway to Sanity foi mais um típico álbum ramone dos anos 1980. Lançado em 1987 e ainda com Richie empunhando as baquetas, não apresentava (assim como os dois álbuns antecessores) nenhum cover. Dee Dee foi quem escreveu a maioria das faixas, algumas (I Wanna Live e Garden Of Serenity) co-escritas com o produtor Daniel Rey. Rey era guitarrista do Shrapnel, uma pequena banda punk de New Jersey que abriu vários shows dos Ramones. Daniel Rey também trabalhava como produtor e tornou-se amigo de Joey.

A primeira parceria de ambos surgiu no álbum Too Tough To Die. Em Halfway To Sanity, os Ramones queriam se auto-produzir e chamaram Daniel Rey para comandar a empreitada. O som ficou do jeito que eles queriam. Dee Dee continuou compondo seus hardcores como I Lost My Mind e Weasel Face, mas só fez as vozes principais em I Lost My Mind. Johnny e Dee Dee escreveram Bop 'Til You Drop. Richie, sempre ativo, desta vez veio com duas (I'm Not Jesus e I Know Better Now). Joey continuava contribuindo com poucas, mas boas: A Real Cool Time e Bye Bye Baby, esta última com toques de Phil Spector. Foi a música mais longa da banda, com 4 minutos e 33 segundos.

Halfway to Sanity trazia uma convidada especial: Deborah Harry, do Blondie, fez backing vocals em Go Lil' Camaro Go.

[editar] A saída de Richie
Richie foi baterista dos Ramones durante quatro anos e meio e fez cerca de quatrocentos shows. Tocando inclusive em São Paulo e no Rio de Janeiro, quando a banda visitou o Brasil pela primeira vez no começo de 1987. Enquanto ramone, Richie compôs quatro músicas, uma delas chamada Somebody Put Something In My Drink, que se tornou uma das mais clássicas do quarteto. Richie também fazia backing vocals em shows e nos álbuns. Muitos dizem que o estilo dele tocar bateria não combinava com o básico três acordes da banda. Mesmo assim, Richie foi importantíssimo para os Ramones, não só por ser um excelente compositor mas também pela sua "pegada diferente" e mais elaborada, e por estar na banda durante uma fase turbulenta e pouco amigável de várias crises.

Richie gravou Halfway to Sanity, mas um pouco antes do lançamento do álbum deixou a banda, sem aviso prévio. Mais desagradável foi a maneira pela qual o baterista saiu do grupo. As coisas estavam indo relativamente bem, até que de uma hora para outra Richie terminou com sua antiga namorada, encontrou outra e repentinamente se casou com a nova garota, uma milionária. Richie achava que os Ramones queriam expulsá-lo da banda, o que não era verdade. A esposa do baterista apareceu em uma limosine, na saída de um show dos Ramones, e ela mesma disse ao empresário da banda que Richie estava deixando o grupo. Richie entrou na limosine e nunca mais seria visto por nenhum ramone ou outra pessoa ligada à banda, mesmo tendo sido procurado diversas vezes. O pouco que se soube é que o ex-baterista trabalhou de golf caddie em Los Angeles, no começo dos anos 90, e como recepcionista de um hotel em alguma cidade dos Estados Unidos. Hoje em dia é um empresário bem sucedido e toca com uma orquestra nos Estados Unidos e na Europa. Recentemente, em setembro de 2007, entrou com um processo contra a Apple e a Walmarck por venderem músicas suas (tocadas pelos Ramones) sem autorização prévia ou direitos autorais.

Richie compôs duas faixas em Halfway to Sanity. O hardcore I'm Not Jesus e I Know Better Now.

[editar] Elvis Ramone
Richie deixou a banda no dia 14 de agosto. Cinco shows foram cancelados às pressas. Pressionados por perder um baterista nas vésperas de lançar um novo álbum, em menos de 24 horas a banda chamou o fã da banda Clem Burke, baterista do Blondie e Chequered Past. Clem receberia o nome artístico de Elvis Ramone e fez algumas fotos promocionais para o novo álbum — inclusive uma dessas fotos é uma das mais publicadas em toda história do quarteto — e no dia 28 de agosto fez seu primeiro show com os Ramones.

No dia seguinte, Burke fazia o segundo e último show como baterista da banda. Os dois shows com ele foram um desastre; mesmo interessado, o estilo com que ele tocava bateria não tinha nada a ver com os Ramones. O tempo dobrado nos chimbais era algo totalmente estranho para alguém acostumado com a batida bem menos rígida do Blondie.

Mesmo custando a acreditar na recuperação do ex-alcoólatra Marky, a banda resolveu marcar um ensaio para ver como o ex-baterista se sairia. Uma música bastou para Johnny e Joey ouvirem o que achavam que os Ramones deveriam soar sempre. Uma semana após a tentativa com Burke, Marky estava de volta aos Ramones. Cinco dias depois (no dia 4 de setembro) ele faria seu retorno e nenhum show teve que ser cancelado.

O retorno triunfal de Marky, em 1987, foi marcado por uma agenda cheia de shows pelos Estados Unidos e pela Europa — também pela gravação de uma música nova de Joey chamada Merry Christmas (I Don't Wanna Fight Tonight), que foi lançada na Inglaterra como lado B do single de I Wanna Live; e pela gravação de um show no Ritz que seria usado para o vídeo de I Wanna Live.

[editar] Brain Drain
Entre 1987 e 1988 os Ramones estavam sendo reconhecidos como uma banda realmente muito importante. Animal Boy e Halfway to Sanity eram citados como álbuns do ano. Não tocavam nas rádios, não apareciam na MTV mas eram mainstream do mesmo jeito. Músicos de bandas consolidadas ou emergentes citavam os Ramones como sua maior influência. Dee Dee lançava seu primeiro registro solo, "Funky Man", um doze polegadas no qual mostrava um rap inspirado em Run DMC, L.L. Cool J, Beastie Boys e Suicidal Tendencies.

No vídeo de I Wanna Live, Joey vestia uma camiseta do grupo punk metal Corrosion of Conformity. No vídeo de I Wanna Be Sedated (que fizeram para divulgar a coletânea Ramones Mania) Dee Dee vestia outra do Motörhead. Circulavam livremente e eram respeitados nas cenas do punk rock, hardcore, hard rock, heavy metal e rap. Os Ramones eram uma banda universal e assim fizeram um show para dois mil surfistas de 64 países num campeonato mundial de surf em Porto Rico.

Foi neste clima que, em maio de 1988, foi lançado Ramonesmania, uma compilação de trinta músicas englobando todos os dez álbuns que já tinham gravado. As poucas raridades ou novidades eram Sheena Is a Punk Rocker, Howling At The Moon e Needles and Pins em versões singles, uma gravação inédita de Rock and Roll High School e um respeitável cover para uma canção de 1969 de uma obscura banda chamada 1910 Fruitgum Company, para promover o lançamento de Ramonesmania, foi lançado o clipe da música I Wanna Be Sedated de 1978 do album Road To Ruin.

Stephen King sempre foi um grande fã dos Ramones. Certa vez, em 1984, promoveu um show em sua cidade natal no estado de Maine com Ramones e Cheap Trick. Em 1989, Dee Dee Ramone e Daniel Rey escreveram Pet Sematary, música que seria o nome e o tema de um novo filme de Stephen King (Cemitério Maldito - nome do filme no Brasil). Um pouco antes do lançamento do seu décimo primeiro álbum de estúdio, os Ramones lançaram Pet Sematary como single (no lado B, Sheena Is a Punk Rocker, que também fazia parte da trilha sonora). Prevendo que a música seria um grande hit, trataram de gravar um vídeo que foi rodado em uma noite de lua cheia em um cemitério de Nova York, com participações de Debby Harry, Chris Stein, Daniel Rey, Andy Shernoff e Cheetha Chrome dos Dead Boys.

Brain Drain apareceu em maio de 1989 e recebeu a produção de Bill Laswell. Foi o primeiro álbum após a volta do baterista Marky. Das doze faixas (seis compostas por Dee Dee), a primeira de cada lado se destacava: I Believe In Miracles abrindo o disco e Pet Sematary, a primeira do lado B. Depois de três álbuns de estúdio sem covers, ressucitaram Palisades Park, de 1962. As demais faixas apresentavam parcerias com o Dictators Andy Shernoff, Johnny, Marky e Daniel Rey.

Fechando o álbum, quatro músicas de Joey Ramone, entre elas Merry Christmas, que já tinha aparecido no lado B de I Wanna Live; e Can't Get You Outta My Mind, música que já tinha sido gravada numa demo do começo da década de 1980, no álbum Pleasant Dreams.

[editar] A saída de Dee Dee
Brain Drain foi lançado em maio de 1989; Pet Sematary já era vídeo e estava começando a tocar com frequência nas rádios comerciais e na MTV. Parecia que finalmente os Ramones teriam o merecido sucesso comercial. Mas após o término de uma turnê americana, Dee Dee resolveu sair da banda. Seu último show foi na cidade californiana de Santa Clara, no dia 5 de julho de 1989.

De 1984 até 1989, Dee Dee permaneceu praticamente longe das drogas pesadas e procurou ajuda em organizações como Alcoólicos Anônimos ou Narcóticos Anônimos, sempre com a ajuda de sua esposa Vera. Após gravar Brain Drain, em que parecia estar totalmente envolvido, parou de tomar os seus medicamentos, terminou o seu casamento de dez anos com Vera e depois abandonou os Ramones na turnê de Brain Drain.

Havia a pressão de intermináveis turnês, gravações e músicas a escrever. Realmente seu destino era a vida junkie. Mesmo quando estava praticamente "limpo", de uma forma ou de outra a sua personalidade obsessiva vinha à tona. Teve uma fase em que a sua coleção de armas ficou extremamente numerosa; teve outra fase na qual colecionava relógios e usava duas em um pulso e três em outro. Suas dezenas de tatuagens foram feitas em pouco tempo, para nunca mais se tatuar. Como não estava de corpo e alma nos Ramones, abandonou a banda. Com Dee Dee era tudo ou nada. Mas o que ele queria mesmo era liberdade, nem que isso significasse uma volta ao vício em heroína, o que culminaria com sua morte por overdose, em 2002.

Após a saída dos Ramones, Dee Dee entrou de cabeça no mundo do rap e virou Dee Dee King. Lançou várias músicas e CDs, porém com pouca aceitação do público. Mesmo fora da banda, continuou ajudando na composição das letras das músicas e algumas vezes na organização de shows.

[editar] C.Jay Ramone

C.Jay Ramone.Com a saída de Dee Dee, os Ramones remanescentes trataram de marcar uma audição para arranjar um novo baixista. Nem passou pela cabeça deles que a banda deveria encerrar as atividades. Mesmo Dee Dee sendo a alma dos Ramones e o principal compositor, eles queriam e deveriam prosseguir. Os testes para um novo baixista foram constrangedores. A maioria dos candidatos compareceram à audição para ver Johnny e Joey de perto. Depois de inúmeras audições, chegou-se à conclusão de que o primeiro candidato era o mais interessante: Christopher Joseph Ward, de 24 anos, tocava bem, tinha estilo próprio e não imitava Dee Dee. Logo recebeu o apelido de C.Jay Ramone.

A primeira apresentação, em 4 de setembro de 1989, em um programa de TV foi um desastre. O batismo de fogo foi no dia 30, na Inglaterra. Um dos principais shows que C.J. fez foi Loco Live, gravado em Barcelona, na Espanha. Neste show C.J. mostrou que era um verdadeiro Ramone, tocando e cantando com maestria incrível. Até o final do ano C.J. fez mais quarenta shows e encerrou o ano totalmente à vontade no palco. C.J. adorava fazer backing vocals e seus vocais nos shows eram melhores e mais regulares que os de Dee Dee.

C.J. trouxe novos e bons ares aos Ramones. Sua juventude, vontade e talento fez muito bem para a banda. Até mesmo serviu para unir um pouco Joey, Marky e Johnny, afinal a banda e os fãs não suportariam a perda de mais um membro original.

[editar] Anos 90: o final do grupo
Joey começou um demorado e trabalhoso, porém bem sucedido, processo de abandono das drogas. Em 1990 parecia um tornado, de tão ativo e intenso. Promovia festas, discotecava em clubes, aparecia em programas de rádio e TV, fazia jam sessions com a nata do rock nova-iorquino, conduzia painéis de discussão anti-censura, entre outras causas como aids, ecologia, direitos animais e desemprego.

Agora Joey era visto como um rock star essencial e de espírito elevado. Ainda arranjava tempo para gravar dois vídeos novos: Merry Christmas' e I Believe in Miracles; além de compor várias músicas novas. Mas ainda não era hora dos Ramones lançarem um álbum inédito. Trataram de compilar os dois primeiros discos em um duplo e colocar umas faixas inéditas. All The Stuff (And More!) Volume 1 trazia duas músicas ao vivo, duas em versão demo (I Can't Be e I Don't Wanna Be Learned/I Don't Wanna Be tamed) e a música que entrou no lugar de Carbona Not Glue (Babysitter) na versão britânica do Leave Home.

No ano de 1990 foi lançado "Lifestyle of the Ramones", uma compilação de todos os vídeos que a banda tinha feito, até a data.

Em 31 de maio de 1990, "All The Stuff (And More!) Volume 2" foi lançado. O disco duplo trazia na íntegra "Rocket To Russia" e "Road To Ruin" e mais 4 faixas inéditas. Eram elas: I Want You Around (versão original), Yea Yea, I Don't Want To Live This Life Anymore e S.L.U.G.

A década de 90 começou com Motörhead compondo uma música chamada R.A.M.O.N.E.S. Joey foi quem se sentiu mais honrado com o tributo prestado por Lemmy. Neste ano também foi lançado outro tributo chamado "Gabba Gabba Hey", com vários artistas norte-americanos, entre eles: Keith Morris, D.I., Chemical People, os irmãos Agnew, Jeff Dahl e duas bandas que estavam entre as prediletas de C.J. na época, L7 e Bad Religion.

Em 1991 os Ramones definitivamente eram uma banda universal. Turnê de 10 dias na Austrália, 10 na Espanha, 3 dias seguidos em Tóquio, Buenos Aires ou São Paulo começou a se tornar rotineiro. Os argentinos eram os fãs mais fanáticos da banda. Chegavam a fechar a rua do hotel e promoviam coros de "hey ho let's go" no aeroporto que davam para ser ouvidos pela banda ainda antes desta sair do avião. Em São Paulo, três apresentações cheias na extinta casa de shows Dama Xoc. Numa das noites pós-show, Joey participou de um programa de rádio e escolheu músicas de seus artistas favoritos: New York Dolls, Stooges, Motörhead, MC5, The Who, David Bowie, Jimi Hendrix, AC/DC, Buzzcocks, Blondie, Alice Cooper, Jane's Addiction e temas dos Ramones.

Em Barcelona os Ramones reservaram duas datas e gravaram Loco Live, o segundo álbum ao vivo dos Ramones. O álbum saiu em duas versões: européia e americana. A diferença entre as duas era a capa e umas 5 faixas diferentes entre as 33 presentes. Nesta época os Ramones estavam tocando em um ritmo bem acelerado. C.J. fazia backing vocals certeiros e cantava Wart Hog, Marky comandava o chimbal de forma impressionante, Johnny era perfeito na sua simplicidade e Joey, mesmo atropelando frases, mostrava por que era um vocalista soberbo.

Mondo Bizarro foi lançado no dia 1º de setembro de 1992. Com o sucesso do Nirvana e outras bandas alternativas, as portas estavam abertas para os Ramones, que desta vez esbanjavam credibilidade. Mondo Bizarro era esperado por muitos motivos, pois seria o primeiro registro de estúdio após três anos sem Dee Dee Ramone.

O disco abria com Censorshit, música que Joey compôs anos antes e já vinha tocando em algumas aparições solo. Marky colaborou com dois temas pouco inspirados. Johnny não compôs nada e apenas escolheu que música dos The Doors eles iriam tocar; fizeram uma versão caprichada de Take It As It Comes, com Joe McGinty dos Psychodelic Furs nos teclados.

Dee Dee que, não estava mais na banda, colaborou com três temas: o hit do álbum, Poison Heart, e outras faixas brilhantemente cantadas por C.J.: Main Man e Strenght To Endure. Poison Heart ganhou o primeiro clip saído de Mondo Bizarro e era uma música que Dee Dee tinha feito numa época em que ele estava tocando com Stiv Bators e Johnny Thunders. Dee Dee vendeu os direitos autorais dessa música para pagar uma fiança, pois estava preso por porte de drogas. Na verdade, Dee Dee continuou compondo para os Ramones porque precisava de dinheiro e agora os Ramones eram uma banda grande e vendia muito bem.

Produzido por Ed Stasium, Mondo Bizarro foi um enorme sucesso comercial na época de seu lançamento. Mondo Bizarro é definitivamente um álbum de Joey Ramone. Joey, que compôs 7 das 13 faixas, estava há dois anos livre das drogas e do álcool e estava levando uma vida 100% saudável, além de ter mergulhado na medicina holística, homeopatia, quiropatia e até mesmo no yoga. O começo dos anos 90 foi a época mais feliz e criativa do vocalista. Escrevia sobre diversos temas com maestria: censura, política, solidão, fidelidade de seus fãs (It's Gonna Be Alright), temas ramônicos clássicos como Heidi Is A Headcase e Cabbies on Crack; e para fechar o álbum, Touring, originalmente composta por Joey em 81 e que em Mondo Bizarro recebeu uma nova versão.

Mondo Bizarro foi sucesso de crítica e de vendas. Os Simpsons prestaram um homenagem ao quarteto(chamando-os para cantar "happy birthday" para o personagem Sr. Burns) e a gravadora pediu para que os Ramones gravassem mais algumas versões dos anos 60, para futuro lançamento de um CD, com o cover Take It As It Comes do The Doors no lado A. O projeto se arrastou. A gravadora propôs algumas faixas para a banda "fazer", então cada ramone escolheu as faixas que mais amavam e que gostariam de regravar, e em 1993 foi lançado Acid Eaters. Os Ramones sempre fizeram regravações de músicas antigas e o resultado quase sempre era animador. Desta vez, elaboraram um álbum inteiro com músicas do final dos anos 60, a época que mais influenciou Joey e Johnny Ramone.

Algumas escolhidas como Substitute, Somebody To Love e I Can't Control Myself já tinham sido regravadas por Sex Pistols, Agent Orange e Buzzcocks respectivamente. Também escolheram faixas obscuras de bandas clássicas como Out Of Time dos Rolling Stones e When I Was Young do The Animals.

Marky sugeriu a inusitada 7 And 7 Is e C.J. escolheu Have You Ever Seen The Rain? do Creedence Clearwater Revival — o baixista estava com prestígio sobrando e ficou responsabilizado por 3 belos vocais em My Back Pages do Bob Dylan, Shape Of Things To Come dos Yardbirds e Journey To The Center Of The Mind dos The Amboy Dukes , faixa que abria o CD.

Apesar da qualidade indiscutível de mais este álbum, Acid Eaters foi um erro comercial. O momento pós-grunge pedia por novas canções ramônicas de punk rock simples e direto, lacuna preenchida comercialmente pelo estrondoso sucesso de bandas novas como The Offspring e Green Day.

A versão normal do álbum encerrava com Surf City dos Beach Boys, já a versão japonesa continha uma décima terceira faixa também dos Beach Boys, intitulada Surfin' Safari.

Apenas em 1994 os outros Ramones ficaram sabendo que o vocalista Joey estava com câncer. Em 95, Joey deixou claro que os Ramones teriam que parar de fazer shows. O vocalista estava ficando cada vez mais cansado e debilitado, afinal não era nada fácil fazer shows longos e intensos, coberto por jaqueta de couro e iluminação forte.

Show dos Ramones em Mogi Das Cruzes, São Paulo, em 1996.Além da saúde debilitada do vocalista, o grande problema dos Ramones eram os vários anos de tensão e pouca comunicação entre os integrantes. O fim da banda não era oficializado mas comunicaram à imprensa que um último disco seria gravado. Nesse clima, foi lançado ¡Adios Amigos!. O disco abre com um cover inusitado de Tom Waits. Na sequência, três músicas de Dee Dee, sendo que a Makin Monsters for My Friends e It's Not For Me To Know já tinham aparecido num disco solo do antigo baixista.

Joey aparece com apenas duas faixas lentas e brilhantes. Spiderman aparece como faixa escondida e I Love You dos The Heartbreakers são outros dois covers do álbum. Marky compõe Have a Nice Day, a faixa menos inspirada das 13 listadas. Metade do disco é de autoria da parceria Daniel Rey e Dee Dee, sendo que em Born To Die In Berlin o antigo baixista canta o terceiro verso em alemão, numa gravação feita por telefone. C.J. canta em 4 músicas, e estréia como compositor na banda com duas músicas: Scattergun e Got A Lot To Say.

Do lançamento de ¡Adios Amigos! até o fim da banda os Ramones ficaram um ano excursionando e fazendo os últimos shows pelas principais cidades do mundo. No dia 29 de fevereiro gravaram um show em Nova York, que deu origem ao terceiro álbum ao vivo do quarteto: "Greatest Hits Live" - lançado no meio do ano de 96 e que serviu para promover a participação dos Ramones na turnê Lollapalooza. Como o título sugere, Greatest Hits Live trazia as músicas mais famosas do grupo, mas o atrativo principal era o registro ao vivo de faixas de álbuns recentes como: I Don't Want To Grow Up, Strenght To Endure, Spiderman, Cretin Family e The Crusher. Além disso duas versões de estúdio enriqueciam o disco: um cover da sessentista Any Way You Want It e uma regravação de R.A.M.O.N.E.S. do Motörhead.

Logo após este show em NYC o Brasil recebeu pela última vez os Ramones em 6 datas emocionantes. Na sequência, o quarteto fez em Buenos Aires o que seria o último show da história do grupo. Mas um convite para participar do Lollapalooza alterou o curso da história. Neste show em Buenos Aires no estádio de River Plate os Ramones tocaram junto com Iggy Pop e Die Toten Hosen para 70 mil argentinos alucinados.

A TV Argentina transmitia ao vivo o espetáculo para todo o país. Antes de Blitzkrieg Bop Joey vai ao microfone e fala "Don't cry for me Argentina". Dee Dee que morava em Buenos Aires na época ficou de fazer uma participação mas esta acabou não acontecendo. Dee Dee chegou no hotel na hora dos autógrafos, hora de tumulto e confusão, os seguranças não reconheceram o ex-baixista que se sentiu esnobado. Finalmente a produção achou Dee Dee e o colocou dentro da van que os levariam ao local do show. Mas Dee Dee parecia perturbado e simplesmente pulou para fora da van e sumiu.

O último show dos Ramones aconteceu no dia 6 de agosto de 1996 no Palace em Hollywood. Chamaram vários convidados como Eddie Vedder, Lemmy Kilmister, Tim e Lars do Rancid, Chris Cornell do Soundgarden e Dee Dee Ramone. Dee Dee ficou encarregado de cantar Love Kills mas entrou errado na música e esqueceu quase toda a letra. Foi o show de número 2.263 e deu origem ao álbum e ao vídeo We're Outta Here!. Os Ramones eram a epítome de NYC e fizeram o último show em Los Angeles apenas porque Johnny estava se mudando para lá e queria que assim fosse. A idéia inicial era que o último show fosse de graça no Times Square em NYC.

Após esta derradeira apresentação os Ramones ainda receberam uma proposta irrecusável para fazer seus últimos shows na América do Sul. Joey Ramone não aceitou, fato que deixou Marky e Johnny transtornados, afinal esta única semana de shows pelo Brasil e Argentina dariam muito mais lucro do que as seis semanas que fizeram no festival Lollapalooza. Joey sempre foi a alma dos Ramones e para ele, tudo já tinha realmente acabado. Joey não iria cantar por dinheiro, estava mais preocupado com seu projeto solo e sua doença(no último show a voz de Joey nas ultimas músicas está cansada, não mostrando o mesmo vigor de antes)

A última vez que eles todos se reuniram (exceto Richie) foi em 99 no lançamento da compilação Hey Ho Let's Go, pela Rhino e antes disso no final de 97 no lançamento da box set We're Outta Here.

[editar] Anos 2000 - período pós-banda
[editar] Joey, Dee Dee e Johnny

Joey Ramone's Place, em Nova IorqueDesde o fim dos Ramones, Joey lutava contra o câncer linfático e planejava seu disco solo. No final do ano 2000 o câncer deu uma trégua e o vocalista ainda fragilizado finalizava seu álbum junto com Daniel Rey. Mas em dezembro Joey escorregou no gelo da calçada à frente de seu apartamento e quebrou a bacia. A medicação do tratamento foi interrompida para que uma cirurgia fosse realizada e assim o câncer se alastrou. Num domingo de Páscoa no dia 15 de abril de 2001 Joey Ramone faleceu. A notícia abalou milhares de fãs do mundo inteiro. Os Ramones eram tudo para Joey, ele era um dos símbolos do punk e um dos vocalistas e personagens mais influentes e queridas da história do rock e da música.

Com o fim dos Ramones as boas músicas de Dee Dee não estavam sendo gravadas e em 97 surge o maravilhoso álbum Zonked!/Ain't It Fun, o melhor trabalho solo de Dee Dee Ramone. Neste álbum ele assume os vocais e a guitarra, Marky toca bateria, Daniel Rey toca a outra guitarra e produz o trabalho, Barbara arrisca no contra-baixo e canta em 3 faixas, mas o destaque positivo fica para as participações vocais de Lux Interior (The Cramps) e Joey Ramone.

Depois disso Dee Dee paradiou a si mesmo lançando trabalhos menores como Greatest and Latest, The Ramaiz(Marky, Dee Dee e C. J.) e Hop Around. No dia 5 de junho de 2002 foi encontrado morto aos 49 anos em seu apartamento por uma overdose de heroína.

Foi pequeno e simples o enterro do baixista mais influente do punk rock. Lá estavam sua mãe, sua esposa Barbara, Tommy, C.Jay, Johnny, Linda(esposa de Johnny), Danny Fields, Legs McNeil, Daniel Rey, Ed Stasium e alguns músicos que tocavam com Dee Dee na época.

Johnny resolveu curtir a vida como achava melhor. Ficou mais relaxado, menos durão. Johnny era o general dos Ramones. Uma pessoa controladora e reacionária. Sem este radicalismo do guitarrista os Ramones não teriam vida longa e seria fadada ao esquecimento ou mesmice. Johnny soube que tinha câncer de próstata em 1997 e após uma longa guerra contra sua doença faleceu no dia 15 de setembro de 2004 aos 55 anos. Morreu em Los Angeles ao lado da esposa Linda e de alguns amigos, entre eles Eddie Vedder, do Pearl Jam Alguns destes amigos participaram da última empreitada de Johnny no rock. Seu enterro foi em Los Angeles, com grande participação de músicos e amigos do guitarrista. Desde o fim dos Ramones o guitarrista se aposentou por completo mas se juntou ao vocalista Rob Zombie para produzir um tributo ao quarteto nova iorquino. "We're a happy family - A tribute to Ramones", que foi lançado em 2003 e se destacava de outros tributos ramônicos por trazer muitos artistas gigantes do mundo do rock como Metallica, Kiss e U2. Vale lembrar que o encarte desse tributo foi desenhado por Stephen King.

[editar] Los Gusanos e Bad Chopper
Depois de 3 anos nos Ramones C.Jay formou os Los Gusanos apenas para se divertir. Neste quarteto C.Jay era o guitarrista e vocalista. Em 1994 a banda lançou seu primeiro EP, com 4 maravilhosas músicas. Após o fim dos Ramones C.Jay se dedicou aos Los Gusanos que em 1998 lançou o primeiro álbum da banda. Problemas com a gravadora, várias trocas de bateristas e a saída do guitarrista Ed Lynch foram alguns dos motivos que fez com que a banda acabasse em março de 2000.

C.Jay conheceu Chessa (sobrinha de Marky Ramone) quando ela tinha 13 anos, mas apenas 4 anos depois começaram a namorar. Tempos depois moravam juntos no mesmo edificio de Marky e Marion. As coisas iam bem até Chessa engravidar. Se casaram no final dos anos 90, tiveram 2 filhos e anos depois se separaram. Na separação Chessa levou tudo que C.Jay tinha. Ele vendeu tudo por causa do divórcio. Vendeu sua Harley, algumas armas de sua coleção e equipamentos musicais. Até seu disco de ouro do Ramones Mania teve que ser vendido com seu advogado.

Depois disso C.Jay(que agora é chamado de C. Jay Ward) formou o trio Warm Jets e lançou um compacto 7 polegadas. No meio de 2001 a banda mudou de nome para Bad Chopper, chegando a tocar no Brasil em duas datas do mês de setembro do mesmo ano. No Bad Chopper C.Jay toca contrabaixo e canta músicas na linha dos Ramones e Stooges.

Em setembro de 2001, na casa de shows Hangar 110, em São Paulo, houve o lançamento mundial da banda. Em agosto de 2008, C.Jay esteve novamente no Brasil com o Bad Chopper, desta vez apresentando seu primeiro álbum, o "Bad Chopper".

[editar] Marky Ramone atualmente

Marky Ramone na Ramonesfest, em 2006.Em 1996 quando os Ramones acabaram Marky já estava com seu futuro trabalho engatilhado. Marky Ramone and the Intruders, álbum homônimo, foi lançado no final do mesmo ano. Junto com Skinny Bones fazendo vozes e guitarra, Marky mostrava o mesmo trabalho percussivo cativante da época dos Ramones. Algumas faixas foram compostas e cantadas por Mark Neuman, ex-Sheer Terror. As letras variavam na trilogia cerveja, garotas e ressentimentos. Entre as 13 faixas do álbum uma nova e pouco interessante versão de Anxiety (anteriormente gravada em Mondo Bizarro), um cover de Better Things dos Kinks e 3 Cheers For You, uma homenagem aos sul americanos do Brasil, Chile e Argentina. Não coincidentemente no final de 96 Marky Ramone e sua nova banda já se apresentavam no Brasil ao lado de Sex Pistols, Inocentes e Bad Religion.

Os Intruders vieram para o Brasil mais algumas vezes, mudaram de formação, lançaram um segundo e bom álbum produzido por Lars do Rancid e acabaram. Marky depois formou o Marky Ramone Group que depois se tornou Marky Ramone and the SpeedKings, projeto que lançou dois discos. No início de 2001 resolveu se juntar a Jerry Only e Dez Cadena e com eles tocar Misfits, Ramones e gravar o álbum Project 1950. Atualmente faz shows esporádicos tocando Ramones, participou do filme "Escola do Rock 2" e finaliza um livro intitulado "Faith and the Backbeat".

Em meados de 2004, Marky Ramone lançou um DVD com cenas de bastidores das turnês, gravadas com uma câmera amadora pela banda. RAW contém ainda um show gravado em 1980 na Itália e aparições na televisão, contando com aproximadamente cinco horas de material.

Em 8 de outubro de 2004, Tommy Ramone, C.J. Ramone, Elvis Ramone e Daniel Rey fizeram o show "Ramones Beat Down On Cancer" (Ramones contra o Câncer).

Em 2006, Marky Ramone gravou um CD ao vivo com a banda Tequila Baby, em que eles tocam alguns hits dos Ramones, entre eles, Rockaway Beach, Teenage Lobotomy, I Don't Care, Sheena Is a Punk Rocker, Pet Sematary, The KKK Took My Baby Away, I Don't Want You, Beat on The Brat, Poison Heart, I Believe in Miracles e Blitzkrieg Bop. Marky também gravou com os Raimundos.

Atualmente Marky está no Osaka PopStar, que juntou vários icones do Punk norte-americano, como Jerry Only(The Misfits), Dez Cadena(Black Flag) e Ivan Julian(Richard Hell & The Voidoids). Sempre que pode Marky passa pela América do Sul fazendo apresentações.

[editar] Integrantes

Os Ramones em concerto em 1983, em Seattle.Joey Ramone - vocal (1974-1996): Faleceu em decorrência de um câncer linfático em 15 de abril de 2001, em Nova York. Sofria da doença havia anos, mas, com seu sistema imunológico enfraquecido devido a um pequeno acidente, o mal piorou.
Dee Dee Ramone - baixo (1974-1989): Foi encontrado morto em sua casa em Hollywood em 5 de junho de 2002, devido a uma overdose de heroína.
Johnny Ramone - guitarra (1974-1996): Morreu em decorrência de um câncer de próstata em 15 de setembro de 2004, em Los Angeles. Ele lutava contra a doença desde 1999.
Elvis Ramone - bateria (1987-1987): Apresentou-se com a banda em duas ocasiões: 28 de agosto de 1987, em Providence, Rhode Island, e 29 de agosto de 1987.
Marky Ramone - bateria (1978-1983; 1987-1996): Em 1983 Marky foi forçado a abandonar a banda por causa dos problemas com o álcool. Em 1987 ele voltou a ocupar o lugar de baterista após estar recuperado do alcoolismo.
CJ Ramone - baixo (1989-1996): Substituiu Dee Dee Ramone de setembro de 1989 a 1996
Tommy Ramone - bateria (1974-1978): Após a gravação do terceiro disco Tommy deixou a bateria e virou produtor da banda.
Richie Ramone - bateria (1983-1987): Substituiu Marky Ramone na bateria. Deixou a banda pois queria casar-se e alegando não receber participação nos lucros das vendas de camisetas e não suportar o autoritarismo de Johnny Ramone.
Integrantes da banda ao longo do tempo

Sex Pistols

2010-08-30T10:16:00.000-07:00

Sex Pistols

Biografia;

A banda era composta originalmente pelo vocalista Johnny Rotten, o guitarrista Steve Jones, o baterista Paul Cook e o baixista Glen Matlock. Matlock foi substituído por Sid Vicious no início de 1977. Sob a condução do empresário Malcolm McLaren, a banda criou controvérsias que cativaram a Grã-Bretanha; seus shows frequentemente eram fonte de problemas para organizadores e autoridades, e suas aparições públicas quase sempre terminavam em confusões. O single de 1977, "God Save the Queen", que atacava o conformismo social e a subsmissão à Coroa da sociedade britânica, precipitou a "última e maior epidemia de pandemônio moral com base no pop".

Em janeiro de 1978, ao fim de uma turbulenta turnê nos Estados Unidos, Rotten abandonou a banda e anunciou o fim dela. Ao longo dos próximos meses, os três outros integrantes gravaram músicas para a versão cinematográfica da história da banda, The Great Rock 'n' Roll Swindle. Vicious morreu de overdose de heroína em fevereiro de 1979. Em 1996 Rotten, Jones, Cook e Matlock se reuniram para a Filthy Lucre Tour e, desde 2002, se apresentaram em diversos shows e turnês. Em 24 de fevereiro de 2006, os Sex Pistols—os quatro membros originais, e Vicious—foram indicados para o Hall da Fama do Rock and Roll, porém se recusaram a comparecer à cerimônia, chamando o museu de "uma mancha de mijo".

Discografia;

Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols (1977)
Spunk (demo) (1977 lançado em 2006)
The Great Rock 'n' Roll Swindle (box set) (1979)
Some Product: Carri on Sex Pistols (documentário) (1979)
Flogging a Dead Horse (compilação) (1980)
Anarchy in the UK: Live at the 76 Club (ao vivo) (1985)
Kiss This (compilação) (1992)
Filthy Lucre Live (ao vivo) (1996)
The Filth and the Fury (documentário) (2000)
Jubilee (compilação) (2002)
Sex Pistols Box Set (box set) (2002)

postado por:Alexandre Ribeiro

MUSICA PUNCK

2010-08-24T19:20:00.000-07:00

MUSICA PUNCK

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.Ir para: navegação, pesquisa
A música punk é um dos elementos que mais caracteriza a cultura punk. Acompanhando as mudanças históricas do estilo, a música punk também apresenta um grande número de ramificações e evoluções.

Apesar de historicamente ter surgido do rock, a música criada por punks não é limitada ao punk rock. Este artigo trata da música produzida por punks na acepção geral do termo e não do estilo específico punk rock.

ASPECTOS GERAIS

O primeiro elemento cultural punk desenvolvido foi a música. A música punk desde suas origem até os dias de hoje passou por diversas mudanças e sub-divisões, englobando características que vão desde o pop punk irônico e politicamente indiferente, ao ruidoso discurso político panfletário, entre outras características. Apesar disso, nos diversos estilos de música punk o caráter anti-social e/ou socialmente crítico é bastante recorrente e a ausência destas características é vista por alguns como justificativa para o não-reconhecimento de uma banda como sendo do estilo punk. Estilos muito distintos do punk rock também são desconsiderados com freqüência.

O estilo punk rock tradicional caracteriza-se pelo uso de poucos acordes, em geral power chords, solos breves e simples (ou ausência de solos), música de curta duração e letras rebeldes, sarcásticas que podem ser politizadas ou não, em muitos casos uma manifestação de antipatia à cultura vigente. Estas características não devem ser tomadas como uma definição geral de punk rock, pois bandas e variações bem difundidas do gênero apresentam características muitas vezes antagônicas a estas, como por exemplo as músicas longas e complexas do Television (uma banda de protopunk), o experimentalismo cacofônico do Crass (uma banda mais voltada ao ideologia punk anarquista), a tendência de sociabilização das bandas de hardcore moderno e o discurso sério de algumas bandas politizadas.

SUBGÊNEROS MUSICAIS E ESTILOS

As mais difundidas correntes musicais punks são as descendentes do estilo punk rock original, que mantém certas características sonoras em comum com sua origem e que podem ser classificadas como rock. Destacam-se o hardcore, streetpunk/oi!, grindcore, crust punk e ska punk. Existem também estilos fusão que se tornaram notavelmente distintos como o funk punk, o reggae punk, o pós-punk, o synth-punk e outros. Há ainda outras correntes musicais nitidamente semelhantes à música punk, cujo o reconhecimento como parte do estilo não é unânime entre punks, em geral por demonstrarem uma atitude controversa ou não relacionada com o estereótipo, como o caso da new wave, do pop punk e do emo moderno.

No início dos anos 80 o gênero streetpunk/oi!, começou a ser apreciado também por skinheads, que antes escutavam apenas a música da Jamaica, levando à musica punk para outras subculturas urbanas.

A ESTREIA ENTRE A MÚSCA E A IDEOLOGIA PUNCK

A música punk desde seu início foi marcado como um estilo musical de contestação, seja como uma resposta musical ácida e crítica aos rumos que a música rock havia tomado na época com o rock progressivo, ou de forma ideológica criticando opiniões preconceituosas de músicos famosos de rock no final dos anos 70 e início dos anos 80, como o apoio de algumas bandas de punk rock e streetpunk ao rock against racism.

O gosto por certas bandas e gêneros musicais é algumas vezes interpretado como identificação de um indivíduo à uma certa postura ideológica distinta dentro da cultura punk, como o niilismo, o anarquismo, a cultura de rua, entre outras.

No Brasil, bandas podem ser repudiadas por grupos anarcopunks brasileiros, como Vírus 27 e Garotos Podres pelas relações desses artistas com a cultura skinhead e careca, ou como o Ratos de Porão por ter o reconhecimento da mídia, enquanto estas mesmas bandas podem ser bem aceitas e favoritas entre outros punks. Da mesma forma que os outros elementos culturais, o porte de símbolos por certas bandas comumente associadas a determinados grupos ideológicos, muitas vezes desencadeiam a hostilidade e a violência de adeptos de gangues e grupos do movimento punk com ideologia contrária, fato esse muito comum nos grandes centros urbanos brasileiros.

Em outros países, principalmente em países europeus, atualmente há mais tolerância às diferenças musicais, ideológicas e culturais distintas, como uma forma de se unir tendo as raizes musicais como um elo em comum, contra grupos e indivíduos com posturas ideologicas discriminatórias e opressoras como o nazismo e o fascismo.

musica eletronica

2010-08-24T19:11:00.000-07:00

DAFT PUNCK

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.Ir para: navegação, pesquisa
Daft Punk

Daft Punk em performance no Wireless Festival 2007. Da esquerda: Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo
Informação geral
Origem Paris
País França
Gêneros House music
Período em atividade 1993–presente
Gravadora(s) Soma, Virgin Records
Afiliações Darlin'
Stardust
Together
Le Knight Club
Crydajam
Página oficial www.daftpunk.com
www.daftalive.com
Integrantes
Thomas Bangalter
Guy-Manuel de Homem-Christo

Daft Punk é uma dupla de música eletrônica constituída pelos músicos franceses Guy-Manuel de Homem-Christo (nascido em 8 de fevereiro de 1974) e Thomas Bangalter (nascido em 3 de janeiro de 1975).[1] Daft Punk alcançou popularidade significativa no movimento house no final dos anos 90 na França e estava satisfeito com o sucesso contínuo nos anos seguintes.[2]

Daft Punk também produziu canções que foram consideradas essenciais no cenário da French house. Eles tiveram como empresário de 1996 a 2008 Pedro Winter (Busy P), o chefe da Ed Banger

Música Eletrônica

2010-08-09T10:53:00.000-07:00

A minha banda de música eletronica vai ser diversa tendo sucesso interstelar por ter os melhores títulos de sucesso e grandeza sendo uma dupla fazendo e um baterista dando um som único agitado, podendo ser feito com músicas e criando ritmos e sons sendo implacável aos outros géneros e sendo tão bom que criaram um novo tipo de música tocando até na Lua, Mercúrio, Vénus , os anéis de Saturno e Sol, tendo um estilo único e histórico.

postado por: Alexandre Ribeiro 7ºano

Minha music eletronica

2010-08-08T07:21:00.000-07:00

o meu grupo seria bem diferente com um estilo inexistente do jeito de se vestir
eu faria turne pelos lugares mais loucos do mundo e teria uma legião de fãs ao meu redor iria querer gravar um disco na lua eu seria o dj e compositor , seria bem divertido alem de uma coisa inedita no mundo UM SHOW NA LUA e faria um ritmo igual a daft punk

Lukas Urbano Simões n°15

Minha banda de musica eletronica

2010-08-06T13:50:00.000-07:00

se eu tivesse uma banda de musica eletronica eu seria o compositor claro q com a ajuda dos outros integrantes e as musicas teriam um file estilo Interstrllar 5555 - Daft Punk e as minhas musicas seriam top e tocariam em todas as festas

Neto Stocker #17

Minhaa Bandaa de música eletronica

2010-08-05T17:11:00.000-07:00

Se eu tivesse uma banda de música eletrônica , eu iria colocar músicas atuais bem dançantes , e animadas . Eu acho que eu seria a Dj , pq eu gosto muito de dj num sei pq shuauh' , bom meu cantor que eu admiro muito é o david guetta e edward maya.

Amanda Alves 7°ano #2

2010-08-05T15:22:00.000-07:00

Minha banda de música eletronica seria assim, eu seria o dj e só tocaria músicas da hora. Iria fazer varias turnês pelo mundo.
Me vestiria diferente, so para deixar a minha marca registrada, seria muito famoso e teria varios fãs.

Postado por: Lucas Jorge n°14

2010-08-04T15:35:00.000-07:00

Minha Banda de Musica Eletronica

2010-08-03T16:33:00.000-07:00

Se eu tivesse uma banda de musica eletronica , seria , animada , com musicas diferentes e muito contagiante .
Eu contrataria os melhores cantores e dj's , claro que eu seria uma cantora.Eu colocaria o nome da banda de Electronic Music e colocaria tbm um show de imagens atraz da banda em um telão que combine com a musica.
É mais ou menos como seria minha banda de musica eltronica

Victória Rusconi 7ºano ♥ #18

Musica Eletrônica

2010-08-03T14:18:00.000-07:00

Meu grupo de musica eletrônica só tocaria musicas legais.
Eu acho que eu seria o DJ. Eu acho que meu grupo faria muito sucesso e teria muitos fãs. E eu acho que meu grupo taria em todas as festas.

Larissa Soler #9

Meu grupo de musica eletronica

2010-08-03T13:58:00.000-07:00

Meu grupo vistiria preto com colares brilhantes, com os instrumentos:guitarra eletronica e mesa para DJ que seria eu. Eu iria vestir uma roupa toda cinza com colares brilhantes

2010-06-22T17:54:00.000-07:00

dj basshunter

Biografia

Jonas Erik Altberg nasceu em 22 de dezembro de 1984, em Halmstad, na Suécia. Ele viveu com seus pais e irmão mais novo perto Tylösand. Começou a produzir música com o nome artístico "Basshunter" em 2002 com o programa de computador Fruity Loopse lançou seu primeiro álbum, The Old Shit (2002) e O Bassmachine (2004), através de seu próprio site,[1] e começou a trabalhar como DJ. Em abril de 2006, ele assinou com a Warner Music, lançando seu primeiro single, "Boten Anna". Em 2007, Altberg lançou uma gravação intitulada "Now You're Gone", com letras totalmente reescrito para apelar a um mercado estrangeiro. A canção alcançou o número um na UK Singles Chart e permaneceu lá durante 5 semanas.[1]
Ao longo de 2007 Basshunter trabalhou em um novo álbum, Now You're Gone: The Album, que foi lançado em julho de 2008. Cinco singles foram liberados a partir deste álbum (Now You're Gone, All I Ever Wanted, Angel in the Night, I Miss You, e andar sobre a água).[1] A edição especial do álbum foi lançado chamado Now You're Gone - The Album: Deluxe Edition em 05 de abril de 2009. Isso caracterizou todo o conteúdo do álbum original mais novos remixes de I Miss You & Angel in the Night por Headhunter, junto com um remix de 7th Heaven Walk On Water, e um megamix dos quatro primeiros singles. Ele foi recentemente trazido outra único "Eu prometi a mim mesmo ', que foi lançado no 30 de novembro, 2009.
Basshunter era um concorrente na série final do Celebrity Big Brother (UK) e entrou na casa no 03 de janeiro de 2010. [2] Ele chegou à final do show e acabou terminando em quarto lugar.
Seu quinto álbum de estúdio, Bass Geração, foi anunciada em 01 de julho de 2009 no Hard2Beat site e foi lançado em 28 de setembro de 2009. O novo álbum é chamado de Generation Bass, com o seu primeiro single a ser todas as manhãs.[3]
Carreira

2006 - 2008: <(^^,)> LOL
Basshunter álbum de estréia LOL <(^^,)> foi lançado em 01 de setembro de 2006 pela Warner Music. A edição de Natal / Internacional foi lançada em 22 de dezembro de 2006, com o sueco mesmas canções do álbum original, mas com nomes traduzidos em Inglês, em uma pista um pouco diferente ordem, e com faixas bônus, incluindo o nunca-antes-lançado "Jingle Bells ". A canção "Sverige" foi omitido da edição internacional.
2008 - 2009: Now You're Gone: The Album
o segundo álbum de estúdio Basshunter Now You're Gone: The Album foi lançado em 14 de julho de 2008. O álbum apresenta Inglês Basshunter remakes de hits mais antigos, e entrou no UK Albums Chart no número 1 também o álbum vendeu 300 mil cópias de um excesso no Reino Unido, tornando-se platina. Na Nova Zelândia, o álbum alcançou a posição número um em sua quinta semana, e foi certificado ouro depois de seis semanas de venda mais de 7.500 cópias. O álbum foi certificado platina depois de 10 semanas, vendendo mais de 15.000 cópias.[4] O álbum passou um total de duas semanas no número um.
O álbum produziu vários singles incluindo Now You're Gone, All I Ever Wanted e Angel in the Night.
2009 - presente: Bass Geração
Seu quinto álbum de estúdio Generation Bass foi lançada em 28 de setembro de 2009. No início de setembro de 2009, antes de o álbum foi lançado a música "Numbers", foi lançado ao público como um download gratuito através do Basshunter oficial Bebo perfil. A data de lançamento do álbum acabou sendo deslocado para cima de uma semana por razões desconhecidas, a 28 de Setembro de 2009, junto com o single "Every Morning", que foi lançado em 21 de setembro de 2009.[5][6] Para promover o álbum, o Basshunter Album Artwork Concorrência foi criada em 10 de Agosto de 2009, em que os fãs poderiam projetar e colocar as suas próprias capas para a "Bass Geração álbum" Bebo para o perfil de Basshunter. O trabalho artístico vencedor será assinado, emoldurado e apresentado a eles por Basshunter no tour Generation Bass.[7] A vencedora foi revelado em 11 de setembro de 2009. Basshunter também estabelecidas no Tour Generation Bass em outubro de 2009 em apoio ao álbum. A data de 10 shows no Reino Unido foi anunciado em 01 de julho de 2009,[8] com Fugative apoio Basshunter.[9] Os ingressos foram colocados à venda 03 julho de 2009.
Em 03 de janeiro de 2010, Basshunter entrou na série de TV britânica Celebrity Big Brother como um companheiro de casa, ele terminou em quarto.
Em 14 de Maio de 2010, foi anunciado que a mais nova música Basshunter desde o Bass Geração de lançamento, intitulado sábado, teria um premier no mundo vivem na BBC Radio 1 , com Scott Mills , naquela mesma noite.[10] A música foi co-escrito por Thomas Troelsen, Engelinae Cutfather. Foi produzido por Thomas Troelsen e Cutfather.

LUKAS URBANO SIMÕES N°15

2010-06-10T07:35:00.003-07:00

Daft Punk

Daft Punk em performance no Wireless Festival 2007. Da esquerda: Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo
Informação geral
Origem Paris
País França
Gêneros House music
Período em atividade 1993–presente
Gravadoras Soma, Virgin Records
Afiliações Darlin'
Stardust
Together
Le Knight Club
Crydajam
Página oficial www.daftpunk.com
www.daftalive.com
Integrantes
Thomas Bangalter
Guy-Manuel de Homem-Christo
Daft Punk é uma dupla de música eletrônica constituída pelos músicos franceses Guy-Manuel de Homem-Christo (nascido em 8 de fevereiro de 1974) e Thomas Bangalter (nascido em 3 de janeiro de 1975).[1] Daft Punk alcançou popularidade significativa no movimento house no final dos anos 90 na França e estava satisfeito com o sucesso contínuo nos anos seguintes.[2]

Daft Punk também produziu canções que foram consideradas essenciais no cenário da French house. Eles tiveram como empresário de 1996 a 2008 Pedro Winter (Busy P), o chefe da Ed Banger Records.[3]

Lukas Urbano ,Larissa ,Laura e ,Lucas Gonçalves

2010-06-10T07:35:00.001-07:00

dj shadow

2010-06-10T07:34:00.005-07:00

Josh Davis, mais conhecido como DJ Shadow, (Hayward, Califórnia, 1 de Janeiro de 1973) é um DJ norte-americano.

DJ Shadow viveu toda sua adolescência na Califórnia e era um DJ na rádio comunitária KDVS. Durante esse tempo de DJ Shadow fez um trabalho experimental misturando hip-hop instrumental com artistas de gravadoras americanas. DJ Shadow também é considerado como o criador do trip-hop, título que ele nega.

O primeiro CD foi Endtroducing..., que foi lançado em 1996 com grande sucesso entre a crítica. Endtroducing entrou no Guiness Book como primeiro CD a ser completamente feito de samples em 2001. Em 2002, seis anos depois do lançamento do seu primeiro trabalho completo, Shadow lançou o segundo, chamado The Private Press. Em 2006 lançou seu terceiro álbum: The Outsider . Além de seu trabalho solo, Shadow tem consolidado sua carreira ao lado de outro DJ, Cut Chemist, lançando mixtapes tocando discos de funk extremamente raros.

postado por Lucas jorge e joão victor laja

dj shadow

2010-06-10T07:34:00.004-07:00

dj shadow

2010-06-10T07:34:00.003-07:00

dj shadow

2010-06-10T07:34:00.002-07:00

dj shadow

2010-06-10T07:34:00.001-07:00

dj shadow

2010-06-10T07:34:00.000-07:00

Beastie Boys

2010-06-10T07:30:00.000-07:00

Beastie Boys ao vivo no Virgin Festival, 2007
Informações gerais
Origem Brooklyn, Nova Iorque, Estados Unidos
Gêneros Hip hop, rock, punk rock rap
Período em atividade 1979-presente
Labels Rat Cage, Def Jam, Capitol, Grand Royal
Integrantes jovem aborígene, os jovens e os inúteis, Run-DMC, Biz Markie, Nas, BS 2000

www.beastieboys.com Website
Deputados
Mike D
MCA
Ad-Rock
Mix Master Mike
Ex-integrantes
Rick Rubin
John Berry
Kate Schellenbach
DJ Double R
Doctor Dré
DJ Hurricane

História

Beastie Boys são um grupo de hip-hop americano de Brooklyn, New York. O grupo é composto por Michael "Mike D" Diamond, Adam "MCA" Yauch, e Adam "Ad-Rock" Horovitz e John Jacobs, que deixou a banda logo após a sua grande oportunidade para se alistar na Marinha. Desde o tempo em torno do álbum Nasty Olá, o DJ para o grupo foi Michael "Mix Master Mike" Schwartz, que foi o primeiro apresentado na música "Três MCs e um DJ". Mike D acredita que seu tio Robert Boyle inspirou e sua banda para se levantar e correr.

Beastie Boys começou como um grupo de hardcore punk, em 1979, apareceram na compilação cassete New York Thrash com Riot Luta e Beastie, e lançou seu primeiro EP em 1982. Após alcançar o sucesso local moderado, com o lançamento de 1983, de hip-hop experimental 12 "Cooky Puss, eles mudaram para o hip-hop em 1984 e uma série de sucesso de 12" singles seguidos culminando com seu álbum de estréia Licensed to Ill (1986), que recebeu internacional aclamação da crítica e sucesso comercial.

Eles são um dos maiores atos viveu hip-hop em todo o mundo e continuar a desfrutar o sucesso comercial e de crítica em 2009, mais de 25 anos após o lançamento do seu álbum de estréia. Em 27 de setembro de 2007, foram nomeados para a indução no Rock and Roll Hall of Fame.Em 2009, o grupo lançou digitalmente remasterizado edições de luxo de seus álbuns Paul's Boutique, Check Your Head ", Ill Communication e Olá Nasty.

Influências e legado

Ajude a melhorar este artigo expandindo-o. Mais informações podem ser encontradas na página de discussão. (Maio 2010)
Beastie Boys tiveram quatro álbuns de chegar ao topo das paradas de álbuns da Billboard (Licensed to Ill, Ill Communication, Olá Nasty e To The 5 Boroughs) desde 1986. Na edição de Novembro de 2004, Rolling Stone com "Sabotage" a canção em seus 475 500 Greatest Songs of All Time lista.Na sua edição abril 2005, Rolling Stone classificou # 77 na sua lista dos 100 Maiores Artistas de Todos Time.Em 27 de setembro de 2007, foi anunciado que Beastie Boys foram uma das nove candidatos para o Rock 2008 And Roll Hall Of Fame induções.
Um show polêmico em Columbus, Georgia, em 1987, levou à aprovação de um decreto-lei prostituição naquela cidade. Governale Sal, um comediante sobre o pessoal do The Howard Stern Show, indicado ao ar em 25 de julho de 2007, que era o presidente do clube de fãs Beastie Boys na década de 1980 na rede de computadores Prodigy.

Discografia

Ver artigo principal: Beastie Boys discografia
[Editar álbuns] Studio
Licensed to Ill (1986)
Paul's Boutique (1989)
Check Your Head (1992)
Ill Communication (1994)
Olá Nasty (1998)
Para os 5 Boroughs (2004)
The Mix-Up (2007)
Hot Sauce Comissão, Pt. 1 (2010)
Hot Sauce Comissão, Pt. 2 (TBA)

Álbuns Studio

1. ^ "Beastie Boys hiphop.sh |". 2. ^ "Os homenageados" (Biografia). www.vh1.com. MTV Networks. 2006. http://www.vh1.com/shows/events/hip_hop_honors/2006/honoree_detail.jhtml?honoree=beastieboys.
3. ^ Raul Pollicino (1983/07/06). "Gigography". BeastieMania.com. http://www.beastiemania.com/gigog/show.php?g=19830706. Obtido 2009/12/07.
4. ^ Raul Pollicino (1982/06/25). «Gigography. BeastieMania.com. http://www.beastiemania.com/gigog/show.php?g=19820625. Obtido 2009/12/07.
5. ^ "Revista Fader 2 sur Flickr: fotos de partage!". Flickr.com. http://www.flickr.com/photos/beastie_boys/1875933653/in/set-72157600129157602/. Obtido 2009/12/07.
6. ^ Clayton Purdom (2009/02/24). "Beastie Boys: Paul's Boutique (20th Anniversary Edition) (Capitol, 1988) Reviews Record | @". Cokemachineglow.com. http://www.cokemachineglow.com/record_review/4311/beastieboys-paulsboutique-2009. Obtido 2009/12/07.
7. ^ Posted 01 de novembro de 2003 12:00 (2003/11/01). "156) Paul's Boutique". Rolling Stone. http://www.rollingstone.com/news/story/6599020/156_pauls_boutique. Obtido 2009/12/07.
8. ^ "Paul's Boutique: Informação e Muito Mais de Answers.com. Answers.com 9. ^ [1] [link] mortos
10. ^ "MTV Video Music Awards | 1998 | Destaques, vencedores, Artistas e Fotos do 1998 MTV Video Music Awards". MTV.com. 1998/09/10. http://www.mtv.com/ontv/vma/1998/. Obtido 2009/12/07.
11. ^ Greene, C Thomas (2004/06/23). "Beastie Boys Virus CD". Theregister.co.uk. http://www.theregister.co.uk/2004/06/23/beastie_boy_cd_virus. Obtido 2009/12/07.
12. ^ Mark Daniell. "Canoe - JAM! Música: Beasties reinventar o filme concerto". Jam.canoe.ca. http://jam.canoe.ca/Music/2006/08/01/1713379-ca.html. Obtido 2009/12/07.
13. ^ Http://www.albumvote.co.uk/news/news.php?id=1585
14. ^ "World exclusivos - Beastie Boys nome do novo álbum | Notícias | NME.COM". Nme.Com 15. ^ "Microfone para microfone: Beastie Boys" The Mix-Up ", devido junho 10 de julho de 26". Mic para mic.blogspot.com. 2007-04-26. http://mic-to-mic.blogspot.com/2007/04/beastie-boys-mix-up-due-july-10.html. Obtido 2009/12/07.
16. ^ "Web Site Oficial Beastie Boys". BeastieBoys.com. http://www.beastieboys.com/news.php?NewsID=78. Obtido 2009/12/07.
17. ^ "Web Site Oficial Beastie Boys". BeastieBoys.com. http://www.beastieboys.com/news.php?NewsID=72. Obtido 2009/12/07.
18. Sónar ^ ". Home". Sonar.es. http://www.sonar.es/portal/eng/home.cfm. Obtido 2009/12/07.
19. ^ Hurricane Festival
20. ^ Southside Festival
21 ^ ". Bestival 2007". Bestival.net. http://www.bestival.net/. Obtido 2009/12/07.
22. ^ Electric Picnic
s t r n 23. ^ o p e 'e f e v i a l
24. ^ Earth "ao vivo no MSN: A concertos para um clima em crise". Liveearth.msn.com. http://liveearth.msn.com/artists/beastieboys. Obtido 2009/12/07.

Beastie Boys - Too Many Rappers (HH_Terrorist Remix) by ultrakorrekt

Amanda nº2 ,Victória nº:18,Olmir Nº17, Alexandre N º:1 e Caio nº:4 7ºANO
Origem: Wikipédia, a encyclopediaJump livre para: navegação, pesquisa
Beastie Boys

Dj Tiesto

2010-05-28T02:13:00.000-07:00

Lukas Urbano Simões

2010-05-28T02:09:00.000-07:00

DJ Tiësto é o nome artístico do DJ, remixer e produtor musical holandês Tijs Michiel Verwest, nascido em Breda, em 17 de janeiro de 1969)^[1]. Tiësto já foi nomeado para o Grammy. Ele tornou-se um dos nomes mais famosos na cena mundial de trance e música electrónica. Apesar de ele ter utilizado muitos apelidos no passado, ele é mais conhecido pelo seu trabalho como DJ Tiësto. Nas suas produções mais recentes, no entanto, ele abandonou o rótulo de "DJ" e é conhecido agora como simplesmente "Tiësto", uma alcunha que deriva de seu apelido de infância.

Conforme sua popularidade cresceu no início dos anos 2000, ele tornou-se o primeiro DJ a apresentar-se para um grande público sem nenhum outro DJ ou outros actos de abertura. Ele também é notado por ser o primeiro DJ a tocar ao vivo no palco em Jogos Olímpicos na cerimónia de abertura das olimpíadas de 2004 em Atenas. Além de receber inúmeros prémios pelo seu trabalho ele foi coroado como o "Melhor Dj do mundo" 3 vezes consecutivas pela DJ Magazine de 2002 / 2003 / 2004.

Ele também realizou contribuições de caridade. Em Abril de 2006, Tiësto foi nomeado o embaixador mundial para a fundação Dance4Life, combatendo a disseminação da Sida, para a qual ele gravou a faixa "Dance4life." Em Dezembro de 2007, Tiësto e Giorgio Armani colaboraram juntos numa edição limitada de uma camisola de Tiësto disponível nas lojas Armani Exchange. O seu single "Sweet Things" inclui a camisola, com os lucros da venda beneficiando os Mercy Corps, uma ONG de acção humanitária.

Ele recebeu uma nomeação para um Grammy Award em 2008, por seu álbum Elements of Life. Em 2008 e 2009, Tiësto estabelecidas entre o 7 Julho e 22 de Setembro, toda segunda-feira como o novo DJ residente na Privileg em Ibiza.

2008 e 2009, Tiësto foi eleito para o International Dance Music Awards (IDMA) no Winter Music Conference, em Miami, como o melhor DJ do mundo.

Lukas Urbano Simões

scooter

2010-05-26T15:12:00.000-07:00

postado por: lucas orge

Cascada

2010-05-19T11:12:00.000-07:00

Laura Gomes

Barracuda

2010-05-19T11:08:00.000-07:00

Joao Laja

DJ Sammy

2010-05-19T10:58:00.000-07:00

Larissa Soler # 9
Comentario: Adorei a musica!

Perla - Cantora do Paraguai

2010-05-02T17:40:00.000-07:00

Perla, nome artístico de Ermelinda Pedroso Rodríguez D'Almeida (Caacupé, 17 de março de 1952), é uma cantora paraguaio-brasileira.
Nascida e criada no Paraguai, mudou-se para o Brasil bem jovem em busca de oportunidades e desafios. Consagrou-se na década de 1970 com o sucesso Fernando, versão em português de uma música do grupo Abba, dessa mesma década. Ao longo de sua carreira, vendeu mais de 10 milhões de álbuns, Ganhou 10 discos de ouro, dois de platina, um de platina duplo, entre outras premiações.
Oriunda de família de músicos paraguaios, fazia parte do grupo "Las Maravillas del Paraguay" com o pai e os irmãos. No início da década de 1970, devido a uma relação amorosa, deixou o grupo e veio para o Brasil, fixando-se depois na cidade paulista de Santos.
Chegando o Rio, na década de 1970, começou a se apresentar em casas noturnas, como "O Bigode do Meu Tio" em Vila Isabel. Seu repertório consiste basicamente em versões. Começou a fazer sucesso em meados da década de 1970, conquistando grande aceitação entre o público popular. Seu repertório é composto de tendências que vão das guarânias e boleros a versões de músicas pertencentes ao mundo pop, ficando conhecida como cantora romântica. Gravou várias versões de músicas do conjunto sueco ABBA. Nessa fase, o seu maior sucesso foi a versão que ela fez para "Fernando", em 1976, incluída no LP "Palavras de amor". Em 1979, lançou um LP no qual as músicas apresentavam arranjos da disco-music, em voga na época, destacando-se uma versão para "Love's in the Air". Fez também versões para canções italianas e norte-americanas. Ao longo das décadas de 1980 e 1990, manteve-se ativa, apresentando-se em shows e programas, além de gravar alguns discos independentes financiados pelo seu fã-clube. Desse período, destaca-se o sucesso "Pequenina", versão de Chiquitita), tema de novela do SBT. Lançou em 1999 o CD "Especialmente para você".
Em maio de 2002, lançou o disco "Perla canta ABBA e outros hits", elaborado a partir de uma compilação de sucessos da cantora, feita pelo pesquisador Rodrigo Faour. A festa de lançamento foi realizada na boate gay Le Boy, em Copacabana, no Rio de Janeiro. A escolha do local privilegia um dos segmentos do público da cantora, que a reconhece como linda diva.

http://www.youtube.com/watch?v=YZhkXBEBl68

2010-05-02T16:22:00.000-07:00

Xutos e Pontapes

No final de 1978, os Zé Pedro, Kalú, Tim e Zé Leonel, formam os Xutos e Pontapés, dando o primeiro concerto a 13 de Janeiro de 1979, com Zé Leonel na voz, Tim no Baixo, Zé Pedro na guitarra e Kalú na bateria, na sala Alunos de Apolo para a comemoração dos 25 anos do Rock & Roll. No mesmo concerto tocavam também os Aqui d´el-Rock, pioneiros do movimento Punk em Portugal, assim como a banda estreiante Minas e Armadilhas.
Em 1981 entra para a banda o guitarrista Francis e sai Zé Leonel, assumindo Tim as funções de vocalista. Em 1982 sai o compacto 1979-1982, com músicas marcanes como "Sémen" e "Mãe". Em 1983 Francis sai da banda que passa a actuar com músicos convidados, entre os quais o saxofonista Gui, e no mesmo ano entra para a banda o guitarrista João Cabeleira.
Na década de 90, o grupo entra em crise interna, com os seus elementos a iniciarem outros projectos. Tim integra os Resistência, Zé Pedro e Kalu abrem o bar Johnny Guitar e integram a banda de Jorge Palma, Palma's Gang, com Flak e Alex, ambos dos Rádio Macau.
Em 1998 editam o álbum Tentação, que serve de banda sonora ao filme de Joaquim Leitão, Tentação (filme).
Em 1999, com novo folêgo, fazem a tournée XX Anos Ao Vivo, onde fazem cerca de 80 concertos. Em ano de comemoração dos 20 anos de carreira é também editada uma compilação de homenagem, XX Anos XX Bandas, com a participação de várias das bandas e artistas. Nesse ano, gravam ainda o tema Inferno para o filme do mesmo nome de Joaquim Leitão.
No ano seguinte, gravam uma versão da canção Chico Fininho de Rui Veloso, para o álbum de homenagem aos 20 anos de estreia de Veloso com Ar de rock.
Os Xutos & Pontapés foram agraciados pelo Presidente da República Jorge Sampaio com a Ordem do Mérito em 2004. Nesse mesmo ano, os Xutos deram dois concertos no Pavilhão Atlântico, em Lisboa, nos dias 8 e 9 de Outubro para celebrar os seus 25 anos de carreira. A canção "O Mundo ao Contrário" do álbum homónimo foi escolhida para musica oficial do filme "Sorte Nula", que conta com uma breve participação de Zé Pedro como actor.
Em 2005, os Xutos & Pontapés realizaram uma tournée intitulada, a tournée dos 3 desejos, na qual deram três séries de concertos, cada um com um alinhamento diferente. Em 2006 não só deram um concerto acústico, em celebração dos seus 28 anos, como também lançaram um dvd triplo com toda a sua história desde o início (1978) até 2005 (tournée 3 desejos).
Em 2006, António Feio encenou um musical Sexta Feira 13 com apenas músicas dos Xutos, tendo estes concebido um tema especialmente para o musical com mesmo nome da peça.
Ainda no mesmo ano, foram convidado pelos Gato Fedorento a interpretar o genérico do Diz Que É Uma Espécie de Magazine.
Em 2008 foram convidados pela Associação Encontrar-se a integrarem o Movimento UPA – Unidos Para Ajudar, em conjunto com os Oioai, para interpretarem tema de solidariedade Pertencer.
Ao longo do ano de 2009, irá ser reeditada toda a discografia da banda. Serão editadas em vinil e limitadas a 500 unidades, o que se tornará numa peça de colecionador.
Já em Setembro desse ano, os Xutos & Pontapés actuam perante 40 mil espectadores num estádio do Restelo quase cheio para ver o derradeiro concerto de comemoração dos 30 anos de carreira da banda. Os Pontos Negros e Tara Perdida asseguraram as primeiras partes e nomes como Camané, Pacman, Manuel Paulo e Pedro Gonçalves foram os convidados da noite.
Depois de terem completado 30 anos, os Xutos têm mais uma prenda dos Fãs, em Setembro de 2009, são nomeados para os EMA'S na categoria de "Best Portuguese Act" , e em Novembro do mesmo ano ganham esse prémio!

Membros

Zé Pedro (guitarra ritmo) (1978-actualidade)
Kalú (bateria) (1978-actualidade)
Tim (baixo e voz) (1978-actualidade)
João Cabeleira (guitarra solo) (1983-actualidade)
Gui (saxofone) (1984-1990, 2004-actualidade)

Zé Leonel (voz) (1978-1981)
Francis (guitarra) (1981-1983)
Ricardo Delgado (teclas), convidado por Leonel (1981)

Discografia

78/82 (1982)
Cerco (1985)
Circo de Feras (1987)
88 (1988)
Gritos Mudos (1990)
Dizer Não De Vez (1992)
Direito ao Deserto (1993)
Dados Viciados (1997)
Tentação (1998)
XIII (2001)
Mundo ao Contrário (2004)
Xutos & Pontapés (2009)

Postado por : Gabriel Luiz Plácido Pocentte

Amália Rodrigues

2010-05-02T15:52:00.000-07:00

Amália Rodrigues

Amália da Piedade Rebordão Rodrigues (Lisboa, 23 de Julho ou 1 de Julho de 1920 — Lisboa, 6 de Outubro de 1999) foi uma fadista, cantora e actriz portuguesa, considerada o exemplo máximo do fado. Está sepultada no Panteão Nacional, entre os mais ilustres portugueses.Tornou-se conhecida mundialmente como a Rainha do Fado e, por consequência, devido ao simbolismo que este género musical tem na cultura portuguesa, foi considerada por muitos como uma das melhores embaixadoras do país. Aparecia em vários programas de televisão pelo mundo fora, onde não só cantava fados e outras músicas de tradição popular portuguesa, como música de outras origens (por exemplo, música espanhola).Amália da Piedade Rodrigues, filha de um músico sapateiro que para sustentar os seus quatro filhos e a sua mulher tentou a sua sorte em Lisboa, terá nascido - segundo a sua cédula de baptismo - às cinco horas de 23 de Julho de 1920 na rua Martim Vaz, na freguesia lisboeta da Pena. Amália alegava, no entanto, que o seu aniversário sempre fora celebrado a 1 de Julho (“no tempo das cerejas”), dizia : talvez por ser essa a altura do mês em que havia dinheiro para me comprarem os presentes. Catorze meses depois, o pai não arranja trabalho e a família volta para o Fundão. No entanto, Amália fica com os avós na capital.A sua faceta de cantora revela-se cedo. Amália era muito tímida, mas começa a cantar para o avô e os vizinhos que lhe pedem. Na infância e juventude, cantarolava tangos de Carlos Gardel e canções populares que ouvia e lhe pediam para cantar.Aos 9 anos, a avó analfabeta manda Amália para a escola, que ela muito gosta de frequentar. Acontece que aos 12 anos tem que interromper a sua escolaridade como era frequente nas casas pobres. Escolhe então o ofício de bordadeira mas depressa muda para ir embrulhar bolos.Aos 14 anos decide ir viver com os pais que entretanto regressaram a Lisboa. Mas a vida não é tão boa como em casa do avós. Entre outras coisas, tinha que ajudar a mãe e aguentar o autoritário irmão mais velho.Aos 15 anos, vai vender fruta para o Cais da Rocha e torna-se notada devido ao especialíssimo timbre de voz. Integra a Marcha Popular de Alcântara (nas festividades de Santo António de Lisboa) de 1936. O ensaiador da Marcha insiste para que Amália se inscreva numa prova de descoberta de talentos, chamada Concurso da Primavera em que se disputava o título de Rainha do Fado. Amália acabará por não participar, pois todas as outras concorrentes se recusavam a competir com ela.Conhece nessa altura o seu futuro marido. Francisco da Cruz, um guitarrista amador,com o qual casará em 1940. Um assistente recomenda-a para a casa de fados mais famosa de então, o Retiro da Severa, mas Amália acaba por recusar esse convite, e depois adiar a resposta, pois só em 1939 irá cantar nessa casa.Alcança tremendo êxito no Retiro da Severa, onde faz a sua estreia profissional e torna-se a vedeta do fado com uma rapidez notável. Passa a actuar também no Solar da Alegria e no Café Luso. Sendo o nome mais conhecido de todos os cantores de fado, faz com que por onde actuasse as lotações se esgotem, inflacionando o preço dos bilhetes. Em poucos meses atinge tal reconhecimento e popularidade que o seu cachet é o maior até então pago a fadistas.Estreia-se no teatro de revista em 1940, como atracção da peça Ora Vai Tu, no Teatro Maria Vitória. No meio teatral encontra Frederico Valério, compositor de muitos dos seus fados.Em 1943 divorcia-se, a seu pedido. Torna-se independente. Neste mesmo ano actua pela primeira vez fora de Portugal, a convite do embaixador Pedro Teotónio Pereira, que a leva a cantar em Madrid.Em 1944 consegue um papel proeminente, ao lado de Hermínia Silva, na opereta Rosa Cantadeira, onde interpreta o Fado do Ciúme de Frederico Valério. Em Setembro, chega ao Rio de Janeiro acompanhada pelo maestro Fernando de Freitas para actuar no Casino Copacabana. Aos 24 anos Amália tem já um espectáculo concebido em exclusivo para ela. A recepção é de tal forma entusiástica que o seu contrato inicial de 4 semanas se prolongará por 4 meses. É convidada a repetir a tournée, acompanhada por bailarinos e músicos.É no Rio de Janeiro que Frederico Valério compõe um dos mais famosos fados de todos os tempos: Ai Mouraria, estreada no Teatro República. Grava discos, vendidos em vários países, motivando grande interesse das companhias de Hollywood.Em 1947 estreia-se no cinema com o filme Capas Negras, o filme mais visto em Portugal até então, ficando 22 semanas em exibição. Um segundo filme, do mesmo ano, é Fado, História de uma Cantadeira.Amália é apoiada por artistas nacionalistas como Almada Negreiros e António Ferro. Esse que a convida pela primeira vez a cantar em Paris, no Chez Carrère, e a Londres no Ritz, em festas do departamento de Turismo que o próprio organiza.A internacionalização de Amália aumenta com a participação, em 1950, nos espectáculos do Plano Marshall, o plano de apoio dos EUA à Europa do pós-guerra, em que participam os mais importantes artistas de cada país. O êxito repete-se por Trieste, Berna, Paris e Dublin (onde canta a canção Coimbra, que, atentamente escutada pela cantora francesa Yvette Giraud a populariza em todo o mundo como Avril au Portugal). Em Roma, Amália actua no Teatro Argentina, sendo a única artista ligeira num espectáculo em que figuram os mais famosos cantores da chamada música clássica.Canta em todo os cantos do mundo. Passa pelos Estados Unidos onde canta pela primeira vez na televisão (na NBC), no programa do Eddie Fisher, patrocinado pela Coca-Cola, que teve que beber e que não gostara nada. Grava discos de fado e de flamenco. Convidam-na para ficar mas não fica, por que não quer.Amália dá ao fado um novo fulgor. Canta o repertório tradicional de uma forma diferente. Sintetizando o que é rural e urbano.Canta os grandes poetas da língua portuguesa (Camões, Bocage) além dos poetas que escrevem por ela (Pedro Homem de Mello, David Mourão Ferreira, Ary dos Santos, Manuel Alegre, O’Neill). Conhece também Alain Oulmain que lhe compõe várias canções.O seu Fado de Peniche é proibido por ser considerado um hino aos que se encontram presos em Peniche, Amália escolhe também um poema de Pedro Homem de Mello, “Povo que lavas no rio” que ganha uma dimensão política.Em 1966, volta aos Estados Unidos. Neste mesmo momento seu amigo Alain Oulmain foi preso pela PIDE. Amália dá todo o seu apoio ao amigo e tudo faz para que seja liberto e posto na fronteira.Em 1969, Amália é condecorada pelo novo Presidente do Concelho, Marcelo Caetano, na Exposição Mundial de Bruxelas antes de iniciar de uma grande digressão à antiga União Soviética.Em 1971, encontra finalmente Manuel Alegre, exilado em Paris.Com a chegada da democracia são-lhe prestadas grande homenagens, é condecorada com o grau de oficial da Ordem do Infante D. Henrique pelo então presidente da República Mário Soares. Ao mesmo tempo atravessa dissabores financeiros que a obrigam a desfazer-se de algum do seu património.Em 1990, em França, depois de ter recebido a Ordem das Artes e das Letras, recebe, desta vez das mãos do presidente Mitterrand, a Légion d’Honneur.Ao longo do anos que passam vê desaparecer o seu compositor Alain Oulmain, o seu poeta David Mourão-Ferreira e o seu marido César Seabra com quem era casada havia 36 anos.Em 1997 é editado pela Valentim de Carvalho o seu último álbum com gravações inéditas realizadas entre 1965 e 1975 (Segredo). Amália publica um livro de poemas (Versos). É-lhe feita uma homenagem nacional na Feira Mundial de Lisboa (Expo 98).A 6 de Outubro de 1999, Amália Rodrigues morre com 79 anos, pouco depois de regressar da sua casa de férias no litoral alentejano. No seu funeral centenas de milhares de pessoas descem à rua para lhe prestar uma última homenagem.Sabe-se então que Amália, por muitos apoiada pelo Estado Novo, contribuíra economicamente para o Partido Comunista Português quando este era clandestino. Sepultada no Cemitério dos Prazeres, o seu corpo é posteriormente trasladado para o Panteão Nacional, em Lisboa (após uma pressão dos seus admiradores e uma modificação da lei que exigia um mínimo de 4 anos antes da trasladação), onde repousam as personalidades consideradas expoentes máximos da nacionalidade.Amália Rodrigues representou Portugal em todo o mundo, de Lisboa ao Rio Janeiro, de Nova Iorque a Roma, de Tóquio à União Soviética, do México a Londres, de Madrid a Paris (onde actuou imensas vezes no muito prestigiado Olympia). Divulgou acima de tudo, a cultura portuguesa...

Postado por : Gabriel Luiz Plácido Pocentte

2010-05-01T06:30:00.000-07:00

Nascido no dia 25 de setembro de 1955 na cidade de Reggio Emilia, na Itália, Adelmo Fornaciari recebeu o apelido Zucchero (açúcar) de uma de suas professoras de escola. A carreira musical começou em 1970, quando formou sua primeira banda, Le Nuove Luci. Até 1978, Zucchero ainda fundou o Sugar & Daniel e o Sugar & Candies, já fazendo sua singular mistura de rock, folk, blues, rhythm & blues e música clássica.
Zucchero começou a ganhar popularidade ao participar de festivais musicais na Itália. Em 1983, lançou seu disco de estréia, intitulado Un Po' Di Zucchero. Em seguida, gravou outro trabalho ao lado de Randy Jackson. Mas foi nove anos depois que Zucchero começou a se tornar relativamente famoso na Europa e Estados Unidos. Sua banda era formada por músicos conhecidos: David Sancious (ex-tecladista de Bruce Springsteen), Michael Walden e Brian Auger.
Mas o sucesso mundial chegou mesmo com o segundo disco, lançado em 1992. Blues foi o álbum de música pop italiana mais vendido na história da Itália, batendo perto da marca de um milhão e meio de cópias. O disco ainda contava com as participações de Corrado Rustici, David Sancious, Clarence Clemmons e dos Memphis Horns.
A turnê que seguiu o lançamento de Blues foi um grande sucesso. Pela primeira vez, Zucchero convidou uma vocalista para cantar ao seu lado, a inglesa Lisa Hunt. O cantor Joe Cocker também participou de alguns shows.
O quinto álbum de estúdio de Zucchero, Oro, Incenso & Birra, foi lançado em 1993. O guitarrista Eric Clapton participou na faixa "Wonderful World". "Diamante", um dos maiores sucessos do cantor italiano, apareceu pela primeira vez neste disco. No mesmo ano, Zucchero e Clapton uniram-se em uma curta turnê (apenas 12 dias) européia. Na mesma época, o cantor gravou o single "Senza Una Donna (Without A Woman)" ao lado de Paul Young. A música atingiu o topo das paradas européias, e ficou em quarto lugar nas paradas americanas.
Miserere foi o sexto disco de Zucchero, lançado mundialmente em 1994. A faixa-título é um dueto com Luciano Pavarotti, enquanto a versão em inglês da música conta com a participação de Bono (U2) nos vocais. Logo após o lançamento de Miserere, Zucchero gravou o videoclipe da faixa "L'Urlo". Miserere acabou vendendo um milhão e meio de cópias no mundo todo.

Lukas Urbano Simoes nº15

Driana Varela

2010-04-28T16:11:00.000-07:00

http://soundcloud.com/jkartun/adriana-varela-de-la-canilla

postado por: lucas jorge

2010-04-26T14:52:00.000-07:00

http://soundcloud.com/search?q%5Bfulltext%5D=Jens+Martin+Lekman+

postado por : João victor laja

Jens Martin Lekman

2010-04-26T14:17:00.000-07:00

Jens Martin Lekman nasceu em 06 de fevereiro de 1981 na Suécia.
Sua música é baseada no pop de guitarra com o uso pesado de amostras e seqüências ; as letras são muitas vezes espirituosas, românticas e melancólicas.

De 2000 a 2003, Lekman gravou e lançou grande parte de seu material particular em CD-R .
As canções dele foram fortemente tocadas na rádio nacional sueca. Logo, assinou um contrato com a gravadora americana Secretly Canadian para lançamentos fora da Suécia. turnê Heavy e seu primeiro álbum logo em seguida.

Seu primeiro álbum When I Said I Wanted to Be Your Dog foi lançado em 2004, e constou de gravações feitas entre 2000 e 2004 (algumas faixas haviam sido lançadas anteriormente de forma independente por Lekman).

algumas músicas

1.A Higher Power
2.A Little Lost
3.A Man Walks Into a Bar
4.A Postcard to Nina
5.A Postcard to Nina (tradução)
6.A Sweet Summer's Night On Hammer Hill
7.And I Remember Every Kiss
8.Another Sweet Summers Night On Hammer Hill
9.Are Birthdays Happy?
10.At The Department Of Forgotten Songs

postado por: João Victor Laja
fonte:http://translate.google.com.br/translate?hl=pt-BR&sl=en&u=http://en.wikipedia.org/wiki/Jens_Lekman&ei=4wPWS92yGMSBlAedhaW4CQ&sa=X&oi=translate&ct=result&resnum=2&ved=0CCwQ7gEwAQ&prev=/search%3Fq%3DJens%2BLekman%26hl%3Dpt-BR%26prmd%3Dviln

Gregg Allman

2010-04-26T10:15:00.000-07:00

http://soundcloud.com/tracks/search?q=Gregg%20Allman

Postado por: Larissa Soler

Gregg Allman

2010-04-26T10:06:00.000-07:00

Gregory Lenoir Allman (nascido em 8 de dezembro de 1947 em Nashville, Tennessee), conhecido como Gregg Allman (às vezes soletrado Greg Allman), é um cantor de rock e blues, o tecladista, guitarrista e compositor, mais conhecido como membro fundador da The Allman Brothers Band . Ele foi introduzido com a banda no Rock and Roll Hall of Fame em 1995, e recebeu pessoalmente a Lifetime Achievement Award da Georgia Music Hall of Fame em 2006. Sua voz inconfundível sotaque sul-lo colocado em 70 lugar na lista Revistas Rolling Stone dos 100 maiores cantores de todos os tempos.

http://www.youtube.com/watch?v=BEP_dPN3Haw

Postado por: Larissa Soler

Adriana Varela

2010-04-23T11:40:00.000-07:00

Adriana Varela é uma cantota da argentina, que dedica seus albuns ao tango.Ela é conhecida omo a maior cantora de tango da atualidada.

Carreira

Adriana Varela começou sua carreira no mercado fonográfico em 1991, com o álbum Tangos, agraciado com o prêmio ACE.

Dois anos depois, lançou Maquillaje, no qual incluía canções previamente registradas no álbum de estréia. Por aquele seu segundo álbum, que trazia as participações de artistas renomados como o cantor Roberto Goyeneche e o pianista Virgilio Expósito, recebeu o prêmio ACE pelo segundo ano consecutivo.

Entre os anos de 1991 e 1996, a cantora gravou outros três trabalhos: Corazones Perversos, Tangos de Lengue e Tango en Vivo, gravado ao vivo no Teatro Coliseo de Buenos Aires.

Seu mais conhecido trabalho é o álbum "Cuando el río suena", cuja direção artística foi do renomado produtor Jaime Roos. O álbum reúne canções e ritmos do Uruguai e da Argentina - o tango, o candombe, a murga e a milonga, entre outros - e foi aclamado por seu valor cultural ao resgatar as aproximações entre a música produzida dos dois lados do Rio da Prata.

Seu mais recente trabalho é Encaje (2006), também dedicado ao tango. Com esses dois álbuns, apresentou-se na França, na Itália e nos Estados Unidos da América.

postado por:Lucas jorge
fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Adriana_Varela

Daft Punk

2010-04-22T13:44:00.000-07:00

Informações gerais
Origem Paris
País França
Gêneros House music
Período em atividade 1993–presente
Gravadoras Soma, Virgin Records
Afiliações Darlin'
Stardust
Together
Le Knight Club
Crydajam
Página oficial www.daftpunk.com
www.daftalive.com
Integrantes
Thomas Bangalter
Guy-Manuel de Homem-Christo

Biografia

Daft Punk é uma dupla de música eletrônica constituída pelos músicos franceses
Guy-Manuel de Homem-Christo (nascido em 8 de fevereiro de 1974) e Thomas Bangalter (nascido em 3 de janeiro de 1975).Daft Punk alcançou popularidade significativa no movimento house no final dos anos 90 na França e estava satisfeito com o sucesso contínuo nos anos seguintes.Daft Punk também produziu canções que foram consideradas essenciais no cenário da French house. Eles tiveram como empresário de 1996 a 2008 Pedro Winter (Busy P),
o chefe da Ed Banger Records.

Influências

Bangalter e de Homem-Christo disseram que muitas fontes influenciaram seu estilo musical. Anos antes de produzirem música eletrônica como uma dupla, afirmaram que têm compartilhado gostos de Elton John, MC5, The Rolling Stones, The Beach Boys e The Stooges.A sua admiração em comum por bandas de rock levou à fundação de seu projeto independente próprio, Darlin'. Bangalter afirmou que "Foi talvez mais uma coisa adolescente naquela ocasião. É como, você sabe, todos querem estar em uma banda." Eles extraíram a inspiração do rock e acid house no Reino Unido durante o início da década de 90. De Homem-Christo apontou Screamadelica de Primal Scream como um trabalho influente, como a gravação "colocar tudo em conjunto", em termos do gênero.

As notas do álbum Homework homenageiam um grande número de artistas musicais e contém uma citação de Brian Wilson. Bangalter afirmou que "Na música de Brian Wilson você podia realmente sentir a beleza - era muito espiritual. Tal como Bob Marley, também".Quando questionado sobre o sucesso do álbum de estreia de Daft Punk e a crescente popularidade de seus gêneros musicais relacionados, Bangalter respondeu, "antes de nós, você tinha Frankie Knuckles ou Juan Atkins e assim por diante. O mínimo que você pode fazer é respeitar aqueles que não são conhecidos e que têm influenciado pessoas".A faixa de Daft Punk "Teachers" em Homework refere-se a várias influências incluindo Romanthony e Todd Edwards. De Homem-Christo declarou que "Sua música teve um grande efeito sobre nós. O som de suas produções — a compressão, o som da bateria e a voz de Romanthony, da emoção e da alma — é parte de como tocamos hoje".

Romanthony e Edwards mais tarde colaboraram com Daft Punk em faixas para Discovery. Para o álbum, Daft Punk focalizou em novos estilos de música eletrônica. Uma grande inspiração foi o single "Windowlicker" de Aphex Twin, que foi "nem uma faixa puramente club music, nem uma muito chill-out, faixa de relaxamento down-tempo", segundo Bangalter.A dupla também utilizou equipamento retro para recriar o som de um artista anterior. Como afirmado por de Homem-Christo, em 'Digital Love' você recebe esta vibração de Supertramp", que foi gerada através de um piano Wurlitzer de estúdio.Durante uma entrevista posterior, de Homem-Christo esclareceu que "não fizemos uma lista de artistas que gostamos e copiamos suas músicas".

Em outra entrevista, Bangalter mencionou Andy Warhol como uma das primeiras influências artísticas de Daft Punk.

Discografia

Para informação detalhada, veja Discografia de Daft Punk.
Álbuns de estúdio
Homework - 20 de janeiro de 1997
Discovery - 13 de março de 2001
Human After All - 9 de março de 2005
Outros álbuns
Alive 1997 (álbum ao vivo) - 6 de novembro de 2001
Daft Club (álbum de remix) - 1 de dezembro de 2003
Human After All: Remixes (álbum de remix) - 29 de março de 2006
Musique Vol. 1 1993–2005 (coletânea musical) - 29 de março de 2006
Alive 2007 (álbum ao vivo) - 19 de novembro de 2007
Cinema e vídeo
D.A.F.T.: A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes - 1999
Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem - 2003
Daft Punk's Electroma - 2006
[editar] Grammy Awards
Os Grammy Awards são premiados anualmente pela National Academy of Recording Arts and Sciences dos Estados Unidos. Daft Punk recebeu sete indicações e dois prêmios.

Harder Better Faster Stronger (DJ Alexandre Remix) - Daft Punk by DJAlexandre

Postado por; Alexandre Ribeiro
Fonte de pesquisa; http://en.wikipedia.org/wiki/Daft_Punk

హ్ఘ్ఫ్గి

2010-04-22T11:52:00.001-07:00

2010-04-13T14:03:00.000-07:00

kw6 sunny ade

LadysmthMambazo

2010-04-12T14:15:00.000-07:00

Música da África;

O cenário musical Sul-africano inclui tanto a forma popular (Jive) como a folclórica. Os estilos Pop são baseados em duas fontes importantes, Zulu Isicathamiya cantando e harmônica Mbaqanga. A África do Sul é muito diversificada, com muitos grupos étnicos africanos nativos, bem como os povos europeus e indianos.
Existe uma grande diversidade na música da África do Sul. Muitos músicos negros que cantavam em afrikaans ou inglês durante o apartheid passaram a cantar em línguas africanas tradicionais, e desenvolveram um estilo único chamado gore rock'n roll. Digna de nota é Brenda Fassie, que alcançou fama graças à sua canção "Weekend Special", cantada em inglês. Músicos tradicionais famosos são os Ladysmith Black Mambazo, e o Quarteto de Cordas do Soweto executa música clássica com sabor africano. Os cantores sul-africanos brancos e mestiços tendem a evitar temas musicais tradicionais africanos, preferindo estilos mais europeus. Existe um bom mercado para música afrikaans, que cobre todos os géneros da música ocidental.

Biografia;

No final dos anos 1700, Shaka Zulu, um guerreiro carismático e astuto jovem, uniu os Zulus com várias tribos vizinhas em uma única força poderosa que ajudou a dar à luz a uma nação orgulhosa. Hoje, Shaka Zulu é considerado um dos maiores líderes da história Africana. Sua combinação de disciplina guerreira, liderança visionária, a criatividade inata ia crença inabalável em uma nação unida, continua a repercutir até hoje na África do Sul. Ele é venerado como a única figura que deu à luz o espírito de luta indomável dos Zulus - o mesmo espírito que permitiu que os sul-africanos a perseverar em meio à dominação européia de sua terra natal a quase dois séculos de apartheid.

Origem;

Ladysmith Black Mambazo presta homenagem a este ícone histórico com o lançamento de novos Ilembe: Honrar Shaka Zulu. Ilembe comemora não só Shaka Zulu, mas o sentimento de perseverança, criatividade e orgulho que ele tenha inspirado gerações de descendentes."Ele era um guerreiro, um atleta, um cantor, um dançarino, um visionário, ele foi tantas coisas", diz Joseph Shabalala, vocalista e fundador do Ladysmith Black Mambazo. "Ele era um diplomata também. Ele poderia falar sobre as diferenças de forma civilizada, mas ele era também muito orgulhoso. Se você disse 'Não, eu não vou colaborar ", então ele dizia:' Tudo bem, vamos ver quem é o chefe".
Cada uma das faixas fala de Shaka rara combinação de atributos e como eles ressoam na sociedade contemporânea - não apenas para os sul-africanos, mas para o mundo em geral. A partir da faixa de abertura, "O MMU Beno MMU" (Somebody "e" Somebody), o grupo canta sobre os benefícios inerentes de pessoas que vêm trabalhando juntos e em uníssono para o bem maior. "Kuyafundw 'Osizini" ("Aprendendo com os obstáculos") define a história de Shaka Zulu para a música, e enfatiza a importância de enfrentar obstáculos, superá-los e aprender com a experiência.Quase dois séculos depois de passar Shaka Zulu, as mensagens de paz, unidade, harmonia social e o orgulho nacional transcender seus pontos de origem e ressoam em todo o globo.

Músicas;

"Let's Do It", reconhece o lado sujo do processo político, mas incentiva as pessoas a subir acima de querelas mesquinhas como um meio para realizar grandes coisas. "Umon Esweni EUA / RU" ("Jealous Eyes"), adverte contra os perigos da inveja. "Se você vê algo que você quer", diz Shabalala ", tenha certeza que você quer pelas razões certas. Algo pode ser bonito e sedutor, mas não é bom para você. " Mais no set, "Hlala Nami" ("Stay With Me") salienta a importância de ficar com aquelas pessoas que vão mantê-lo no caminho certo, enquanto o "Príncipe da Paz" pontes elementos aparentemente díspares de Zulu história e tradição cristã . "Essa música é sobre essa jovem chamado Jesus. Trata-se de encorajar as pessoas a amar um ao outro. É similar à história de Shaka Zulu, mas Jesus foi muito mais do que isso. Shaka, às vezes, ter a sua lança e lutar. Mas a lança que Jesus usou foi a verdade. Ele disse às pessoas como viver em paz, mesmo quando algumas pessoas no seu tempo não quero ouvir essa mensagem. "

Fonte de pesquisa: www.mambazo.com/biography.html
Publicado por: Alexandre Ribeiro

Isao Tomita

2010-03-18T13:20:00.000-07:00

Postado por: Amanda Alves

DENGUE FEVER

2010-03-18T13:06:00.000-07:00

POSTADO POR :LUCAS JORGE

dengue fever

2010-03-18T12:52:00.000-07:00

Dengue Fever é uma banda de Los Angeles. Formada por seis integrantes, combina o pop cambojano com o rock psicodélico. Ethan Holtzman e seu irmão, Zac, formaram a banda em 2001, depois de uma viagem do primeiro ao Camboja.

A vocalista Chhom Nimol foi descoberta cantando em um clube noturno em Little Phnom Penh, Long Beach quando os irmãos estavam buscando uma vocalista para a banda Khmer.

Zac canta e toca guitarra enquanto Ethan toca teclado. Os outros integrantes da banda são Senon Williams (que também toca no Radar Bros), Paul Smith, e David Ralicke.

POSTADO POR: LUCAS JORGE

RETIRADO DO SITE: http://www.lastfm.com.br/music/Dengue+Fever

Totó La Momposina y sus Tambores

2010-03-18T07:37:00.001-07:00

Totó La Momposina
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre
Ir para: navegação, pesquisa
Sonia Bazanta Vides, mais conhecido como Totó La Momposina, é uma cantora colombiana de mistura de música tradicional colombiana indígenas e afro-latinos. Ela nasceu na cidade colombiana de Mompox no departamento de Bolívar. Ela lançou seu álbum de 1993 "La Candela Viva" na etiqueta de Peter Gabriel RealWorld.

Índice [esconder]
1 Família
2 Discografia
3 Referências
4 Ver também

[editar] Família
Totó é a partir da quarta geração de sua família a se envolver com a música, e seus filhos estão seguindo a tradição. [Carece de fontes?]

[editar] Discografia
Cantadora (MTM Auvidisc, 1983)
Colômbia - Totó La Momposina y sus Tambores (Auvidis 4513, 1989)
La Candela Viva (Realworld Records 31 1992)
Carmelina (MTM, 1995)
Pacantó (Colômbia: MTM / Europa: Nuevos Medios / E.U.A.: World Village, 2000)
Tambores Gaita y
Total - compilação 2 disco
Michel feat Cleis - Totó La Momposina - La Mezcla - amostras a faixa El Pescador do álbum Viva La Candela

2010-03-18T07:26:00.000-07:00

Papa Wemba is from Congo Dem. Rep.
The trajectory of Papa Wemba's musical career is long, varied and adventurous. Years of youthful apprenticeship during the '60s and '70s in the clubs of Kinshasa, Zaire, led to Wemba pioneering a new, aggressive afro-pop known as 'rhumba-rock'. He has become one of the most enduring artists who have recorded for Real World Records.

Papa Wemba has released 3 albums for the label - 'Le Voyageur' from 1992, 'Emotion' from 1995 and 1998's 'Molokai' a live studio recording of classic hits and new songs. Also he has featured on the compilations 'Voices of the Real World' and 'Spirit of Africa'. More recently he appeared on the 'Big Blue Ball' album project.

dengue fever

2010-03-18T07:24:00.000-07:00

Postado por: lucas jorge e lukas urbano

rftgrgtfgvb

2010-03-18T07:12:00.001-07:00

Jijo Hirota

2010-03-18T07:12:00.000-07:00

Joji Hirota
Percussionista e compositor

Hirota nasceu no Japão do Norte. Na idade de onze anos, ele começou um estudo ao longo de percussão e foi compondo a partir da idade de treze anos. Ele estudou na Universidade de Kyoto City of Arts. Em 1972 ele foi convidado por Stomu YAMASHITA para ser o diretor musical e percussionista do Buda RED TEATRO. Em 1977 ele se tornou o diretor musical e baterista da LINDSAY KEMP Dance Company. Hirota excursionou extensivamente em toda a Europa, México, Canadá e E.U.A., América do Sul e Japão.

Ele lançou quatro discos solo, "SAHASUHARA", "Wheel of Fortune" RAIN FOREST sonho "e" The Gate ".
Em 1991, o LINDSAY DANCE COMPANY TIME OUT ganhou o prêmio de melhor companhia de dança para a sua produção de "onnagata" para que Hirota escreveu e interpretou a música.

© Brian Tarr

Hirota também tem trabalhado para WOMAD desde 1986, como percussionista solo.
Em 1991, um novo grupo, Trisan foi formado com Joji, Yue Guo e Pol Brennan. O grupo excursionou pela Europa, Canadá e Japão. Em Novembro de 1992, Trisan gravou seu primeiro álbum, que obteve a nomeação No.1 pela Tower Records Nova Iorque, em 1993 o melhor da música instrumental contemporânea. Em 1993, o grupo percorreu o E.U.A..

Joji começou a tocar os tambores japoneses em seus 20's adiantados.
Em 1992, Joji foi para Hokkaido, onde ele encontrou o impressionante Hokkai Daiko, ele foi treinado pelo Sr. Itto Ohba - grande mestre japonês de Taiko Drumming que é o fundador do grupo com sede em Noboribetsu Hokkaido - e seu filho Kazuoki, seu estilo é o mais importante influência na música drumming Hirota.

Um álbum chamado RED RIBBON com Guo Yue foi lançado em setembro de 1994.
No mesmo ano, Hirota compostas e executadas para o TEATRO DA EMPRESA TRIÂNGULO para a produção de "Afluentes".
Ele se apresentou com Nô mestre N. Umekawa no local e no Union Chapel.
Ele compôs e executou para a Companhia de Teatro Mulan "no Kyogen moderna" em Londres e Cingapura.
Ele apareceu no festival WOMAD na Estónia, e no Dranorter Folk Festival, na Bélgica, Jazz Cafe Londres.
Ele começou a trabalhar para uma série televisiva Wildlife (Inglaterra) com Anthony Phillips.
Ele apareceu no programa de rádio da BBC "Kaleidoscope"

Em 1995, excursionou intensamente Itália, Bélgica e Espanha e também realizada no Queen Elizabeth Hall, com o Banco do Sul Gamelan Players.
Em julho, Joji excursionou pela Inglaterra com Peter Lockett. Eles jogaram na Purcell Room, como parte do Festival Rhythm Stick, bem como numerosos festivais de verão.
Em agosto de Joji foi à Sardenha para o Festival Ittiritmo e em Setembro jogou no Japão Birmingham Festival.
No Outono desse ano, Joji compôs e gravou novamente para Anglia TV (Survival) com Anthony Phillips.
De outubro a janeiro, ele se apresentou no Young Vic Theatre para "O Livro da Selva"

Em fevereiro de 1996, ele foi para o Festival de Brugge novamente, e em março viajou para Cingapura para trabalhar com o MU-LANG companhia de teatro que realizou "Modern Kyogen".
Ele realizada no Reino Unido, Alemanha, Noruega e Itália, e no Banco do Sul para o Rhythm Sticks Festival.
Ele também trabalhou para Jah Wobble para seu Posto de italiano.
Ele apareceu em vários festivais como o Festival de Música de Rimini, em Itália e no Festival de Leper na Bélgica.

Em outubro, Joji excursionou pela Europa com a banda de Bill Evans.
Em novembro e dezembro, que compôs para Anglia TV e para o canal TV 5.
Ele também jogou em dois festivais WOMAD, um nas Ilhas Canárias e no Barbican.

Em 1998, o álbum "Tabla de Taiko", com Peter Lockett foi lançado em Novembro, para os quais tinham uma viagem de 7 semanas na Bélgica e Holanda.
Como um artista WOMAD tocou na Austrália, Nova Zelândia, Cingapura e África do Sul.

Seu mais recente álbum "The Gate" é um CD solo lançado em julho de 1999.
Após o lançamento de "The Gate", Joji realizado com a BBC Concert Orchestra, no festival WOMAD no Revermead, Leitura e também com a Creative Seattle Orchestra no E.U.A..

Desde o final de 1999 para o ano de 2000, Joji trabalhou com a Royal Shakespeare Company como um percussionista solo e como co-compositor por sua produção de "Macbeth" eventualmente realizar em vários locais no Reino Unido, Japão e E.U.A. bem como a gravação para a versão cinematográfica de difusão no Canal 4.

Em julho de 2000, Joji jogado no Hanover, na Alemanha EXPO 2000.
Em agosto, ele se apresentou no Festival de Edimburgo com o quinteto de cordas e harpa.
Em dezembro, ele compôs e gravou para Anglia TV com Anthony Phillips para "TV's Survival Anglia nova série de documentários".

Em 2001, como parte do Reino Unido Festival do Japão, Joji realizado numerosos concertos em todo o país com um novo grupo "Tozai" (Violino: M. Kino, Piano: R. Fujisawa, Shakuhachi: H. Kato) e também com o seu Grupo de Taiko .
Em julho, ele também tocou no festival WOMAD em Reading Metropolitana de Londres com a Orquestra de Cordas Ensemble.

Em julho de 2002, Joji lançou a versão japonesa do CD "a" porta da EMI no Japão, seguido pela turnê em Sapporo, Esashi e Tóquio, no Japão, com LMO String Ensemble.
Em agosto, Joji iniciou a colaboração com o trabalho "Oreka TX" em Basco, Espanha.

Em 2003, Joji compôs a música "A Cachoeira do Time Suites" para o projeto com o artista Elizabeth Oliveira eo escocês Flute Trio. Em abril e maio, eles se apresentaram na Catedral de St. Mary, Glasgow.

Em fevereiro de 2004, Joji Hirota recebeu uma comenda do embaixador Orita pelo seu contributo para a introdução da cultura japonesa no Reino Unido por meio de tambores Taiko e outras atividades musicais.
Em abril de 2004, o Taiko 2 a Tabla álbum foi lançado pela Record Arc. Joji compôs a música para um filme de animação baseado em uma história 'Crossing the snow' escrito por Kenji Miyazawa para ser apresentado na Cúpula Mundial de televisão para crianças no Rio de Janeiro em abril de 2004.

postado por:Victoria Rusconi Teixeira

comentario:Achei interasante o trabalho dele o nome dele e muito engrasado maise bem legal.

2010-03-18T07:10:00.000-07:00

John Winston Ono Lennon MBE (Liverpool, 9 de outubro de 1940 — Nova Iorque, 8 de dezembro de 1980), foi um músico, compositor, escritor e ativista em favor da paz britânico. É considerado um dos maiores ícones do século XX.
John Lennon ganhou notoriedade mundial como um dos integrantes do grupo de rock britânico The Beatles. Na época da existência dos Beatles, John Lennon formou com Paul McCartney o que seria uma das mais famosas duplas de compositores de todos os tempos, a dupla Lennon/McCartney. Em 1968, John Lennon apaixonou-se pela artista plástica Yoko Ono e depois disto ela se tornou a pessoa mais importante na vida e carreira do músico inglês. Em 1970, os Beatles chegaram ao fim e a partir de então John dedicou-se a carreira solo.
Afastado da música desde 1975, por se dedicar mais a família desde o nascimento de seu filho com Yoko Ono, Sean Lennon, John voltou aos estúdios em 1980 para gravar um novo álbum. Era como um recomeço. Porém em 8 de dezembro do mesmo ano, John foi assassinado em Nova York por Mark David Chapman quando retornava do estúdio de gravação junto com a mulher.
Dentre as composições de destaque de John Lennon estão "Help!", "Strawberry Fields Forever" e "All You Need Is Love" enquanto fazia parte dos Beatles e "Imagine", "instant Karma!", "Happy Xmas (War Is Over)", "Woman", "(Just Like) Starting Over" e "Watching the Wheels" em carreira solo.
Em 2002, John Lennon entrou em oitavo lugar em uma pesquisa feita pela BBC como os 100 mais importantes britânicos de todos os tempos.

Lukas Urbano Simões n°15

Novos Baianos

2010-03-18T07:07:00.000-07:00

Os Novos Baianos foram um conjunto musical brasileiro, nascido na Bahia, ativo entre os anos de 1969 e 1979. Eles marcaram a música popular brasileira e até o rock brasileiro dos anos 70, utilizando-se de vários ritmos musicais brasileiros que vão de bossa nova, frevo, baião, choro, afoxé ao rock n' roll.[1]. O grupo lançou oito trabalhos antológicos para MPB. Influenciados pela contracultura e pela emergente Tropicália. Contava com Moraes Moreira (compositor, vocal e violão), Baby Consuelo (vocal), Pepeu Gomes (Guitarra), Paulinho Boca de Cantor (vocal), Dadi (baixo) e Luiz Galvão (letras) entre outros.

O segundo disco da banda baiana, Acabou Chorare, que mescla guitarra elétrica, baixo e bateria com cavaquinho, chocalho, pandeiro e agogô, em outubro de 2009 foi eleito pela revista Rolling Stone como o maior disco da história da música brasileira. Carreira

A história do grupo começou em 1969. com o espetáculo "O Desembarque dos Bichos Depois do Dilúvio Universal", no Teatro Vila Velha, em Salvador, Bahia, onde pela primeira vez juntos, se apresentaram Luiz Galvão, agronomo formado, Paulinho Boca de Cantor, ex-crooner da "Orquesta Avanço", popular nas noites de Salvador, Moraes Moreira, a única não-baiana do grupo, a niteróiense Baby Consuelo, e Pepeu Gomes.

Moraes Moreira foi apresentado à Tom Zé, que era amigo de Galvão [3]. Baby Consuelo conheceu os dois (Moraes e Galvão) em um bar, enquanto passava as férias em Salvador. Mais tarde, Paulinho Boca de Cantor conheceu os três, e se uniu a eles. Dos membros que formariam o grupo mais tarde, apenas Pepeu Gomes era músico, e havia passado por diversas bandas. Nas apresentações em palco e gravações, o grupo era inicialmente pelo um quarteto, acompanhado pelo grupo 'Os Leifs'[3], que depois teve seu nome mudado para A Cor do Som, do qual faziam parte o baixista Dadi, o baterista/percussionista Baxinho José Roberto Martins Macedo, o guitarrista Pepeu Gomes e seu irmão baterista, Jorginho Gomes. Pepeu Gomes se casou com a vocalista da banda, Baby Consuelo, e é incorporado definitivamente ao grupo e, ao lado de Moraes Moreira, colabora de maneira como arranjador musical do grupo.

Em 1969 se inscreveram para o V Festival de Música Popular Brasileira com a canção "De Vera". A origem do nome surgiu em decorrência a uma apresentação na Rede Record, quando ainda sem nome definido para o grupo, o coordenador do festival, Marcos Antonio Riso gritou "Chama aí esses novos baianos!"[3]. Os Novos Baianos nunca foram controlados por gravadoras e empresários, tanto que, quando foram para São Paulo, se apresentaram em diversos programas de televisão, extrapolando o tempo previsto.

O Auge

O primeiro empresário do grupo foi Marcos Lázaro, e a primeira gravadora foi a RGE, onde lançaram um compacto simples, "De Vera"/"Colégio de Aplicação", e no ano de 1970 o primeiro long play, titulado de É Ferro na Boneca, que além de trazer as canções do compacto, e uma grande mistura de gêneros, foi tema dos filmes "Caveira My Friend" e "Meteorango Kid". Apesar de tudo, o número de cópias vendidas do disco não foi tão extensa.

Com a desclassificação de "Vera" do Festival da Record, Os Novos Baianos resolveram seguir para o Rio de Janeiro. Lá, moravam todos juntos em quatro cômodos, o que fazia com que o entrosamento entre os músicos fosse muito grande. Em 1971, gravaram o segundo compacto simples, "Volta que o Mundo dá", e receberam a visita de João Gilberto, que viria a influenciá-los com o samba[1]. Após a grande fusão de gêneros brasileiros, sugerida por João Gilberto, e a guitarra de Pepeu Gomes, surgiu o mais consistente e lembrado disco do grupo, Acabou Chorare, pela Som Livre; considerado o melhor álbum brasileiro da história segundo a revista Rolling Stone[4].

Em Jacarepaguá, alugaram um sítio apelidado de "Sitio do vovô". Viviam de forma quase anárquica em pleno regime militar. Em uma nova gravadora, a Continental, lançam seu terceiro álbum de estúdio, Novos Baianos F.C., com inovações rítmicas e líricas. O disco ganhou um filme homônimo de Solano Ribeiro[5].

Os Novos Baianos se mudam novamente, desta vez para uma fazenda em São Paulo, a convite de um executivo da Continental. Lá gravaram o quarto disco, Novos Baianos, mais conhecido por Alunte. O disco não vendeu tanto quanto os anteriores, o que levou ao desentendimento com a gravadora. A crise começou, Moraes Moreira, principal letrista da banda resolveu partir para a carreira solo. O Declínio e o fim

Desfalcados de Moraes Moreira, letrista principal ao lado de Galvão, o grupo faz de Pepeu Gomes o exemplo instrumental. O disco seguinte, Vamos pro Mundo, foi lançado ainda em 1974 pela Som Livre e tinha como foco as faixas instrumentais em choro, baião e samba.

Em 1976, o grupo assina seu contrato mais longo, de dois anos com a gravadora Tapecar. O primeiro álbum na gravadora, Caia na Estrada e Perigas Ver, investiu no samba, rock e Pandeiro e "Brasileirinho" de Waldir Azevedo. Em 1977 lançara Praga de Baiano, já enfraquecidos pelo processo inicial das carreiras solo de Paulinho, Pepeu e Baby. O disco trazia o trio elétrico, frevo, e bastante música instrumental. Tornaram-se atração dos trios-elétricos, e Baby Consuelo foi a primeira cantora desse tipo de evento.

O último trabalho, Farol da Barra (álbum) Farol da Barra, pela CBS, homenageia os compositores Ary Barroso e Dorival Caymmi, regravando "Isto Aqui O Que É?", e "Lá Vem a Baiana". O principal destaque do disco era a faixa-título, uma parceria entre Galvão e Caetano Veloso. No ano seguinte o grupo encerra suas atividades.

Postado por Nathan (Chedar)

Blak IN blank

2010-03-17T10:10:00.000-07:00

Back in Black

2010-03-13T06:42:00.000-08:00

Back in Black é o sétimo álbum de estúdio da banda australiana AC/DC.

Foi lançado em 1980 e, até hoje, já vendeu 49 milhões de cópias[2], sendo o álbum de rock mais vendido de todos os tempos e o segundo mais vendido da história atrás apenas de Thriller de Michael Jackson.[3] O álbum até hoje já vendeu mais de 22 milhões de cópias nos Estados Unidos.[4]

Depois do sucesso de Highway to Hell, a banda começou a desenvolver o álbum, após a morte de seu vocalista, Bon Scott. A causa oficial da morte foi divulgada como sendo de "Intoxicação alcoolica aguda". Quando Scott foi substituído por Brian Johnson, o álbum foi totalmente refeito, com hits como "Hells Bells", "You shook me All Night Long" e a faixa que dá título ao álbum, "Back in Black". O álbum se tornou um enorme sucesso nos Estados Unidos e em outras partes do mundo. O álbum foi remasterizado, e relançado duas vezes no box bonfire de (1997), e em 2003, como parte da série de remasterizados da banda.
Postado por: Italo Stade

Nusrat Fateh Ali Khan

2010-03-12T11:41:00.000-08:00

Postado por: Larissa Soler

Nusrat Fateh Ali Khan

2010-03-12T11:35:00.000-08:00

Nusrat Fateh Ali Khan nasceu em 13 de outubro de 1948 na cidade de Faisalabad, Paquistão. Ele era o quinto filho e primeiro filho de Ustad Fateh Ali Khan, um musicólogo, vocalista, instrumentista, e Qawwal. Família de Khan, que incluía suas quatro irmãs mais velhas e seu irmão mais novo, Farrukh Fateh Ali Khan cresceu em Lyallpur central. Em 1979, Khan se casou com sua prima em primeiro grau, Naheed (filha do irmão de Fateh Ali Khan, Salamat Ali Khan), tiveram uma filha, Nida [2].
Khan começou por aprender a tocar tabla ao lado de seu pai antes de avançar para aprender Raag Vidya e Bolbandish. Ele então passou a aprender a cantar no quadro clássico de khayal. Formação de Khan com seu pai foi cortada quando seu pai morreu em 1964, deixando tios paternos Khan, Ustad Mubarak Ali Khan e Ustad Salamat Ali Khan, para completar sua formação.
Sua primeira performance foi em uma cerimônia tradicional para o túmulo de seu pai, conhecido como chehlum, que teve lugar quarenta dias depois da morte de seu pai.
Em 1971, após a morte de Mubarak Ustad Ali Khan, Nusrat se tornou o líder oficial da festa de família Qawwali eo partido tornou-se conhecido como Nusrat Fateh Ali Khan, Mujahid Mubarak Ali Khan & Party.
Primeira performance pública de Khan como líder do partido Qawwali estava em uma transmissão de um estúdio de gravação, como parte de um festival de música organizado anualmente pela Rádio Brasil, conhecida como Jashn-e-Baharan. Khan cantavam principalmente em urdu e punjabi e, ocasionalmente, em persa, Brajbhasha e hindi. Seu primeiro grande sucesso no Paquistão foi a canção Haq Ali Ali, que foi realizado em um estilo tradicional e com instrumentos tradicionais. A canção faz uso contido de improvisações Nusrat's Sargam.
No início de sua carreira, Khan foi assinado pelo Oriental Star Agencies [OSA] de Birmingham, Reino Unido a sua estrela cassete de etiquetas. OSA patrocinado turnês regulares por Nusrat para o Reino Unido desde o início dos anos 80 em diante, e liberou muito desse material ao vivo em cassete, CD, fita de vídeo e DVD.

Postado por: Larissa Soler
Gostei do nome dele, a música é engraçada.
A história dele é bem interesante e longa.

U2 - Zooropa

2010-03-11T12:01:00.000-08:00

A banda começou a Zoo TV Tour em fevereiro de 1992 em apoio do seu anterior álbum Achtung Baby. A turnê foi um elaboradamente encenada evento multimídia, projetado para incutir um sentimento de "sobrecarga sensorial", em sua audiência. [21] O projeto de estágio caracterizado paredes vidi, 36 monitores de vídeo, câmeras de televisão numerosos, 176 palestrantes, e 11 pinturas elaboradas Trabant carros. Canções foram complementadas por uma infinidade de efeitos visuais e desconcertante intencionalmente irônica, auto-irônico performances da banda.

Durante uma parada de seis meses entre as pernas terceiro e quarto da turnê, a banda gravou Zooropa. O álbum foi lançado em julho de 1993, a meio da quarta perna da turnê na Europa. Dos 157 shows, a banda tocou durante a Zoo TV Tour, cerca de 30 deles foram depois do lançamento do Zooropa. Muitas das canções do álbum encontrado lugares permanentes em setlists de shows ". "Lemon" e "Daddy's Gonna Pay for Your Crashed Car" foram realizados com Bono em sua persona MacPhisto, durante encores do Leg Zoomerang da turnê. "Dirty Day" foi também jogou nesta perna após o set acústico. "Numb" foi realizado com The Edge tocando guitarra e nos vocais, com Larry Mullen Jr. desempenho vocal de apoio ao rufar. "Zooropa" foi jogado apenas três vezes e "Babyface" mais duas vezes [22] na mesma mostra na perna Zooropa, mas foram cortados para fora do setlist depois de a banda não sentem que soava bem ao vivo. "Stay (Faraway, So Close!)" Foi realizado acusticamente para o Zooropa e Zoomerang pernas
Postado por: Italo Stade

MILLENNIUM

2010-03-11T11:34:00.000-08:00

1999: Millennium

Em Fevereiro de 1999, os Boys receberam o primeiro prémio de Diamante do RIAA pela venda de 10 milhões de álbuns do seu CD de estreia.[14] Nesse tempo, eles eram assessorados por uma equipa de empresários chamada "The Firm".

Em Maio de 1999, o CD "Millennium" foi lançado, vendendo mais de 1,13 milhões de unidades na primeira semana. O CD esteve em todos os rankings mundiais, ficando em 1° em 25 países. O álbum ganhou a platina 11 vezes em Dezembro de 1999, tornando-se o álbum vendido mais rapidamente no mundo, com mais de 34 milhões de cópias em todo o mundo.[15]

O primeiro single desse álbum, "I Want It That Way", quebrou o recorde de solicitações em estações de rádio na primeira semana, com 165 pedidos e ficou no topo do ranking dos singles do Reino Unido por 2 semanas. A canção foi a nº 1 em 18 países e recebeu disco de ouro em 45 países. A banda foi nomeada 5 vezes para os Grammy's, sendo uma das indicações para "Álbum do Ano".

Em Agosto eles esgotaram os bilhetes em 39 cidades, vendendo 765,000 bilhetes em algumas horas. Ao todo, eles esgotaram os concertos em 53 cidades com a "Into the Millennium Tour". A tour foi vista por mais de 2 milhões de fãs, quebrando o recorde de maior audiência em local coberto. No fim de 1999, os Backstreet Boys tiveram novos problemas judiciais, desta vez com a Jive, mas fizeram um acordo de 60 milhões de dólares.[16]
Postado por: Italo Stade

Towa tei

2010-03-11T11:33:00.000-08:00

TOWA TEI tem vindo a produzir músicas, lançar álbuns e faixas, e DJing internacional non-stop. Em 2009, o seu 5. BIG FUN álbum original foi lançado no Japão e no iTunes internacionalmente. Sua carreira como produtor musical envolve a produção de músicas para outros artistas, tornando-som para comerciais de TV e trilhas sonoras de filmes também. O ano de 2010 será o 20 º aniversário de sua carreira musical.
TOWA TEI estreou-se como um membro do Deee-Lite da etiqueta E.U. Elektra Records em 1990, e estreou solo com o álbum "Future Listening! em 1994. Ele se mudou para Nova York no final de 1980 para prosseguir os seus estudos na escola de arte, mas logo envolveu-se na cena do clube de Nova York. Ele primeiro foi elogiado por seu trabalho em pistas remix da Jungle Brothers "1989 LP feito pelas forças da Natureza. Em 1990, ele (conhecido como Jungle DJ Towa Towa-) ganhou fama como um membro do centro de Nova York clube trio Deee-Lite, que marcou um sucesso internacional com "Groove Is In the Heart".
Em 1991, Towa Tei e Super DJ Dmitri colaborou com o músico japonês Ryuichi Sakamoto na música "Rap do Mundo". Depois de dois álbuns do Mundo de 1990 e 1992 Clique na Infinity Within, Towa Tei deixou Deee-Lite para começar a trabalhar em projetos solo, o seu álbum de estréia, Future Listening! uma montagem de bossa nova, jazz, dança e música eletrônica, surgiu em 1995. Seu segundo álbum de 1998 do Som Museu. Nela, ele colaborou com Kylie Minogue na faixa "GBI: alemão Bold", que alcançou o número 20 no Japão e número 63 no Reino Unido. Bebel Gilberto também fez os vocais para o álbum. Este foi seguido pelo álbum Last Century Modern em 1999. Em 2005, Towa Tei lançou um novo álbum intitulado Flash e Sometime um novo single com Minogue, "Samurai", que alcançou o número seis no Japão. Em 2009, o seu muito aguardado álbum solo de 5 BIG FUN foi lançado no Japão e no iTunes internacionalmente.
Como DJ, ele tem sido activamente discotecar em clubes, festivais e festas corporação. Ao mesmo tempo, ele viaja em torno do Japão e outros países para DJ, seu partido regular "motivação" realizada em grandes cidades no Japão, Tóquio e Quioto, foi sucesso atraindo uma multidão de frequentadores de clubes e fãs de música. Seu partido novo conceito "HOTEL H" começou em 2009 já está se tornando um novo lugar social para a indústria de pessoas na cidade de Tóquio, bem como [1].

Laura Montanaro 7ano

Cesária Évora

2010-03-11T10:34:00.000-08:00

História

Cesária Évora nasceu no ano de 1941 na cidade de Mindelo, em Cabo Verde. Tinha mais quatro irmãos. Seu pai Justino da Cruz tocava cavaquinho, violão e violino e sua mãe, Dona Joana, trabalhava em cozinhas de brancos ricos que adoravam particularmente sua comida. Sua mãe, de personalidade pensativa, foi sua confidente por toda a vida.
Quando criança Évora sempre estava fazendo amigos mais velhos do que ela, os quais sempre a mantiveram "direita". Quando jovem foi viver com sua avó que havia sido educada por freiras, e assim acabou passando por uma experiência que a ensinou a desprezar todas as mais severas morais.
Cesária (Cise para os amigos) sempre cantava uma infinidade de canções e fazia apresentações aos domingos na praça principal da sua cidade acompanhada por seu irmão Lela no saxofone. Mas sua vida estava intrinsecamente ligada ao bairro Lombo, nas imediações de aquartelamentos do exército português. Lá ela aprendeu sobre a vida e cantou com compositores como Gregório Gonçalves (um homem carismático e que adorava teatro de rua).
Aos 16 anos conheceu um marinheiro chamado Eduardo que a ensinou os tradicionais estilos de música cabo-verdiana como a morna e a coladera. As mornas (que possivelmente provém de mourn e que significa lamento) são canções ligadas à tristeza, mágoa e desejos impossíveis de serem realizados. Évora começa a cantar em bares e hotéis, e com a ajuda de alguns músicos locais, ganha estímulo a desenvolver suas habilidades e logo já é proclamada a "Rainha da Morna" por seus fãs. Ela se torna bastante famosa em Cabo Verde, mas internacionalmente seu reconhecimento ainda era pequeno.
Aos vinte anos foi convidada a trabalhar como cantora para o Congelo - companhia de pesca criada por capital local e português - e ficou emocionada ao poder fazer parte, do que ela considerava, uma notável empresa. Seu salário vinha de suas apresentações que eram basicamente em jantares. Fora esse tempo Cesária era de volta uma mulher comum.
Entre os amigos de Évora estava o compositor favorito dos cabo-verdianos: B.Léza, o qual faleceu quando ela tinha apenas sete anos de idade. Ela ainda tem poucas lembranças de sua infância e sempre está falando de Eulinda, seu antigo vizinho e amigo que vivia perto de Lombo (o "red-light district" de Mindelo), porto que era vangloriado por bordéis que competiam com os de Amesterdão.
Em 1975, Cabo Verde adquiriu sua independência, mas seu líder histórico, Amílcar Cabral, não pôde testemunhar esse momento, porque foi assassinado dois anos antes. Évora ainda era popular na época, mas sua fama não estava a levando em direção ao sucesso financeiro. Frustrada por questões pessoais e financeiras, aliados à dificuldade econômica e política de Cabo Verde, ela desistiu de cantar para sustentar sua família. Évora ficou sem cantar por dez anos, os quais ela descreve como seus "dark years". Durante esse tempo ela lutou contra o alcoolismo.
Cesária Évora retomou suas apresentações após ter sido encorajada por Bana (líder de banda e empresário cabo-verdiano exilado em Portugal). Ele fez-lhe convites para realizar shows em Portugal, os quais ela aceitou e o fez com patrocínio de uma organização local de mulheres.
Em Cabo Verde um francês chamado José da Silva persuadiu-a para ir a Paris e lá Évora acabou gravando um novo álbum em 1988 "La diva aux pied nus" (a diva dos pés descalços) - que é como se apresenta nos palcos. Ao contrário do que é divulgado, ela canta descalça simplesmente por gostar, por se sentir segura descalça, e não em solidariedade aos «sem-tecto» e às mulheres e crianças pobres de seu país. Esse álbum foi aclamado pela crítica e Évora se encontrou numa dramática volta à música e que teve como ápice a gravação do álbum "Miss Perfumado" em 1992. Ela se tornou uma estrela internacional aos 47 anos de idade.
Em 2004 conquistou um prêmio Grammy de melhor álbum de world music contemporânea. Em 2009, o presidente francês Jacques Chirac distinguiu-a com a medalha da Legião de Honra de França.

Discografia

1. 1965 - Mornas de Cabo-Verde & Oriondino (vinil simple, 45 RPM, C. Évora & Conjunto)
2. 1987 - Cesária
3. 1988 - Cesária Évora, La Diva aux pieds nus
4. 1990 - Distino di Belita
5. 1991 - Mar Azul
6. 1992 - Miss Perfumado
7. 1994 - Sodade - Les plus belles mornas de Cesaria (Best of)
8. 1995 - Cesária
9. 1995 - Cesária Évora à L'Olympia
10. 1997 - Cabo Verde
11. 1998 - Best of Cesária Évora
12. 1998 - Nova Sintra
13. 1999 - Le monde de Cesária Évora
14. 1999 - Café Atlântico
15. 2001 - Cesária Évora : L'essentiel
16. 2001 - São Vicente de Longe
17. 2002 - Anthology
18. 2002 - Anthologie: Mornas & Coladeras (LP duplo)
19. 2002 - The Very Best of Cesária Évora
20. 2003 - Voz d'Amor
21. 2004 - Les essentiels
22. 2006 - Rogamar
23. 2008 - Rádio Mindelo
24. 2009 - Nha sentimento

Postado por: Alexandre Ribeiro

Isao Tomita

2010-03-11T10:10:00.000-08:00

Tomita nasceu em Tóquio e passou sua infância com o pai na China. Após retornar ao Japão, ele teve aulas particulares de orquestração e composição, enquanto um estudante de história da arte na Universidade de Keio, em Tóquio. Graduou-se em 1955 e tornou-se um compositor em tempo integral para a televisão, cinema e teatro. Ele compôs a música tema para a equipe de ginástica olímpica para japonês Jogos Olímpicos de Verão de 1956 em Melbourne, na Austrália.
Em 1965, ele compôs a música-tema e música incidental para animação de Osamu Tezuka série de TV Jangaru Taitei (Jungle Emperor), lançado no E.U.A. como Kimba o Leão Branco. Em 1966, ele escreveu um poema sinfônico baseado nesta música com um vídeo de animação original sincronizados com o poema sinfónico lançado em 1991. Isao Tomita e Kunio Miyauchi também criou a música para o tokusatsu SF / espionagem / ação da série de televisão Mighty Jack, que foi ao ar em 1968.
No final dos anos 1960, ele voltou sua atenção para a música eletrônica depois de álbuns audição por Wendy Carlos no qual Wendy realizada música clássica com o sintetizador Moog. Isao adquiriu um sintetizador Moog III e começou a construir seu estúdio caseiro. Ele começou a arranjar peças de Claude Debussy para sintetizador e, em 1974, o álbum Snowflakes Are Dancing foi lançado, ele se tornou um sucesso mundial. Sua versão de Arabesque No. 1 depois foi usado como tema a astronomia série de TV Jack Horkheimer: Star Gazer (originalmente intitulado Star Hustler) visto na maioria das estações de PBS.
Ele continuou a lançar álbuns, dos quais os mais conhecidos são seus arranjos de clássicos, como O Igor Stravinsky's Firebird, de Modest Mussorgsky Pictures at an Exhibition, e Gustav Holst, The Planets.
Enquanto trabalhava em seus álbuns de sintetizador clássico, Tomita continuou compondo trilhas para inúmeros filmes e televisão japonesa, incluindo a série de televisão Zatoichi, dois longas-metragens Zatoichi, o samurai Oshi (Mute Samurai) séries de televisão e da ciência Toho filme catástrofe de ficção, Catastrophe 1999, The Profecias de Nostradamus (título E.U.: Last Days of Planet Earth), em 1974. Este último combina desempenhos sintetizador com pop-rock e instrumentos de orquestra. Ele e alguns outros escores parciais e total do período foram lançados em LP e CD mais tarde ao longo dos anos no Japão. Embora não bootlegs, pelo menos alguns desses lançamentos foram emitidos por empresas de produção de filmes e TV sem aprovação artística Tomita.
Tomita e sua música é fortemente presente no filme de Chris Marker 1983-ensaio Sans Soleil.
Em 1984, Tomita lançou Canon das Três Estrelas, que apresentou peças clássicas renomeado para objetos astronômicos. Por exemplo, a faixa-título é a sua versão de Pachelbel's Canon in D Major. Ele credita-se com "O Plasma Symphony Orchestra", que foi um processo de sintetizador computador utilizando as formas de onda de emanações eletromagnéticas de várias estrelas e constelações de texturas sonoras deste álbum.
Tomita executou um número de outdoor "Sound Cloud" concertos, com alto-falantes em torno da audiência em uma "nuvem de som". Ele deu um grande concerto em 1984 no anual de música contemporânea Ars Electronica em Linz, Áustria chamado "Mind of the Universe", mistura de faixas ao vivo em uma pirâmide de vidro suspensa sobre uma audiência de 80.000 pessoas. Ele realizou um concerto em Nova York, dois anos depois, para comemorar o centenário da Estátua da Liberdade ( "Back to the Earth"), assim como uma em Sydney, em 1988, para bicentenário da Austrália. O desempenho brasileiro foi parte de uma doação de US $ A7 milhões do Japão para o Novo Gales do Sul, que incluía a maior já fogo de artifício na época, seis de som fixa e sistemas de iluminação - um daqueles em uma barca atracada no centro de uma baía, o outro voou de helicóptero Chinook - para as partes do show. Uma frota de barcaças japonês com espectáculos culturais, nomeadamente incêndio kabuki drumming, passou por diversos momentos. Sua mais recente Sound Cloud evento foi em Nagoya, Japão, em 1997, com as participações de Ray Charles, Dionne Warwick, e Rick Wakeman.
No final dos anos 1990, ele compôs uma orquestra híbrido mais sintetizador fantasia sinfônica intitulada The Tale of Genji inspirado na velha história de mesmo nome em japonês. Foi realizado em conjunto por orquestras sinfônicas de Tóquio, Los Angeles e Londres. Uma versão live CD concerto foi lançado em 1999, seguido de uma versão de estúdio em 2000.
Em 2001, Tomita colaborou com a Walt Disney Company para compor a música ambiente de fundo para a entrada AquaSphere no parque temático Tokyo DisneySea fora de Tóquio.
Sua pontuação sintetizador com solistas acústica para o filme de 2002 The Twilight Samurai (たそがれ清兵衛 Tasogare Seibei?) 2003 japonês ganhou o Oscar de Outstanding Achievement in Music.
O advento do formato DVD-Audio tem permitido Tomita a prosseguir os seus interesses em áudio multicanal com versões retrabalhadas de The Tale of Genji Symphonic Fantasy e os planetas Tomita 2003.

Amanda Alves 7 ano

2010-03-04T11:22:00.000-08:00

Sir James Paul McCartney MBE (Liverpool, 18 de junho de 1942) é um cantor, compositor, baixista, guitarrista, multi-instrumentista, empresário, produtor musical ecinematográfico e ativista dos direitos dos animais britânico. McCartney alcançou fama mundial como membro da banda de rock britânica The Beatles, com John Lennon, Ringo Starr e George Harrison. Lennon e McCartney foram uma das mais influentes e bem sucedidas parcerias musicais de todos os tempos, "escrevendo alguma das canções mais populares da história do rock".^[1] Após a dissolução dos Beatles em 1970, McCartney lançou-se em uma carreira solo de sucessos, formou uma banda com sua primeira mulher Linda McCartney, os Wings. Ele também trabalhou com música clássica, eletrônica e trilhas sonoras.

Em 1979, o Livro Guinness dos Recordes declarou-o como o compositor musical de maior sucesso da história da música pop mundial de todos os tempos.^[2]McCartney teve 29 composições de sua autoria no primeiro lugar das paradas de sucesso norte-americana. Vinte das quais junto com os Beatles (que compôs junto com John Lennon) e o restante em sua carreira solo ou com seu grupo Wings.

Paul McCartney é o canhoto e baixista mais famoso da história do rock, embora também toque outros instrumentos, como bateria, piano, guitarra, teclado, etc. É considerado como um dos mais ricos músicos de todos os tempos. Foi eleito, em 2008, o 11º melhor cantor de todos os tempos pela revista Rolling Stone. Fora seu trabalho musical, McCartney advoga em favor dos direitos dos animais, contra o uso de minas terrestres, a favor da comida vegetariana e a favor da educação musical. Em 1997 foi publicada a biografia intitulada Many Years From Now, autorizada pelo músico e escrita pelo britânico Barry Miles. Sua empresa MPL Communications detém os direitos autorais de mais de três mil canções,^[3] incluindo todas as canções escritas por Buddy Holly.

Paul McCartney é vegetariano e já declarou à imprensa como tomou essa decisão: "Há muitos anos, estava pescando e, enquanto puxava um pobre peixe, entendi: eu o estou matando, pelo simples prazer que isso me dá. Alguma coisa fez um clique dentro de mim. Entendi, enquanto olhava o peixe se debater para respirar, que a vida dele era tão importante para ele quanto a minha é para mim". É membro honorário e participante ativo das campanhas do PETA (People for the Ethical Treatment of Animals, ou Pessoas pelo tratamento ético dos animais, em português).^[4]

postado por Lukas Urbano Simões

2010-03-04T09:54:00.000-08:00

Pizzicato Five (muitas vezes conhecida simplesmente pela sigla P5) [1] é um grupo pop japonês mais conhecido do público no Ocidente em sua encarnação mais tarde como um duo de Maki Nomiya e Konishi Yasuharu.O grupo, amplamente creditado (junto com o Flipper's Guitar), com a liderar a shibuya-kei circulação de Tóquio, em 1990, é conhecida pelas composições ecléticas e energéticos que muitas vezes soam como "novos" lançamentos a partir do final dos anos 1960 cena hipster.O slogan "Um novo som estereofonico Spectacular" capturado postura irônica do grupo e atitude ansiosa. O grupo se separou em março de 2001. O grupo se separou em março de 2001.

Laura Montanaro 7°ano

2010-03-04T08:48:00.000-08:00

Postado por:Lucas Jorge

Bert Jansch

2010-03-04T08:25:00.000-08:00

BERT JANSCH

Herbert Jansch (nascido em 3 de novembro de 1943), conhecido como Bert Jansch, é um músico escocês e membro fundador da banda Pentagono.

Ele nasceu em Glasgow e, em 1960, ele foi fortemente influenciado pelo guitarrista Davey Graham e cantores populares, como Anne Briggs.

Ele é conhecido como um guitarrista inovador e realizado acústico, mas também é um cantor e compositor.

Ele gravou pelo menos 25 álbuns e tem viajado extensivamente com início em 1960 e continua até o século 21.

Seu trabalho influenciou artistas como Johnny Marr, Bernard Butler, Jimmy Page, Nick Drake, Donovan e Neil Young.

Ele recebeu dois Lifetime Achievement Awards na Folk BBC Awards: uma, em 2001, para seu solo e os outros, em 2007, como membro do Pentagono.

fonte:http://en.wikipedia.org/wiki/Bert_Jansch

Postado por Lucas Jorge

Ratos do porao

2010-03-04T06:32:00.002-08:00

catequese de ódio dentro de mim
inquisição de merda vem vindo ai
habemus papam senil macacada
pedofilia santa dogmas da utopia
sagrada hipocrisia não tem mais fim
geriatria é fogo no estopim
bomba moral na igreja desgraçada
o bento te convida pra orgia na sacristia

desacreditei
nunca concordei
não me emocionei
desconectei
Postado por Italo Stade

2010-03-04T06:32:00.001-08:00

Ultraje a Rigor

2010-03-04T06:27:00.002-08:00

Ultraje a Rigor é uma banda brasileira de rock'n'roll, criada no início dos anos 80 em São Paulo. Idealizada por Roger Rocha Moreira (voz e guitarra base), explodiu em 1983 no Brasil devido aos hits "Inútil" e "Mim Quer Tocar". Em 1985 a banda ficou nacionalmente conhecida pelo álbum Nós Vamos Invadir Sua Praia que trouxe o primeiro disco de ouro e platina para o rock nacional, além de receber recentemente o título de melhor álbum brasileiro pela Revista MTV.[carece de fontes?]

A banda é um grande marco no cenário do rock nacional. Sua formação inicial era Roger, Leonardo Galasso (bateria, mais conhecido como Leôspa), Sílvio (baixo) e Edgard Scandurra (guitarra solo). Mal o nome foi adotado, Sílvio saiu para dar lugar a Maurício Defendi. Hoje, apenas Roger, idealizador da banda, continua desde a formação original.

Postado por: Olmir

Sidesteppers

2010-03-04T06:26:00.000-08:00

SideSteppers
Sidestepper é uma banda colombiana centrado em torno de Inglês DJ / produtor Richard Blair e produtor colombiano e compositor Ivan Benavides. Seu som é influenciado tanto pelos afro-colombianos estilos musicais populares, como salsa e cumbia bem como músicas de dança electrónica, tais como dub e drum and bass. Sidestepper tem apresentado um número de vocalistas e músicos ao longo dos anos, com o seu atual line-up, incluindo vocalistas Jânio Coronado, Gloria Martinez, Erika Muñoz, Kike Egurrola baterista e guitarrista Teto Ocampo.

Em 2004 eles tocaram no Coachella Music Festival.

Discografia
Álbuns
La Buena Vibra Sound System (2008)
Continental (2006)
3: In Beats We Trust (2003)
Mais Grip (2000)
Southern Star
[Editar] EPs e singles
La Paloma (2006)
Mas Papaya (2003)
Logozo (1999)

Jânio Coronado: Vocais

Erika Muñoz: Vocais

Edgardo Garcés: Vocais

Teto Ocampo: Guitarra

Pedro Ojeda: Bateria

Juan Carlos Cuello: Percussão

Richard Blair: Bass e bytes

Pitty

2010-03-04T06:22:00.001-08:00

Pitty no Rockstória:

Quer ouvir todas as histórias a Pitty? E, além disso, os sucessos mais marcantes dela? Então acesse o site da Cidade Web Rock (uma Web Rádio totalmente virada para o cenário do rock). Na programação da Cidade tem um programa chamado Cidade do Rock. Neste programa há várias colunas, uma delas, o Rockstória. No Rockstória é escolhida uma banda (ou artista), onde a sua história é contada ao som de seus maiores sucessos. A escolhida desta quarta-feira, 14 de Maio, é a Pitty. O programa vai ao ar de segunda à sexta às 17h. Para conferir o Rockstória da Pitty, acesse: www.cidadewebrock.com.br e Fique conectado!

postado: Italo Stade

2010-03-04T06:18:00.000-08:00

Serge Gainsbourg : Um Punhado de Gitanes
Sylvie Simmons

Antes de qualquer definição ou de qualquer coisa que se possa dizer a respeito de Serge Gainsbourg, o que realmente deve ser dito é que ele foi a materialização de toda e qualquer improbabilidade.

postado por:Italo Stade

2010-03-04T06:17:00.001-08:00

Oyamada saltou a fama como membro do dúo de pop chamado Flipper’s Guitar, un dos grupos clave da escena de Shibuya-kei de Tokio. Despois da disolución do grupo en 1991, Oyamada púxose o alias de "Cornelius" e embarcouse nunha carreira en solitario.

Numerosos críticos americanos describen o estilo musical do artista como similar a de Beck, a quen recoñece como influencia xunto con The Beatles, The Beach Boys, The Jesus and Mary Chain, Primal Scream e banda brasileira Kassin + 2, xunto moitos outros.

A música de Cornelius podería describirse como experimental e exploratoria, xa que a cotío incorpora elementos disonantes harmonicamente xunto a máis sons familiares e "agradables". Esta tensión, ademais da súa práctica de levar nos sons e os samples de cultura de masas, tons electrónicos puros, e os sons da natureza (como no seu álbum Point), levouno a ser categorizado como un "gusto adquirido".

Elixiu o seu pseudónimo en homenaxe ó personaxe do filme O planeta dos simios

Amanda Alves 7° ano

Isao Tomita

2010-03-04T06:15:00.000-08:00

Isao Tomita é um tecladista e compositor de música eletrônica, nascido no Japão. Em 1974, Tomita lançou o LP Snowflakes are Dancing, recebendo o prêmio da National Association of Record Merchandisers (NARM) como melhor gravação de música clássica do ano.

Tomita adaptou partituras orquestrais para o sintetizador e desenvolveu técnicas de obtenção de sons eletrônicos para serem empregados no lugar dos sons dos instrumentos acústicos. As produções de Tomita na década de 1970 envolvem muitas tarefas de criação e transformação do som. As partituras dos grandes compositores foram analisadas e as possibilidades de utilização dos sintetizadores para a criação das versões eletrônicas foram cuidadosamente estudadas.

Postado por:Larissa Soler